VCS#3-4_Giugno 2022

Special double issue
a cura di Sean Cubitt e Valentino Catricalà

ISSN: 27242307

ISBN: 9788857571034

#3-4 “Art in the Age of Ubiquitous Media”

A cura di Sean Cubitt e Valentino Catricalà

Sean Cubitt, Valentino Catricalà

Introduzione. Art in the Age of Ubiquitous Media

Sean Cubitt, Arron Santry

After the Future: Inhabiting Apathy in New Media Arts

Abstract

“Media arts” is a phrase that has circulated for a century now, dealing with electromechanical media (radio, film, rotary press, photography) and more recently with electronic media (video, electronic music, digital arts). With benefit of hindsight it became doctrine that all forms of art were media (Greenberg’s and McLuhan’s different historical versions of medium specificity); that all media were digital (Kittler) and – in what may well be the hegemonic idea of the 21st century – that all human activity, even all ecological activity, has always been fundamentally communicative; that we have been able to conceive of an aesthetic without medium. No matter that the substitute – the concept, especially in anti-retinal art – is in many respects a discrete medium embedded in the entrails of late 20th century theories of language.
This article first proposes this diagnosis, then sets out to decipher why the contradictions of art and technology, and more broadly of science and the social, have brought us to this conjuncture, and what kind of opportunity it presents for the (re)making of both arts and media.

Biographies

Sean Cubitt is Professor of Screen Studies at the University of Melbourne. His publications include The Cinema Effect, EcoMedia, The Practice of Light, Finite Media: Environmental Implications of Digital Technologies and Anecdotal Evidence: Ecocritique from Hollywood to the Mass Image. Co-editor of Ecocinema: Theory and Practice and Ecomedia: Key Issues. and series editor for Leonardo Books at MIT Press, he researches the history and philosophy of media, ecopolitical aesthetics, media arts and technologies and media art history.

Arron Santry is a PhD candidate in Media, Communications, and Cultural Studies at Goldsmiths, University of London. His research explores the connections between the use of digital technology in artists’ moving image and broader cultures of digitality, with a particular interest in art’s resistance to technological control.

Silvia Casini

The Space between Bodies: Exploring Contagion without Contact from Cohl’s Animated Cephaloscope (1910) to Feuerstein’s Borgy & Bes (2018)

Abstract

Advances in neuroscientific research and imaging technologies implies that the brain is no longer an object of wonder. The imaging and writing tradition present in the neurosciences - the former based on morphological aspects and the latter on physiological ones – claims to capture immaterial entities and give them a material form in the guise of a written trace or a brain scan (Borck 2016). I argue that the residual spiritualist element which is present in materialist technologies such as brain imaging can be traced back to experiments in telepathy predating the official birth of the neurosciences in 1962. My paper traces a long-term trajectory of brain and neuroscience based and inspired artworks, from telepathy through cybernetics to contemporary neurosciences. By analysing the almost forgotten lineage between telepathy and brain imaging through artworks such as the animated cinema as “cephaloscope” of Émile Cohl’s ‘Le retapeur de cervelles’ (1910) and Thomas Feuerstein’s neuroscience-based installations, I will highlight continuity and transformations in the conceptualisation of the brain as a thinking and acting entity. If the goal of telepathy and cybernetics was the search for direct communication and tuning in across languages and life forms exorcising the ghost in the machine of Cartesian memory, what do neuroscience-based and inspired artworks want? Nowadays, as I will argue, having left behind the dusty pathways of Cartesian dualism and of the cerebral subject (Vidal and Ortega, 2017), neuroscience-based and inspired artworks engage us with Catherine Malabou’s question “what we should do with our brain” (Malabou 2008)?

Biography

Silvia Casini is Senior Lecturer in Film and Visual Culture at the University of Aberdeen where she teaches courses to students in the humanities and in medicine. Her work is situated at the crossroad of visual culture, cinema, science studies, and the medical humanities. Her research, supported by grants coming from, among others, The Leverhulme Trust and the Carnegie Trust features in journals such as Configurations, Leonardo, Contemporary Aesthetics, Nuncius Journal of the Material and Visual History of Science, The Senses and Society. She published two monographs: Giving Bodies back to Data (The MIT Press 2021) and, in Italian, ll Ritratto- Scansione (Mimesis 2016). Among her most recent publications there is “What counts as data and for whom? The role of the modest witness in art science collaboration” (Routledge Handbook of Art, Science, and Technology Studies, 2021). She is currently co-editing a special number on visual culture, trauma and the medical humanities for the film and media studies journal Cinéma & Cie.

Delinda Collier

Crypto-Art and the Fungible Body: CUSS Group’s Video Party 4 (2014)

Abstract

CUSS Group’s Video Party 4 (2014) was a performance of a digital video artwork in downtown Harare, Zimbabwe. Cuss Group broadcast a music video, Felony/Stalker 7, by the British conceptual artist / pop musician Dean Blunt. The low-fi and glitch aesthetic, the file sharing transmission, and impersonations in CUSS Group’s and Blunt’s work suggest a “crypto” method of video art. This paper examines the relationship of the fungible in the digital token to the fungibility of the Black body and cultural methods of protecting information and people under perceived or real threat. The Black body after abolition is promised autonomy, but this autonomy is constantly undermined by the fact of its alienation and its ultimate exchangeability

Biography

Delinda Collier is Professor of Art History, Theory and Criticism and Interim Dean of Graduate Studies at the School of the Art Institute of Chicago. Her research interests are in old and new media in Africa, Luso-African Art, and Cold War modernisms. She is the author of Repainting the Walls of Lunda: Information Colonialism and Angolan Art (University of Minnesota Press, 2016) and Media Primitivism: Technological Art in Africa (Duke University Press, 2020), among many articles, essays, and reviews.

José Carlos Mariátegui

Cybernetics and the Arts in Latin America – A Journey

Abstract

This paper briefly describes some landmark events and practices which occurred during the ’60s and ’70s in Latin America – a period of intense creative, technological, and political changes – in which ground-breaking ideas of cybernetics and general systems theory influenced practices in the arts and humanities, providing an understanding of complex relations and behavior between disciplines and provide a platform for interdisciplinary communication and international exchanges. Driven by the revolutionary artistic and experimental projects, we elicit the distinctive ways in which Latin American artists and scientists were using technology to respond to local issues at a moment when computer systems and cybernetic models for management and organizational practices were being introduced in the region. The paper draws on the pioneering work of Mexican neurophysiologist Arturo Rosenblueth, a pioneering figure of cybernetics. Then, we will outline the work of the Centro de Arte y Comunicación (Center for Art and Communication) in Buenos Aires as a major regional hub, as well as artists, researchers, and activists such Francesco Mariotti, Francisco Sagasti, Analivia Cordeiro and Teresa Burga. We also provide brief accounts of two experiences in cybernetic management: Cybersyn (Chile) and CENTRO (Peru). Finally, we briefly share some conclusions based on these portrayals in order to frame the conditions that promoted the use of cybernetics in multidisciplinary experimentations in Latin America as well as its challenges. The paper aims to enquire on the necessity to map simultaneously – and from an interdisciplinary approach – different practices, coming from the arts, science and information systems that gives a broader understanding of pioneering experiences and spot some essential international exchanges and networks.

Biography

José-Carlos Mariátegui is a writer and curator on art, culture, and technology. Studied Biology and received his BSc in Applied Mathematics, holds both Masters and Doctoral degrees in Information Systems and Innovation from the London School of Economics and Political Science – LSE (London). Dr. Mariátegui is the founder of Alta Tecnologia Andina – ATA and co-founder of Escuelab.org, spaces devoted to art, technology and innovation in Latin America. Lecturer at LUISS (Libera Università Internazionale degli Studi Sociali “Guido Carli”) in Rome. Editorial Board member of Leonardo Books, Associate Editor of AI & Society (UK) and Board Member of Future Everything (UK). He is the co-editor with Max Hernandez and Jorge Villacorta of The future was now: 21 years of video and electronic art in Peru (2018) and Del cero al infinito: escritos de arte y lucha Essays by Rasheed Araeen (2019). Has published in journals such as Third Text, The Information Society, Telos, AI & Society and Leonardo and worked on projects on art, science and technology for more than two decades. His latest exhibition Broken Symmetries/Cuántica, explores the ways in which artists and scientists are interacting together at CERN. Has recently co-edited a special issue for AI & Society on Cybernetics in Latin America. His projects had been reviewed in Financial Times, New Scientist and The New York Times.

Roberto Paolo Malaspina, Andrea Pinotti, Sofia Pirandello

Emerging, Filtering, Symbiosing: Experiences in Augmented Art

Abstract

In this paper we offer a theoretical overview of contemporary an-icons, namely images which tend to present themselves as environments or parts of them, negating their iconic nature. Here we focus mainly on those generated by Augmented Reality (henceforth, AR), making a comparison with Virtual Reality (henceforth, VR) images. Both VR and AR are considered to be Extended Reality technologies. Still, while VR environments invite the user to literally dive into them through an experience of immersion that substitutes the actual world with an iconic one, AR digital entities emerge popping up in front of us in the physical environment. We suggest this opposition ‘immersivity vs. emersivity’ should more adequately be understood as a polarity, whose extremes (immersion and emersion) define a scale for VR and AR devices, accordingly to their gradient of unframedness, presentness, immediateness, interactivity. Starting from these premises, we consider a series of New Media Art projects often conceived for social networks such as Instagram, Snapchat, and Tik Tok. Specifically, we propose to consider AR filters as a phantasmagoric and para-hallucinatory presence with which the user interacts in a performative way. AR, and AR art in particular, seems on the one hand to inherit some aspects of collective cinema projects, such as Vertov’s and Garcia Espinosa’s; on the other hand, it can be considered one of those “techniques of the self” aimed at fixing, maintaining or transforming one’s identity (from a bodily, social, and gender perspective). Whether they question the political and identity dimension of the community or that of the single subject, such operations often choose playful communicative strategies to highlight expressive potentialities and repressive criticalities intrinsic to contemporary technologies.

Biographies

Roberto Paolo Malaspina graduated (MA) in 2019 in Visual Arts at the University of Bologna, with a dissertation on the theoretical identity of postmodern architecture. Between 2019 and 2020 he attended CAMPO, course for curators held by Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. He is currently a PhD student at the University of Milan, Department of Philosophy and Human Science, and member of the ERC project “An-Iconology. History, Theory, and Practices of Environmental Images”, where he conducts a research on the relationship between embodied perception, Virtual Reality and contemporary pornographies. 

Andrea Pinotti is full professor in Aesthetics in the department of Philosophy “Piero Martinetti”, State University of Milan and President of the scientific council of the Fondation Maison des Sciences de l’Homme in Paris. His research focuses on image theories and visual culture studies, virtual and augmented reality, memorialisation and monumentality, empathy theories, the morphological tradition from Goethe to the present day. He has been fellow of various international institutions, among which The Italian Academy at Columbia University, The Warburg Institute in London, the ZFL in Berlin, the IEA and the FMSH in Paris. Among his publications Empathie. Histoire d’une id.e de Platon au post-humain (Empathy. History of an Idea from Plato the the Post-Human, 2016), Cultura visuale. Immagini sguardi media dispositivi (Visual Culture. Images Gazes Media Dispositifs, with Antonio Somaini, 2016), Alla soglia dell’immagine. Da Narciso alla realtà virtuale (At the Threshold of the Image. From Narcissus to Virtual Reality, 2021). In 2018 he has been awarded the Wissenschaftspreis der Aby-Warburg-Stiftung in Hamburg. He is currently directing an Advanced project funded by the ERC (European Research Council) and entitled “An-Iconology. History, Theory, and Practices of Environmental Images” (2019-24). 

Sofia Pirandello is a PhD Student in Aesthetics at the Department of Philosophy of the University of Milan. Her research areas include aesthetics, cognitive sciences, philosophy of technology, theory of media, and contemporary art. She graduated in 2018 with a dissertation about the relevance of imagination in our everyday life, taking into account also specific cases such as literature and schizophrenia. She attended CAMPO, the art curator course held by Fondazione Sandretto Re Rebaudengo of Turin. She is currently working on a PhD thesis about the Augmented Reality feedback on human imagination, investigating its pros and cons from an aesthetical point of view, and also considering its political implications.

Miriam De Rosa

From Ontology to Topology: a Two-leg Methodological Journey to Look at Contemporary Media Arts

Abstract

The article elaborates on the concept of postcinema as an interim response to the debate around cinema medium’s specificity. Pushing it beyond the binary cinema/non-cinema, it advocates for a shift from ontology to topology. Whilst the former questions what moving images are, the latter is instead concerned with how moving images reconfigure themselves in a postdigital age and what relations link them together. Borrowing from Paul Sharits, Michel Serres and connecting them along the journey of an imaginary mariner, the text focusses on media arts as the site of contemporary media configurations and contends that fluidity, ongoingness and open-endedness are the main feature of the logic characterising topology.

Biography

Miriam De Rosa researches screen media arts and experimental cinema, media archaeology and film theories at Ca’ Foscari, University of Venice. She is the author of several books and essays on these topics, the latter being published on Screen and dealing with artistic moving images and topology. She also coordinates the International Master in Cinema Studies (IMACS), co-chairs the NECS CCVA, and sits on the SC. As an independent film curator her latest project was Desktop Cinema (Venice, April 2022).

Chirs Salter

Words without Bodies: Language Models and the Revenge of the Embodied Arts in AI

Abstract

With the release of Open AI’s GPT-3 (Generative Pre-Training, Version 3), a language model that utilizes a recent (2017) neural network called a Transformer with some 175 billion tunable parameters, it seems we have to contend with yet another technoscientific challenge to how we understand the world. GPT-3 is claimed to generate coherent, human-like language without any understanding of grammar, vocabulary and context. In this way, it surpasses both older concepts of generative grammar understandings of world (Chomsky 1958) as well as long standing arguments that language cannot exist without a body - that “semantics arises from the nature of the body” (Lakoff 2013). To put this more provocatively, is it possible to have a machine-based system generate something approaching human-like text (which resemble language) when such a system not only lacks understanding of grammar or the social-cultural context inherent to all languages? This essay attempts to address this question by examining how some recent media artistic works using deep neural networks have sought to address the political, aesthetic and ethical consequences of the continued (and perpetuated) gap between machine intelligence/output and bodily experience of the world. It attempts to open up a discussion around the ever-widening split between symbolic and bodily forms of experience; a split that is partially propagated by the increasing ubiquity of artificial intelligence itself. In other words, can we even have the hubris to claim that something that is “modestly” dubbed as “artificial general intelligence” (AGI) and that emerges from purely mathematical models could produce a simulacrum of language, without any sensorimotor understanding of the human and more than human world?

Biography

Chris Salter is an artist, full professor of computation arts at Concordia University in Montreal and is the Co-Director of the Hexagram network for Research-Creation in Media Arts and Technology. He completed his PhD in directing/dramatic criticism at Stanford University where he also researched and studied at CCMRA. His artistic work has been seen all over the world at such venues as the Venice Architecture Biennale, Barbican Centre, LLUM BCN, MUTEK, Wiener Festwochen, Berliner Festspiele, Muffathalle, Vitra Design Museum, Chronus Art Center Shanghai, HAUBerlin, BIAN 2014 (Montreal), LABoral, Lille 3000, CTM Berlin, National Art Museum of China, Ars Electronica, Villette Numerique, Todays Art, EXIT Festival, among many others. He is the author of Entangled: Technology and the Transformation of Performance (MIT Press, 2010), Alien Agency: Experimental Encounters with Art in the Making (MIT Press, 2015) and the forthcoming Sensing Machines: How Sensors Shape our Everyday Life (MIT Press, April 2022). In June 2022, he will take up the position of Professor Words without Bodies: Language Models and the Revenge of the Embodied Arts in AI 173 of Immersive Arts and Director of the Immersive Arts Space at the Zurich University of the Arts (ZHdK).

Inge Hinterwaldner, Daniela Hönigsberg, Konstantin Mitrokhov, Martina Richter

Negotiating the way to the Internet. The Impact of Software Design on the browsing experience and User Interaction

Abstract

During the last 30 years, a variety of Web browsers have been developed by software engineers as well as by artists. These applications all serve as entry points to the Web and shape the ways in which users interact. And yet, no study has so far been conducted to establish the relationships between these cross-domain developments. From the early days, the page metaphor provided a successful, initially even defining, conceptual model for presenting Web content in conventional browsers. Artists pursue diverging agendas, metaphors and spatial designs. They tend to abstain from mimicking the page and devote considerable attention to the visual, spatial and temporal configurations of their applications. Focusing specifically on these aspects, we compare five artists’ browsers both with each other and with a set of recurring spatial features in conventional browsers, e.g. “page” and “tab”, in order to distil implicit conceptions of the Internet, its users, and their opportunities-for-action.
In these case studies (I/O/D’s Web Stalker, JODI’s.com.mx from their %WRONG Browser series, Craighead & Thompson’s e-poltergeist, Hernando Barragán & Andrés Burbano’s Hiperlook, and Jasmine Guffond’s Listening Back), we analyze and address the following questions:
a) How are the web browsers designed spatially/visually/temporally?
b) What actions result from this design?
c) What user conceptions are deducible from the possible actions?
d) What Internet conceptions follow from both? Finally, we include findings from browser usage studies to introduce further parameters that help to highlight the specificities of how Internet use and access were envisioned in the browsers. We thereby hope to contribute to art and visual history, interface and Internet studies.

Biographies

Inge Hinterwaldner studied at the University of Innsbruck, and in 2009 she received her Ph.D in art history from the University of Basel, with a thesis on interactive computer simulations (The Systemic Image, German: Fink 2010, English: MIT Press 2017). Hinterwaldner taught at the Universities of Berne, Basel, Lucerne, Lüneburg, and Zurich before fellowships and grants allowed her to pursue her research at MECS in Lüneburg (2014), Duke University in Durham (2015), and MIT in Cambridge/MA (2016). After teaching at Humboldt University of Berlin, in October 2018 she accepted a professorship for art history at Karlsruhe Institute of Technology (KIT). Her research focuses on interactivity and temporality in the arts, computer-based art and architecture, image and model theory, and the interdependence between the arts and the sciences since the 19th century. 

Daniela Hönigsberg is an academic fellow at the Karlsruhe University of Technology in the Department of Art History. Since 2014, she has been doing her doctorate at the Technical University of Berlin on the topic of software as an artistic material. In 2015, she worked as a research assistant at the Technical University of Berlin for six months on the preparation of the proposal for the project Authorship 2.0. Her research focuses on computer- based art of the 1990s and early 2000s, interconnections of arts and sciences, and the theory of classical and early post-war modernism. 

Konstantin Mitrokhov is a researcher at KIT in the Institute for History of Art and Architecture. His academic background is in art praxis, photographic arts, and systems analysis. Konstantin’s research is focused on open-ended modes of knowledge production enabled by computation, spanning the fields of software studies, STS, film and media studies. He also works collaboratively as a video editor and cinematographer.

Martina Richter is a research assistant at the Karlsruhe Institute of Technology in the Institute for History of Art and Architecture. After studying computer science at KIT, she was e.g. working as a research assistant at Fraunhofer IOSB and as a guest artist at the ZKM | Center for Art and Media. The focus of her work is on robotics from different perspectives – in industrial, artistic and teaching fields.

Ashley Lee Wong

NFTs and Digital Collectibles: Creating systems of ownership for digital objects

Abstract

This article seeks to contextualize digital art collecting and the NFT (nonfungible tokens) within various cultures of collecting of the art market and politics of technological development. Drawing from a brief history of art markets of economies of video and media art, I detail experiences from working at Sedition, an online platform for distributing digital limited editions by contemporary artists. I describe the initial challenges of selling and monetizing (immaterial) digital objects, and the value held in certificates of authenticity and licensing contracts as precursors to the NFT. A perceptual shift following the sale of the first NFT at Christies by Beeple aided the creation of collective fiction by leveraging the power of auction houses to validate and establish a new kind of market. I contextualize the emergence of NFTs within a broader social, cultural and historical milieu often lost within the hype of new innovations. The intention is to demonstrate how art markets, including the NFT markets, are dynamic sociomaterial processes that are partly determined by the technological condition, but also by society and culture. Culture and technology are entwined, where the NFT market continues to reinforce a logic founded upon private ownership, scarcity and financial speculation. Towards the end of the article, I open pathways to consider art beyond finite ownable objects through other applications of blockchain, such as DAOs (decentralized autonomous organizations) to consider how we may sustain and nurture art as shared cultural experiences.

Biography

Ashley Lee Wong is a curator and researcher based in Hong Kong. She is Co-Founder and Artistic Director of the studio MetaObjects facilitating digital projects with artists and cultural institutions. She is coordinator of the Research Network for Philosophy and Technology. She completed a PhD at the School of Creative Media, City University of Hong Kong, and an MA at Goldsmiths, University of London. She has worked as Head of Programmes and Operations for Sedition, an online platform for distributing digital limited editions by contemporary artists based in London.

Domenico Quaranta

Crypto Art Does Not Exist. Coming to Terms with an Unfortunate Art Label

Abstract

The term “Crypto Art” emerged around 2017 within the communities that, following the example of Rare Pepes (obscure memes turned into collectible digital cards) and of projects such as CryptoPunks and CryptoKitties, started associating digital artworks with NFTs (Non-Fungible Tokens) registered on a blockchain and regulated by smart contracts. Defined in a distributed academic paper (Franceschet et al., 2019) with the help of data scientists, artists, collectors, platform owners and art scholars, the term was irresponsibly popularized by mass media and art magazines along the NFT craze in early 2021. Yet, as an art label, “Crypto Art” is problematic on many levels. This paper offers an in-depth analysis of the way it has been used and of the practices it circumscribes, in the attempt to demonstrate its weakness and the potential danger of using it.

Biography

Domenico Quaranta is an art critic, curator and teacher interested in the ways in which the ongoing technological changes affect contemporary artistic practices. His texts have appeared in numerous magazines, newspapers, books and catalogs. He is the author, among other things, of Beyond New Media Art (2013) and Surfing con Satoshi. Arte, blockchain e NFT (Postmedia Books, Milan 2021); and editor of several volumes, including GameScenes. Art in the Age of Videogames (2006, with M. Bittanti). Since 2005 he has curated several exhibitions, including Collect the WWWorld. The Artist as Archivist in the Internet Age (Brescia 2011; Basel and New York 2012); Cyphoria (Quadriennale 2016, Rome) and Hyperemployment (MGLC, Ljubljana 2019 – 2020). He is a Professor of Interactive Systems and a cofounder of the Link Art Center (2011 – 2019). More information:http://domenicoquaranta.com.

Paul Thomas

Quantum Reflection

Abstract

The article explores parallels between quantum evolution and developments taking place in the fine arts. Chance, uncertainty, probability, and intuition are all hallmarks of expression across the fields of both art and scientific practice. The role of the observer in art and science is explored through a comparative study between the act of fine art drawing and quantum measurement. What is meant by the role of the observer to the very act of seeing. The observer draws away a veil of inadequacy in looking for reality. The article reflects on the process of drawing’s comparative relationship the role of the observer in art and scientist. This role of the observer is analyzed in relation to delayed choice quantum erasure, probability, indeterminacy, counterfactual definitiveness, entanglement, superposition, and the classical-quantum divide, through the artist’s act of mark-making. There is a need for an attentive gaze when confronting so-called truths. Intentional repositioning and reframing of science practices through art can promote exploration of different ways of visualizing, perceiving, understanding, communicating, and acting in the material world. In so doing the article describes a “quantum drawing” workshop created for art and science practitioners.
The workshop is a new model for facilitating a transdisciplinary development of alternative domains and discourses that garner insights from the act of seeing and understanding. The workshop explores visual expression, material interaction and embodied practices speculating on quantum intuition, quantum computing and infinite speed. The article defines the quantization of drawing as a tool for unpacking the role of the observer in art and science to embrace uncertainty.

Biography

Paul Thomas is Honorary Professor at UNSW Art and Design and currently the Director of the Studio for Transdisciplinary Art Research (STAR) as well as the founder and series-chair of the Transdisciplinary Imaging Conference series 2010-2022. In 2000 he instigated and was the founding Director of the Biennale of Electronic Arts Perth 2002, 2004 and 2007. As an artist he is a pioneer of transdisciplinary art practice. His practice led research takes not only inspiration from nanoscience and quantum theory, but actually operates there. My current publication Quantum Art and Uncertainty (October 2018) is based on the concept that at the core of both art and science we find the twin forces of probability and uncertainty. My internationally exhibited research projects have been based on working with scientist inquiring in specific areas of physics. The current creative practice ‘Quantum Chaos’ artwork is based on experiments done in collaboration with the, Centre for Quantum Computation and Communication Technology, UNSW. Publications, Quantum Art and Uncertainty (2018), Nanoart: The Immateriality of Art (2013). An archive of my practice can be found on my website http://Visiblespace.com.

Roger Malina in conversation with Joel Slayton

Provoking a Desirable Future. The advantages and disadvantages of permeable membranes

Introduction by Joel Slayton

 Inciting systemic change requires provocation. Now is the time to rethink the interface between art, science, and technology, a rhetoric that has often lost relevancy in a contemporary world facing a vast ecology of complex challenges. Strategies for addressing sustainability, climate, literacy, equity, and human rights necessitate a more provocative creative problem-solving methodology. Over the years, Roger Malina and I have connected and then disconnected, only to connect again, our paths intersecting in time and place, and through respective professional networks including LEONARDO/ISAST (International Society for the Arts, Sciences, and Technology). Underlying our interaction has been a commitment to expand research, experimentation, and discourse regarding how knowledge is produced, experienced, and shared. Of particular interest to us at the moment is the relationship of provocation to complex systems and networks, and autopoiesis. This recorded on line derived dialogic reflects upon our personal and collective experiences while also attempting to illuminate options for moving forward.

Biographies

Roger Frank Malina is an artscience researcher, educator, editor, astrophysicist. He is a ‘hybrid’ professional. He also writes poetry as part of his creative practice. He co-founded the UTD ArtSciLab (ASL), with UNT Design Professor Cassini Nazir. We enable and incubate close collaboration between scientists and artists, and other hybrid projects. Methods include science of team scienc, transition design, metaphor theory. We develop data performance and transdisciplinary research and apprenticeships, with focuses for example on developing Data Analytics for the ArtSciences. ASL also carries out research in experimental publishing and curating in collaboration with MIT Press and Leonardo/ISAST at Arizona State University and OLATS in Paris. Former NASA PI University of California Berkeley Extreme Ultraviolet Explorer satellite. Former CNRS Director Observatoire Astronomique de Marseille Provence, Marseille. Executive Editor Leonardo Publications, MIT Press. BS Physics MIT 1972, PhD Astronomy UC, Berkeley 1979. Honorary Doctorate from the Polytechnic University of Valencia, and the Ars Electronica Golden Nika for collective work through Leonardo. He is bilingual English, French and has lived in Dallas, Paris, London, San Francisco, Marseille.

Joel Slayton is a pioneering artist exploring the boundaries of Art, Science and Technology. Slayton’s professional practice is that of a provocateur who speculates on the promise and expectations of technology dependent culture. Slayton’s professional practice centers on the relation of elaborate organizational production systems that serve to question the function of art and role of the artist in contemporary society. The L&J. Ranch, Slayton’s most recent initiative, is designed to take place over the next decade as an evolving narrative focused on land-use across rural America. The project focus is on developing the frame of Eco Plasticity as an i way to more deeply appreciate the complexity of human/natural ecologies. Joel Slayton is Professor Emeritus at San Jose State University where he founded the CADRE Laboratory for New Media in 1985. He serves on the Board of Directors for LEONARDO ISAST and is is Senior Fellow of the Silicon Valley American Leadership Forum. Joel Slayton was an original member of the MIT Visible Language Workshop, one of the laboratories that gave rise to the MIT Media Lab. From 2008-2017 he was Executive Director for the ZERO1 Biennial. From 1997-2006 Joel Slayton was President and Founder of C5 Corporation , a hybrid artwork focused on big data visualization and created to intersect art, research. and business practices. Slayton’s artworks have been featured hundreds of exhibitions round the world.

#3-4 “Art in the Age of Ubiquitous Media” - Keywords:

Artificial Intelligence; Augmented Reality; Digital Art; Virtual reality; Visual Culture; virality;  Bodily Forms of Experience; digital media; Ubiquity; deep mapping; network visualization; open data; science mapping; music; social networks; memory; street art; Lev Manovich; Roger Malina; web developing; Interactive Systems; Beeple; contemporary art; Crypto art; general intelligence; Artificial General Intelligence; Life science; cybernetics; wearable devices; apathy; Africa; Alberto Giacometti; Token; GPT-3; Internet; New media Art; Blockchain; database; provider; spazialità, digitale; interface; memory; Google, Piero Manzoni; Refik Anadol; Hope.

Archivio

VCS#2_Giugno 2021

a cura di Tarcisio Lancioni e Federica Villa

ISSN: 27242307

ISBN: 9788857571034

#2 “The Visual Culture of SARS-CoV-2”

A cura di Tarcisio Lancioni e Federica Villa

Tarcisio Lancioni, Federica Villa

Introduzione. The Visual Culture of SARS-CoV-2

Camilla Pietrabissa

The eternal event. Urban void and image temporality from the Renaissance to 2020

Abstract

Nei mesi successivi all’inizio della pandemia del 2020, riferimenti al vuoto urbano hanno pervaso il campo mediatico in forma visiva o testuale. Il presente saggio pone il problema della condizione di visibilità di un evento come la pandemia, ovvero della possibilità stessa di rappresentarla come evento transitorio. Quale temporalità suggeriscono le immagini delle città vuote? Agli albori della fotografia, la possibilità di documentare un evento istantaneo dipendeva dal tempo di posa. Al contrario, nell’assenza di un “evento”, come nel caso del lockdown del 2020, l’immagine urbana diviene atemporale, rivelando la sua natura utopica nel solco dell’analisi di Louis Marin. Il saggio propone una lettura della rappresentazione visiva della città deserta come luogo di continuità temporale attraverso un’analisi storiografica delle rappresentazioni delle città ideali del Rinascimento, delle vedute di Canaletto e delle piazze di Giorgio De Chirico. Tra le immagini del 2020, si analizza in particolare il lavoro del fotografo Graziano Panfili, che ha selezionato e manipolato alcuni fermo-immagine di filmati delle webcam che riprendono spazi pubblici. La scelta di questo dispositivo di controllo, sempre acceso e solitamente monotono, tende ad amplificare la condizione atemporale e utopica propria della fotografia urbana.

In the months following the beginning of the 2020 pandemic, visual and textual references to urban void pervaded the media. This essay considers the condition of visibility of the pandemic event, that is to say the very possibility to represent it as a transitory event. How is temporality pictured in empty cities? In the early years of photography, the reporting of an event was hindered by lengthy exposure time. In the case of the 2020 lockdown, the absence of an “event” the image becomes atemporal, revealing the utopic nature of urban representation as discussed by Louis Marin. Here we propose an analysis of the visual representation of the urban void as a place of temporal continuity through a historiographic survey from the Renaissance ideal cities to Canaletto’s views and Giorgio de Chirico’s squares. Among images of 2020, we examine a project by photographer Graziano Panfili, consisting of selected and manipulated stills from webcams placed in public sites around the world. This device of security and control tends to amplify the atemporal and utopian meaning of urban photography.

Biografia

Camilla Pietrabissa è assegnista di ricerca in storia dell’arte e dell’architettura all’Università IUAV di Venezia, e docente a contratto in storia dell’arte moderna all’Università L. Bocconi di Milano. Ha conseguito il dottorato al Courtauld Institute of Art di Londra nel 2019, ed è stata assistente curatrice al gabinetto dei disegni della Courtauld Gallery e del Musée du Louvre. I suoi interessi di ricerca sono: la teoria e la storia del disegno, e l’immagine di paesaggio e di città nell’Europa moderna. E’ stata borsista del Centre Allemand d’Histoire de l’Art di Parigi e della Fondazione 1563 per l’Arte e la Cultura di Torino, ed è al momento Panofsky fellow allo Zentralinstitut für Kunstgeschichte (ZI) di Monaco

Massimo Leone

Masks, Sunglasses, and Gloves: COVID-19 Visual Semantics

Abstract

La pandemia ha generato una visualità completamente nuova, la cui funzione implicita sembra essere quella di far fronte alla perniciosa invisibilità del virus e dei suoi contagi. L'articolo si concentra, in particolare, sulla semiotica visiva della mascherina anti-COVID-19. Sostiene che, mentre questo dispositivo indossato difficilmente può essere ri-funzionalizzato a livello individuale, a livello collettivo, al contrario, diventa oggetto di una ricorrente ri-semantizzazione visiva, i cui schemi la semiotica deve indagare anche per formulare alcune previsioni sul futuro culturale di questo oggetto ormai onnipresente: rimarrà per sempre nello spazio visivo umano?

The pandemic begets an entire new visuality, whose implicit function seems to be that of coping with the pernicious invisibility of the virus and its contagions. The article focuses, in particular, on the visual semiotics of the anti-COVID-19 medical face-mask. It argues that, whereas this worn device can be hardly re-functionalized at the individual level, at the collective level, on the contrary, it becomes the object of a recurrent visual re-semantization, whose patterns semiotics must investigate also in order to formulate some previsions about the cultural future of this now omnipresent device: will it remain forever in the human visual space?

Biografia

Massimo Leone è Professore Ordinario di Filosofia della Comunicazione, Semiotica della Cultura e Semiotica dell’Immagine presso il Dipartimento di Filosofia e Scienze dell’Educazione dell’Università di Torino, Vice-Direttore per la Ricerca presso lo stesso Dipartimento, e Professore Ordinario a tempo parziale di semiotica presso il Dipartimento di Lingua e Letteratura Cinese dell’Università di Shanghai, Cina. È stato ricercatore invitato presso numerose università e centri di studi avanzati nei cinque continenti. Le sue ricerche al momento si concentrano sulla semiotica del volto nelle culture digitali. È autore di quindici monografie (in italiano, inglese, francese, cinese, etc.), oltre cinquecento articoli scientifici in varie lingue, e curatore di una quarantina di volumi collettivi. Dirige la rivista Lexia (SCOPUS, fascia A), la rivista Semiotica (De Gruyter, WES, SCOPUS, fascia “A”) e le collane I saggi di Lexia (Aracne), Semiotics of Religion (De Gruyter) e Advances in Face Studies (Routledge).

Gabriele Marino

Metafora della guerra e guerra alla metafora. Una polemica di prospettiva

Abstract

Il ricorso alla metafora della guerra per riferirsi alla pandemia, una figura abusata dai media e dai politici, ma impiega-ta anche nel discorso comune, oltre che dagli stessi contagiati, è stato aspramente criticato da più parti. Si sono citati, a tale proposito, studi classici sulla pervasività e performatività delle metafore e sul loro utilizzo “romanticizzante” in contesto medico-sanitario. Ma l’uso delle metafore, come insegna la filosofia del linguaggio più accorta, vi è consu-stanziale (non si dà, cioè, un linguaggio miticamente neutro, da una parte, e uno surrettiziamente ideologicizzato, dall’altra), né paragonare il simile al simile (come fatto da molti richiamandosi ad altre epidemie storiche) si rivela ne-cessariamente una strategia semiotica migliore (si paragona l’epidemia alla guerra proprio riconoscendo che le due cose sono cose comunque differenti). Il contributo intende riflettere su questo intreccio di tensioni discorsive e suggerire co-me un approccio che si voglia dire genuinamente semiotico alla questione non possa coincidere con un prescrittivismo antimetaforico, meccanicistico, referenzialista, riduzionista. La semiotica dovrebbe stare nel mezzo: sa perfettamente che le parole hanno una loro efficacia e agiscono, ma sa anche che non bisogna assolutizzarle. Esse fanno, fanno cre-dere e fanno fare cose, ma non sono invincibili formule magiche, né tutti le utilizziamo nello stesso senso, nello stesso modo, per gli stessi scopi. Su questa tropofobia, su questa ortolessia, insomma, la semiotica ha almeno qualcosa da (ri)dire.

The use of the “war metaphor” to deal with the pandemic has been harshly criticized, as this trope has been abused in the media and political discourse, besides being employed in common discourse, and by the infected themselves. In this regard, classic studies on the pervasiveness and effectiveness of metaphors and on their “romanticized” usage in medi-cal-health context have been cited. But the use of metaphors, as the philosophy of language suggests, is consubstantial to human speech (there is no mere neutral language, on the one hand, and no mere surreptitious language, on the oth-er), nor comparing the similar to the similar (as many did by resorting to past plagues) necessarily proves a better semi-otic strategy (the epidemic is being compared to war precisely by recognizing that the two are actually different things). The paper aims to reflect on the intertwining between these discoursive tensions and suggest how a properly semiotic approach to the issue cannot coincide with an anti-metaphorical, mechanistic, referentialist and reductionist prescrip-tivism. Semiotics should be somewhere in between: words have their own efficacy and do act, but they must not be ab-solutized. They do things, they make believe things and make people do things, but they are not invincible magic for-mulas, nor do we all use them in the same sense, same way, for the same purposes. Semiotics has the numbers to be the right perspective to object against this tropephobia and ortholexia.

Biografia

Gabriele Marino, semiologo, lavora all’Università di Torino all’interno di FACETS, progetto finziato dal Consiglio Europeo della Ricerca incentrato sulla semiotica del volto. Si occupa di musica, comu-nicazione online, teoria semiotica

Alice Cati

Piccole finestre sul nonumano. Immagini per l’educazione ambientale nell’era della pandemia

Abstract

Tra gli effetti dell’isolamento forzato a causa della pandemia, uno ha particolarmente colpito l’immaginario collettivo: la rivincita della Natura sull’uomo. All’interno infatti di numerosi discorsi sociali e mediali, l’angoscia per il vuoto che inizialmente ha dominato lo spazio pubblico nei mesi del lockdown si è progressivamente tramutata nella ricerca di un’alterità, capace di ridefinire i confini dell’esistenza a partire da una nuova relazione tra Uomo e Natura. Ponendosi questo obiettivo, si sono mosse numerose istituzioni e associazioni, interessate a promuovere iniziative di educazione all’ambiente per le giovani generazioni, la cui coscienza ecologica si è formata con una certa precocità rispetto al passato. Il presente contributo vuole pertanto esaminare alcuni progetti di riconversione dei dispositivi mediali in vere e proprie finestre di osservazione e contemplazione degli habitat vicini e lontani (es. le citizen science activities di Natura dalla/alla finestra ed Explore), affiancandovi anche lo studio di pratiche artistiche pensate per generare e condividere immagini di sé ibridate con le forme di elementi naturali (es. la app Earth Speakr ideata con realtà aumentata dal visual artist Olafur Eliasson). Particolare attenzione verrà posta sui media digitali come strumenti privilegiati per diffondere una nuova educazione ecologica, sempre però in bilico tra due tensioni: la reificazione del naturale ad opera del sistema mediale contemporaneo e la creazione di un rapporto di risonanza tra umano e nonumano.

Among the effects of forced isolation due to the pandemic, one particularly struck the collective imagination: Nature's revenge on man. In fact, within many social and media discourses, the sense of emptiness that initially dominated the public space in the months of the lockdown has gradually turned into the search for an otherness, capable of redefining the boundaries of existence from a new relationship between Man and Nature. With this objective in mind, many institutions and associations have taken action, interested in promoting environmental education initiatives for the younger generations, whose ecological consciousness has formed somewhat earlier than in the past. This paper will therefore examine some projects of reconversion of media devices into real windows of observation and contemplation of near and far natural habitats (e.g. the citizen science activities of Natura dalla/alla finestra and Explore), also adding the study of artistic practices designed to generate and share images of oneself hybridized with the forms of natural elements (e.g. the app Earth Speakr designed with augmented reality by visual artist Olafur Elíasson). Particular attention will be paid to digital media as privileged tools to spread a new ecological education, but always balanced between two tensions: the reification of the natural by the contemporary media system and the creation of a resonant relationship between human and non-human.

Biografia

Alice Cati è ricercatrice t.d. di tipo B presso l’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano, dove è titolare degli insegnamenti di Linguaggi e semiotica dei prodotti mediali e di Linguaggi dell’audiovisivo. I suoi interessi di ricerca riguardano principalmente la relazione tra immagine e memoria, il rapporto tra cultura visuale e migrazione, il documentario, il trauma transculturale, nonché le forme di rappresentazione e narrazione del Sé attraverso i media audiovisivi, con una speciale attenzione verso i film privati. Tra le sue più recenti pubblicazioni, Gli strumenti del ricordo. I media e la memoria (2016) e Cinergie. special issue The Migrant as an Eye/I. Transculturality, Self-representation, Audiovisual Practices (2019). Attualmente è membro del Comitato direttivo del progetto “Mediations/Migrations” sul ruolo dei media nelle pratiche di inclusione dei soggetti migranti.

Deborah Toschi

Bodies and maps, display the habitat of the contagion

Abstract

La cartografia del contagio si configura non come forma di rappresentazione dello spazio ma come modello di conoscenza dello spazio vissuto, di un habitat. La recente pandemia ha rilanciato due forme di visualizzazione, le dashboard e le immagini satellitari. Le prime, diffuse quotidianamente e ormai familiari, sono un dispositivo di iscrizione, che consente di visualizzare elementi rilevanti in riferimento a uno specifico argomento declinandoli in una geolocalizzazione locale, regionale, nazionale o internazionale. Le immagini in remote-sensing sono una forma complessa di visualizzazione e hanno una dimensione di sorveglianza e autorità. In che modo questa cartografia ci permette di pensare al mondo infetto? Dashboard e mappe della mobilità rendono l'idea di uno spazio cambiato, meno sicuro e in continua trasformazione, introducendo una dimensione opaca nell'ambiente circostante. Il risultato è uno sguardo disorientato sulla realtà e sul paesaggio. Invece le immagini satellitari, che ricorrono al metodo di imaging aereo pre e post evento, uno strumento ricorrente per il monitoraggio e la mappatura dei disastri, ci narrano un habitat radicalmente cambiato. In questa prospettiva, il punto di vista aereo, distaccato, oggettivo ed esplicitamente non umano favorisce una messa a distanza tra noi e l'ambiente.

The cartography of the contagion is configured not as a form of representation of space but as a model of knowledge of lived space, of a habitat. The recent pandemic has relaunched two forms of visualization, dashboards and remote-sensing images. The first, daily widespread and now familiar, are an inscription device, allowing you to view relevant elements in reference to a specific topic declining them in a local, regional, national or international geolocation. Remote sensing images are a complex form of visualization and have a dimension of surveillance and authority. How does this cartography allow us to think about the infected world? Dashboards and mobility maps render an idea of a space changed, less sure, and in continuous transformation, introducing an opaque dimension into surrounded environment. The result is a disoriented gaze we have on reality and the landscape. Powerful satellite imagery, using the pre- and post-event aerial imaging method that is a recurring tool for disaster monitoring and mapping, makes us understand our habitat as dramatically changed. In this perspective, the aerial, detached, objective and explicitly non-human point of view has promoted a great distance between us and the environment.

Biografia

Deborah Toschi è professore associate presso l’Università degli Studi di Pavia, nella quale collabora con il centro di ricerca Self Media Lab. Scritture, Performance, Tecnologie del Sé. Le sue aree di ricerca pertengono il cinema italiano, la rappresentazione del femminile e l’immaginario medico-scientifico nella cultura visual contemporanea.

Valeria Burgio

The efficacy of scientific diagrams during the Covid-19 pandemic: processes of visual translation and dynamics of online diffusion

Abstract

Lo scoppio dell’epidemia di Covid-19 nel 2020 ha comportato immediatamente una copertura mediatica senza precedenti di temi sanitari e scientifici. Esperti e scienziati, chiamati a comunicare con urgenza ai cittadini l’entità di un pericolo e le misure per arginarlo, hanno concepito e sviluppato artefatti visivi finalizzati a comunicare efficacemente un contenuto scientifico a un grande pubblico. Questo saggio esamina in particolare il grafico scientifico che ha dominato il discorso politico-sanitario soprattutto nelle due settimane che vanno dall’8 al 21 Marzo 2020, quello a cui è legato lo slogan “Flatten the curve”. Circolante da tempo nel ristretto ambito epidemiologico, il diagramma si è improvvisamente diffuso in rete ed è rimbalzato su altri media, subendo trasformazioni progressive che ne hanno ridotto l’ambiguità e lo hanno reso sempre più comprensibile al grande pubblico. La sua evoluzione, ricezione e circolazione all’interno dei social network è occasione per osservare il formarsi di un’opinione pubblica intorno a costellazioni di scienziati attive in rete. Inoltre permette di osservare lo sviluppo di un linguaggio che oscilla dinamicamente tra il verbale e il visivo, costruendo un immaginario comune a cui si è appoggiata la retorica del linguaggio politico. L’immagine scientifica è dunque osservata nella sua efficacia, nella misura in cui questa, oltre a “far sapere”, riesce a “far fare” assumendo una performatività che la proietta in un ambito strategico-politico.

The outbreak of the Covid-19 epidemic in 2020 led to an immediate and unprecedented media coverage of scientific and health issues. Experts and scientists were called upon to urgently communicate to citizens the extent of the danger and the measures required to contain it. They thus conceived and developed visual artifacts which could efficiently communicate scientific content to a wider public. This paper specifically examines the scientific chart that dominated the political and national health discourse particularly during the two weeks between March 8th and 21st 2020, and was linked to the slogan “Flatten the curve”. Long circulating in the narrow field of epidemiology, the diagram suddenly spread across the Internet and spilled over onto other media, subject to the progressive variations that made it less ambiguous and increasingly comprehensible to a wider audience. Its evolution, acceptance and circulation on the social networks offer an opportunity to observe how public opinion was formed around constellations of scientists working actively online. It furthermore makes it possible to observe the development of a language that oscillates dynamically between the verbal and the visual, building a common imagery that was used to support the rhetoric of political language. The scientific image is thus observed as effective, to the extent to which it prompts not only knowledge, but action as well, acquiring a performativity that projects it into a strategic-political dimension.

Biografia

Valeria Burgio è una ricercatrice indipendente. Questo saggio è stato concepito e sviluppato nell’ambito del suo progetto di ricerca sulla visualizzazione dell’incertezza nell’infografica, svolto presso la facoltà di Design e arti della Libera Università di Bolzano, dove è stata ricercatrice a tempo determinato in teorie e linguaggi del design e ha insegnato per diversi anni Visual Culture nell’ambito di progetti di comunicazione visiva. Laureata in Scienze della Comunicazione a Bologna, ha un titolo di dottore di ricerca in Teorie delle Arti conseguito allo Iuav di Venezia e ha ottenuto assegni di ricerca di post-dottorato all’EHESS/CNRS, Parigi e all’Università Iuav di Venezia. È autrice del libro William Kentridge, pubblicato da Postmedia Books, 2013. Ha co-curato il libro Europa Dreaming. Yearning for Europe from the Brenner Pass, edito dalla Bolzano University Press nel 2019. È stata coordinatrice ed editor del libro Migropolis/Venice: Atlas of a Global Situation, edito da Hatje Cantz Verlag, 2009.

Dario Rodighiero , Eveline Wandl-Vogt , Elian Carsenat

Making Visible the Invisible Work of Scientists during the COVID-19 Pandemic

Abstract

Nonostante la percettibilità degli effetti che impartiscono ai loro ospiti, la capacità più incredibile dei virus sta nella loro invisibilità. L'invisibilità è il lato più spaventoso dell'attuale pandemia, e invisibile è anche il lavoro degli scienziati che cercano di trovare una soluzione. Questa proposta presenta una visualizzazione dei dati che mira a dare visibilità a quegli scienziati che lavorano su COVID-19. Le loro pubblicazioni scientifiche sono state analizzate computazionalmente e trasformate in una struttura relazionale basata sulla similarità lessicale. Il risultato è una rete di scienziati la cui vicinanza è data dalla loro vicinanza per iscritto. Un metodo visivo innovativo che ibrida visualizzazioni di rete e nuvole di parole mostra gli scienziati in uno spazio profondo, esplorabile attraverso parole chiave. In tale spazio, gli individui sono situati in base alla loro somiglianza lessicale e le parole chiave vengono utilizzate per chiarire la loro vicinanza. Zoomando, la visualizzazione rivela più informazioni sugli scienziati e sui loro cluster. Mentre molte visualizzazioni durante la pandemia si sono concentrate sul mostrare la diffusione dell'infezione, causando ansia tra i lettori, questa visualizzazione rivela gli sforzi della scienza per sradicare il virus. Rendere visibile l'enorme numero di scienziati che lavorano alla ricerca COVID-19 contribuirà a far fronte in modo più positivo alla pandemia. Il risultato finale è consultabile al seguente link.

Despite the perceptibility of the effects they impart on their hosts, the most incredible capacity of viruses is in their invisibility. Invisibility is the most frightening side of the current pandemic, and invisible is also the work of the scientists striving to find a solution. This proposal presents a data visualization that aims to give visibility to those scientists working on COVID-19. Their scientific publications have been computationally analyzed and transformed into a relational structure based on lexical similarity. The result is a network of scientists whose proximity is given by their closeness in writing. An innovative visual method that hybridizes network visualizations and word clouds shows the scientists in a deep space, explorable through keywords. In such a space, individuals are situated according to their lexical similarity, and keywords are used to clarify their proximity. By zooming, the visualization reveals more information about scientists and their clusters. While a lot of visualizations during the pandemic focused on showing the spread of infection, causing anxiety among the readers, this visualization reveals the efforts of science in eradicating the virus. Making visible the enormous number of scientists working on COVID-19 research will contribute to coping more positively with the pandemic. The final result is available at this link.

Biografia

Dario Rodighiero (Harvard University). Dario is affiliated at the Berkman Klein Center for Internet & Society and a postdoc of the Metalab, a knowledge-design laboratory working in the arts and humanities. The Swiss National Science Foundation awarded him two consecutive fellowships to study abroad. His capacity at the intersection of visual studies, data science, and digital humanities makes him comfortable in multiple disciplines. The Swiss Federal Institute of Technology in Lausanne awarded him a PhD in Science after attending the program of Architecture and Sciences of the City.

Eveline Wandl-Vogt (Austrian Academy of Sciences). Eveline Wandl-Vogt is an experimentalist, a foundress, and a senior director of Ars Electronica Research Institute knowledge for humanity (k4h+), and a foundress and a coordinator of the transdisciplinary movement exploration space at the Austrian Academy of Sciences. The initiatives represent meta- and anti-disciplinary approaches to reinvent the future of humanities through centered design and open innovation (OI). They are best practice examples for OI of the Austrian government (k4h+, exploration space), vivid collaboration frameworks between artists, business companies, citizens, practitioners, politicians, and scientists.Elian Casernat (Namsor).

Elian Carsenat is a founder and a visionary entrepreneur; he serves as an international consultant and as an experienced data scientist. He is passionate about the world’s cultures and languages and their impact on business, economy, and development. Elian founded NamSor whose algorithm helps to classify personal names by gender, country of origin, and ethnicity, inferring valuable information about 7 billion people. Using this algorithm, Elian and his team have helped countries in reconnecting with diaspora by attracting FDIs, talents, and jobs. In addition, he co-founded GenderGapGrader to promote gender diversity through data and APIs.

Stefano Jacoviello

La musica che ci riguarda. Virtual ensemble, pratiche social e memoria del suono

Abstract

Ai primi di marzo 2020, per l’insorgere del contagio, un decreto ha impedito qualsiasi forma di musica dal vivo. Da allora le pratiche musicali sono ancora fortemente limitate, soprattutto nella capacità di costituire comunità culturali fondate sulla condivisione collettiva dell’esperienza del suono. La reazione alle restrizioni ha spinto a riformulare in modalità partecipativa la produzione di videoclip musicali in multiscreen, provocando un reinvestimento estetico ed etico collettivo sul formato audiovisivo presistente. Ciò ha condotto alla nascita in rete di nuovi modelli di performance musicale, la cui efficacia semiotica è basata sull’ordine di spazio e tempo imposto dai dispositivi dei social network. Sul crinale fra rappresentazione illusoria e simulazione interattiva, saranno analizzati tre casi sviluppati durante la pandemia, in cui le speciali forme di testualità audiovisiva hanno instaurato dei regimi virtuali di prossimità nella distanza, ricostituendo in rete comunità regolate dall’esperienza musicale. A questi processi di socialità mediata dall’immagine digitale può essere delegata la riabilitazione di una semiotica dell’ascolto condivisa, funzionale a ricucire una memoria del suono proprio attraverso un uso critico delle tecnologie che rischiano di disgregarla.

In early March 2020, a decree prevented any form of live music in order to contrast the Sars Cov-2 pandemic. Since then, musical practices are still severely limited, especially in establishing cultural communities based on the collective sharing of the experience of sound. The reaction to the constraints led to a participatory making of multiscreen music videoclips. These processes activated a collective aesthetic and ethical reinvestment in the existing audiovisual format. There came new models of musical performance online, whose semiotic effectiveness is based on the order of space and time imposed by the devices of social networks. On the border between illusory representation and interactive simulation, this paper analyses three cases developed during the pandemic, in which special forms of audiovisual textuality have established virtual regimes of proximity-into-distance, reconstituting communities governed by musical experience online. These processes of sociability mediated by the digital image can bring to the reenactement of collective music signification processes. The sharing of these latter is functional to reconnecting the “memory of sound” precisely through a critical use of the technologies which are disrupting it.

Biografia

Stefano Jacoviello, semiologo, insegna semiotica della cultura all’Università di Siena e teorie e tecniche della comunicazione musicale presso “Siena Jazz” Accademia Nazionale del Jazz. Collabora con la direzione dell’Accademia Musicale Chigiana, dove è responsabile progetti culturali e media. Fra le sue pubblicazioni: La rivincita di Orfeo. Esperienza estetica e semiotica del discorso musicale, Mimesis, Milano 2012.

Ermelinda M. Campani

The Virus and the Film Narrative

Abstract

Il cinema ha sempre avuto una certa attrazione per la virologia. Sono più o meno coevi, sono entrambi prodotti della modernità e per sopravvivere hanno entrambi bisogno delle masse. Questo articolo tocca alcune delle più importanti pellicole che, in diversi modi, hanno a che fare con la virologia e le pandemie. L’idea è di verificare se esista o meno un filo rosso che le percorre e soprattutto vedere che significato si nasconde dietro al significante del virus e delle pandemie del grande schermo. I due riferimenti teorici dentro a cui si muove la nostra analisi sono rappresentati da un lato da Siegfried Kracauer e la sua idea tanto di realismo quanto del cinema come macchina sociale, ovvero come specchio della società prevalente. Dall’altro, abbiamo preso a riferimento il saggio seminale di Priscilla Wald (purtroppo non ancora tradotto in italiano) relativo alla narrativa di pandemia. E’ una narrativa dalla struttura tradizionale: si apre con l’identificazione di una nuova infezione, poi si incentra sulla investigazione epidemiologica e si conclude con il contenimento del virus. Dentro a questo arco narrativo classico, si celano una serie di implicazioni socio-politiche che cambiano con il cambiare del periodo storico. Ma indipendentemente da queste differenze e dai diversi virus in questione, le narrative di pandemia hanno sempre un unico scopo: la salvaguardia delle strutture sociali dominanti e il ripristino dell’ordine sociale che il virus ha rischiato di sovvertire. In altre parole, i film di pandemia mettono in atto e in scena le paure e i fallimenti di una società in un dato momento storico. Sconfiggono il virus ma si dimostrano del tutto incapaci di rinegoziare in maniera innovativa e inclusiva le pratiche culturali e ideologiche da cui l’idea stessa di virus ha preso vita.

Cinema has always been attracted to virology. They were born only a few years apart from each other, both are a product of modernity and both, in order to survive, need the masses. This article will analyze some of the most important movies revolving around different aspects of virology and various outbreaks in order to see if there exists a red thread among them, as well as to find out what kind of signified is embedded in the various filmic viruses’ signifiers. Siegfried Kracauer’s idea of the cinema as a mirror of the prevailing society and Pricilla Wald’s influential book focused on the “outbreak narrative” will inform much of our work. The traditional outbreak narrative (which opens with the identification of a new infection, focuses on the epidemiological investigation, and ends with the containment of the virus) has a lot of socio-political implications and, notwithstanding the virus it fights, it always safeguards the society’s structures of domination and mainstream discourses. Instead, as it portrays the fears and the failings of a society, it can only advance if it strives to re-negotiate and re-write these discourses in innovative and inclusive ways. Only then, can it hope to uncover new truths and to defeat the (cultural and ideological) viruses it portrays.

Biografia

Ermelinda M. Campani è Spogli Family Director del Breyer Center for Overseas Studies di Stanford University in Italia, con sede a Firenze. Si è laureata presso l'Università di Bologna sotto la guida dei compianti professori Franco La Polla e Guido Fink. Ha conseguito un master in letteratura italiana nonché un dottorato di ricerca con un'enfasi in studi cinematografici presso la Brown University. Ha insegnato sia a Brown University che a Rhode Island School of Design ed è stata direttrice ad interim del Brown University Program di Bologna. Insegna storia e critica del cinema agli studenti di Stanford University dal 1993. Ha pubblicato una monografia su Bernardo Bertolucci, un volume sul cinema e il sacro (tradotto in francese nel 2007), e un libro sulle rappresentazioni cinematografiche del corpo umano. Ha scritto articoli su riviste specialistiche europee e statunitensi, ha contribuito all'enciclopedia del cinema Treccani e ha tenuto numerose conferenze. Ha inoltre tenuto corsi e seminari presso Yale University, l'Università di Perugia, Florida State University, la New York University di Firenze e l'Università di Firenze. Sta lavorando sul un volume dedicato al cinema e il cibo.

Andrea-Bianka Znorovszky

The CoronaVirgin: Marian Iconography between Street Art, Social Media, and Lieux de Mémoire

Abstract

L'articolo discute le reinterpretazioni visive dell'iconografia mariana nel contesto dell'epidemia globale di SARS-Co V-2. Diversi noti temi iconografici che hanno avuto origine nel Medioevo sono stati adattati, adattati e diffusi tramite i social media o come arte di strada che diffonde messaggi sociali e politici. In questo senso, l'articolo offre una panoramica di diverse produzioni visive che reinterpretano rappresentazioni mariane familiari, in particolare in Italia e Spagna, attraverso processi di contemporaneizzazione che sfumano i confini tra sacro e religioso e l'aggiunta di nuovi attributi iconografici. L'articolo sostiene che l'esposizione di molte di queste nuove iconografie in specifici luoghi di venerazione ha la funzione di perpetuare la memoria degli eventi miracolosi di Mariofanico.

The article discusses the visual reinterpretations of Marian iconography in the context of the global outbreak of SARS-Co V-2. Several well-known iconographic themes that originated in the Middle Ages have been adapted, adjusted, and disseminated via social media or as street art disseminating social and political messages. In this sense, the article offers an overview of several visual productions that reinterpret familiar Marian depictions, particularly in Italy and Spain, through processes of contemporaneization that blur the boundaries between the religious and the sacred, and the addition of new iconographic attributes. The article argues that the display of several such new iconographies in specific places of veneration has the function of perpetuating the memory of Mariophanic miraculous events.

Biografia

Andrea-Bianka Znorovszky è Marie Skłodowska-Curie Plus One Research Fellow presso l'Università Ca 'Foscari, Venezia, Italia, con un progetto di ricerca “Mary on the Move. Devozione globale nei contesti franco-italiani del tardo medioevo-prima età moderna ". Ha anche ricevuto una borsa di studio Marie Skłodowska-Curie con l'Università Ca 'Foscari di Venezia (2018-2020) e una borsa di studio congiunta per l'eccellenza in scienze e scienze umane dall'Accademia austriaca delle scienze, Vienna, Austria, in collaborazione con l'Università di Salisburgo (2018). Ha conseguito il dottorato di ricerca nel 2016 presso la Central European University, Budapest, Ungheria, con una dissertazione su “Between Mary and Christ: Depicting Cross-Dressed Saints in the Middle Ages (c.1200-1600)”.

Camilla Balbi

Jenny Holzer’s 2020: New York, activism, and collective mourning. Again.

Abstract

L’articolo si propone di analizzare la produzione più recente di Jenny Holzer, in particolare i progetti Expose (2020) e Protect (2020), da una prospettiva insieme storica e comparativa. In primo luogo, si tenteranno di rintracciare gli echi - nelle opere prodotte durante la pandemia e nel periodo più buio dell’amministrazione Trump - della produzione giovanile dell’artista, impegnatissima, tra gli anni Ottanta e i primi anni Novanta, nel dare voce alla disperazione di quella New York messa in ginocchio tanto dall’esplosione del virus dell’AIDS quanto dal silenzio e dall’indifferenza della politica reaganiana. In secondo luogo, la riflessione si concentrerà sull’inedita interazione di pratiche artistiche consolidate per l’artista americana - i trucks e i signboard, impiegati sin dagli anni Ottanta - con i social media, in particolare instagram, rivelando come il ricorso ai social nel corso della pandemia abbia costituito per Holzer un’occasione importante di superamento delle posizioni postmoderne giovanili e una riscoperta della vena più strettamente politica della propria pratica artistica.

The main objective of this paper is the study of Jenny Holzer’s latest works, specifically the Expose (2020) and Protect (2020) projects, from a comparative and historical perspective. The study opens by tracing the echoes – present in the works produced during the pandemic and the darkest time of the Trump administration – of a younger Jenny Holzer, who was struggling to emerge in the late 80s and early 90s as she wanted to give voice to the desperation of New York, a city that had been brought to its knees both by the explosion of the AIDS virus, and the silence and indifference of Reagan’s policy on the issue. Secondly, I will offer some observations about the hitherto unseen interaction of Holzer’s well-established artistic hallmarks – the trucks and the signboard, which she had been using since the 80s – with the use of social media, particularly Instagram, showing how venturing onto social media during the pandemic was a great occasion for Holzer to overcome the postmodern positions of her youth and to rediscover the more strictly political vein of her artistic practice.

Biografia

Camilla Balbi è dottoranda di ricerca in Visual and Media Studies all'Università IULM di Milano, tutor il prof. Vincenzo Trione. Da sempre interessata alle intersezioni tra pratiche mediali e linguaggi artistici differenti, i suoi principali interessi di ricerca riguardano la teoria dell'arte e i curatorial studies. Accanto a questi interessi, oggetto della sua ricerca di dottorato, scrive e si occupa di culture visuali eccentriche, lavorando sulle specificità dello sguardo ebraico e di quello femminile e queer.

Cristina Voto

Tornare a guardarci negli occhi. Spazialità, interfacce e cronotopi al di là del cubo bianco

Abstract

L’obiettivo di questo testo è lo studio dell’edizione online della Bienal de la Imagen en Movimiento di Buenos Aires, una manifestazione artistica che ha visto sconvolta la propria attività durante la diffusione dell’epidemia da SARS-CoV-2. Sebbene una dimensione non in presenza coincida oggi sempre più frequentemente con la fruizione di opere d’arte, la diffusione online di biennali e mostre ha reso ancora più urgente la riflessione sulle forme espositive e sulle condizioni della spettatorialità. Nello specifico il testo analizza la piattaforma web progettata e curata per l’edizione online della Bienal de la Imagen en Movimiento: mirarnos a los ojos (volver a). Di fronte alla smaterializzazione del significante artistico imposto dall’emergenza sanitaria, la piattaforma costruisce una spazialità virtuale dove tornare a guardarsi negli occhi. Attraverso una riflessione sui meccanismi di interfacciamento e sulle possibilità di interazione offerte dai linguaggi digitali, mirarnos a los ojos (volver a) declina modalità comunicative tipiche dei mezzi di comunicazione con modalità comunicative tipiche dell’interazione faccia a faccia. Traduzione digitale delle interdipendenze emerse durante l’emergenza sanitaria, mirarnos a los ojos (volver a) è un progetto al quale hanno partecipato 70 artiste/i invitate/i a occupare una spazio-temporalità audiovisiva mappata da quattro coordinate cronotopiche con cui costruire una trama collettiva dell’esperienza del confinamento.

The aim of this essay is to study the online edition of the Bienal de la Imagen en Movimiento in Buenos Aires, an artistic event that faced a disruption of its activities during the spread of the SARS-CoV-2 epidemic. Although a non-presence dimension increasingly coincides today with the fruition of artworks, the online diffusion of biennials and exhibitions has made the reflection on exhibition devices and the condition of spectatorship even more urgent. Specifically, the text analyses the web platform designed and curated for the online edition of the Bienal de la Imagen en Movimiento: mirarnos a los ojos (volver a). Due to the dematerialisation of the artistic signifier imposed by the health emergency, the platform constructs a virtual spatiality where we can look ourselves in the eye again. Through a reflection on the mechanisms of interfacing and the possibilities of interaction offered by digital platforms, mirarnos a los ojos (volver a) declines communicative modes typical of the media with communicative modes typical of face-to-face interaction. A digital translation of the interdependencies that emerged during the health emergency, mirarnos a los ojos (volver a) is a project in which 70 artists participated, invited to occupy an audiovisual space-time mapped out by four chronotopic coordinates with which to construct a collective plot of the experience of confinement.

Biografia

Cristina Voto è assegnista di ricerca presso il Dipartimento di Filosofia e Scienze dell'Educazione dell’Università di Torino nel progetto ERC FACETS – Face Aesthetics in Contemporary E-Technological Societies –. I suoi ambiti di ricerca sono le arti digitali, la semiotica visiva e le estetiche del volto attraverso una prospettiva biopolitica e di genere. Nella stessa casa di studi insegna Comunicazione Visiva presso il corso di laurea magistrale in Comunicazione e Culture dei Media. È docente del Dipartimento di Arte e Culture dell’Universidad Nacional de Tres de Febrero, in Argentina, e curatrice della Bienal de la Imagen en Movimiento di Buenos Aires.

Adiecta

Vito Zagarrio

Locked down. L’estetica della pandemia

Anna Casalino

La ballerina e lo skateboarder: una nuova storia d’amore al museo

Marzia Dattini

Il margine dell’invisibile. Libertà e dispotismo nelle immagini secondo Marie-Josè Mondzain

#2 “The Visual Culture of SARS-CoV-2” - Keywords:

Immagine della città; temporalità; visione della macchina; utopia; città ideali; Graziano Panfili; Giorgio De Chirico; Canaletto; pandemia di COVID-19; cultura visiva; mascherine; semiotica; ri-semantizzazione; guerra; metafora; pandemia; semiotica; viralità;  educazione ambientale; mediatizzazione della natura; politica ecologica; media digitali; educazione ambientale; mediatizzazione della natura; politica ecologica; media digitali; ; dashboard; rilevamento satellitare; assemblaggio; pandemia; paesaggio; visualizzazione dati; diagrammi; cultura visiva; semiotica visiva; divulgazione scientifica; coronavirus; deep mapping; network visualization; open data; science mapping; musica; semiotica; social network; memoria; pandemia; virologia; virus; cinema; Siegfried Kracauer; Priscilla Wald; realismo; narrativa di pandemia; fantascienza; spazio; biografia filmica; contagio; iconografia mariana; social media; street art; lieux de mémoire; contemporaneizzazione; Jenny Holzer; postmodernismo; attivismo; arte pubblica; arte contemporanea; spazialità, digitale; interfaccia; memoria.

Archivio

VCS#1_Novembre 2020

a cura di Ruggero Eugeni e Giulia Raciti

ISSN: 27242307

ISBN: 9788857571034

#1 “Atmosfere mediali”

A cura di Ruggero Eugeni e Giulia Raciti

Ruggero Eugeni, Giulia Raciti

Introduzione. Atmosfere mediali. Sentire il mondo come gli altri

Malvina Giordana

La realtà virtuale come atmosfera mediale. Il caso di Notes on Blindness: Into Darkness

Abstract

Il saggio propone una lettura delle qualità situazionali della realtà virtuale che rendono tale medium sfuggente a un’ontologia tradizionale. Attraverso l’esempio del progetto Notes on Blindness: Into Darkness (2016) si cerca di spiegare come nella realtà virtuale, venendo meno la cornice e con essa la chiusura di uno spazio della rappresentazione, l’utente si trovi immerso nell’illusorietà di un ambiente saturo in cui a rendere attuale l’esperienza sono la dinamica relazionale e il sistema di feedback tra il vivente e il tecnologico. Questo campo immersivo e generativo, di incontro tra sensibilità, permette di riconsiderare la percezione e l’esperienza estetica emancipandole da prospettive normative sulla materialità e spostando la riflessione dall’ambiente come spazio fisico al carattere aperto e intrinsecamente relazionale dell’atmosfera.

The essay proposes an interpretation of the situational qualities of virtual reality. By losing the frame and the enclosed space of representation, virtual reality ought to be considered elusive to a traditional ontology of the medium. Through the VR example of Notes on Blindness: Into Darkness (2016), this paper explains how important the feedback system between the living and the technological is in generating a believable experience for the user. The immersive and generative field of VR, as an encounter between sensitivities, allows to reconsider perception and the aesthetic experience as emancipated from the normative perspectives on materiality while shifting the focus away from the environment as a physical space and towards the openness and intrinsically relational features of the atmosphere.

Biografia

Malvina Giordana è attualmente assegnista di ricerca nel dipartimento di Filosofia, Comunicazione e Spettacolo dell’Università degli Studi Roma Tre. Nello stesso ateneo ha conseguito nel 2018 il Dottorato di Ricerca con una tesi dal titolo: “Media, ambienti, paesaggi. Dalla prospettiva centrale alla prospettiva cosmica”. Il suo lavoro di ricerca riguarda prevalentemente il rapporto tra media e cultura visuale. Ha partecipato a diversi convegni internazionali e ha pubblicato saggi su riviste scientifiche.

Gabriele Gambaro

Atmosfera, medium, habitat. Estetica e tecnica degli ambienti mediali di James Turrell

Abstract

In questo saggio si intende indagare il ruolo della tecnologia nella costituzione delle atmosfere. A tal fine, si focalizzerà l’analisi su Third Breath, imponente installazione architettonica realizzata da James Turrell, artista americano tra i fondatori del movimento Light and Space, presso il Zentrum für Internationale Lichtkunst di Unna (Germania). L’opera di Turrell si può descrivere come un vero e proprio percorso attraverso distinte atmosfere, nelle quali emerge la relazione sensibile tra le configurazioni materiali delle tecnologie adoperate dall’artista americano e la sensorialità corporea e vissuta dei visitatori che ne fanno esperienza. Il portato atmosferico, ovvero la dimensione affettiva che emerge dall’incontro nello spazio tra sensi e tecnica, consente di ripensare il concetto stesso di atmosfera come “ambiente mediale” e di metterlo in tensione con alcuni concetti fondamentali dell’ecologia della percezione e, in particolare, con quelli di medium e habitat.

In my article I investigate the role of technologies for the rising of atmospheres. To this extent, I focus my analysis on Third Breath, an imposing architectural installation at Zentrum für Internationale Lichtkunst di Unna (Germany) realized by the American artist James Turrell, who was one of the founders of the Light and Space movement. I describe Turrell’s artwork such as a walk-through within several atmospheres, in which emerges the sensible relationship between the material configurations of the technologies deployed by the American artist and the bodily sensations affecting visitors’ experience. The atmospheric situation, comprehended as the affective dimension emerging within the space from the encounter between senses and technique, allows to conceive of atmospheres as “media environments”. From this perspective, I consider them emphasizing the connection with some fundamental concepts from the ecology of perception, such as medium and habitat.

Biografia

Ho conseguito nel 2017 il Dottorato di Ricerca presso il Corso Internazionale di “Studi Culturali Europei” dell’Università di Palermo (tutor prof. Antonio Somaini, Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3), con una tesi in Estetica e Cultura Visuale dal titolo “Medium come Habitat. Tecnologia e sensibilità nell’esperienza artistica dell’Expanded Cinema e del Light & Space Movement”. Nel 2018, ho vinto una Borsa di Ricerca Post-Doc presso l’Università di Salerno per il progetto “Cultural Data Visualization” nell’ambito del programma UE RIS3 (Research and Innovation Strategies for Smart Specialization), per una ricerca sullo sviluppo di metodi di analisi e interpretazione dei dati prodotti attraverso l’interazione con i beni culturali. Attualmente sono Teaching Fellow presso il corso triennale in “Estetica e Teorie delle Immagini” del prof. Filippo Fimiani (Dip. di Scienze Politiche e della Comunicazione – Università di Salerno), col quale collaboro dal 2015 come Cultore della Materia.

Valentino Catricalà

Atmosfera e animalità nell’età contemporanea

Abstract

Il concetto di atmosfera è diventato negli ultimi anni una chiave di lettura per indagare molti fenomeni negli studi sul cinema e sull’arte contemporanea. L’universo delle videoinstallazioni ha sviluppato un’estetica basata, più che sulla struttura di una narrativa interna all’opera, su la creazione di ambienti che hanno come fine ultimo il totale coinvolgimento sensoriale dello spettatore. Spazi concepiti come medium ambientali per la percezione: come atmosfere. In particolare, l’ambito da noi definito come Media Art si è avvalso dell’“ atmosfera” come operazione artistica. Come afferma Oliver Grau, “For more than 50 years, media art has combined the latest technologies with the big questions of our time: artists critically addressed the visions of life sciences and projections on artificial life, utopias of neuroscience, robotics and cyborgs”. Partendo da una definizione di media art, verrà approfondito il concetto di atmosfera in relazione ai rapporti tra arte contemporanea e cinema. Seguirà una breve digressione sull’archeologia delle videoinstallazioni intese in senso “atmosferico”, focalizzandoci su alcuni case studies, come il lavoro degli artisti Daniele Puppi e Micol Assaël.

The concept of atmosphere in recent years has become a key to understand new trends in cinema and contemporary art. Videoinstallations has developed an aesthetic based, more than on the structure of a narrative inside the work, on the creation of environments aiming at the total sensorial involvement of the viewer. Spaces conceived as environmental mediums for perception: as atmospheres. The concept of atmosphere will be investigated in the relationship between contemporary art and cinema. A brief digression will follow on the “atmospheric” archaeology of video installations. The last part will be focused on two case studies on the work of the artists Daniele Puppi and Micol Assaël.

Biografia

Studioso, curatore d’arte contemporanea. Si è specializzato nell’analisi del rapporto degli artisti con le tecnologie e con i media. È direttore della sezione Arte della Maker Faire – The European Edition e coordinatore progetti art per il Sony CS Lab di Parigi. Su questi temi è dottore di ricerca presso l’Università degli Studi Roma Tre, è stato Part-Time Post Doc Research Fellow nella stessa Università. Ha svolto ricerche in importanti centri quali lo ZKM di Karlsruhe, la Tate Modern, l’Università di Dundee partecipando a Convegni internazionali e scrivendo diversi saggi in libri e riviste specializzate (vedi, academia.edu). È autore dei libri Media Art. Prospettive delle arti verso il XXI secolo. Storie, teorie, preservazione (Mimesis, 2016) e The Artist as Inventor (Rowman & Littlefield, Londra 2020). È, inoltre, professore presso l’Università Mercatorum di Roma e l’Università di Camerino.

Luca Malavasi, Lorenzo Ratto

Rafael Lozano-Hemmer e le impressioni delle nostre azioni nel mondo che abitiamo

Abstract

La valenza atmosferica che contrassegna la nozione di medialità invita a ripensare la dimensione partecipativa della produzione artistica e, in particolare, di quella più direttamente orientata alla costituzione di ambienti che rendono l’interazione tra soggetto e mondo sia osservabile che sperimentabile. L’opera multiforme dell’artista messicano Rafael Lozano-Hemmer, la cui spiccata originalità risiede nella natura “territoriale” dello spazio performativo e nell’impiego interattivo del medium tecnologico, appare particolarmente indicata per interrogare la nozione di mediascape. Il saggio si sofferma in particolare su quelle opere che problematizzano l’idea stessa di medium, la decostruzione delle pratiche interattive quotidiane e la vitalità sinestesica della tecnologia.

The atmospheric value that defines the notion of mediality invites us to reconsider the participative dimension of the artistic production, in particular when it’s directly oriented toward the constitution of environments which make observable the interaction between the subject and the world. The multiform work of the Mexican artist Rafael Lozano-Hemmer, whose peculiarity resides in the “territorial” nature of the performative space and in the interactive use of the technological medium, seems stronglyindicated for questioning the actual notion of mediascape. The essay analysesthe work of Lozano-Hemmer with regard to the problematic nature of the idea of medium, tothe deconstruction of interactive everyday practices, and tothe sinestesic vitality of technology.

Biografia

Luca Malavasi è professore associato presso l’Università degli Studi di Genova, dove insegna Storia e analisi del film ed Elementi di cultura visuale. È membro del comitato direttivo del semestrale “La Valle dell’Eden”, redattore di “Cineforum”, collaboratore di “L’indice dei libri del mese”. Tra i suoi libri: Mulholland Drive (Lindau, 2008), Realismo e tecnologia. Caratteri del cinema contemporaneo (Kaplan, 2013), Il cinema. Percorsi storici e questioni teoriche (con G. Carluccio e F. Villa, Carocci, 2015), Postmoderno e cinema. Nuove prospettive d’analisi (Carocci, 2017), Il linguaggio del cinema (Pearson, 2019).

Lorenzo Ratto ha conseguito il Dottorato di ricerca in Storia dell’Arte presso l’Università degli Studi di Genova. Il suo progetto di dottorato si è concentrato sul rapporto tra arte e spiritualità in età post-tridentina. Si è occupato inoltre di scultura genovese in legno settecentesca e di alcuni aspetti della cultura visuale contemporanea tra cinema e arti visive. Il suo progetto dottorale si concentra sulle implicazioni formali, teoriche e religiose della pittura a lume di notte in Italia tra XVI e XVII secolo.

Vincenzo Estremo, Francesco Federici

Normalizzare l’immersione spettatoriale. Talking is Not Always the Solution di Omer Fast

Abstract

Le pratiche artistiche contemporanee si intersecano con la questione del dispositivo e degli ambienti mediali, di particolare importanza nell’attuale panorama, rifacendosi spesso a un contesto legato alla fine della specificità mediale. Alcuni artisti, come Omer Fast, decidono di legare l’esperienza spettatoriale alla costruzione di un ambiente in grado di modificare la gestione della percezione che viene così ampliata fino a un livello corporeo e tattile, chiedendo allo spettatore un’immersione in uno spazio ridefinito, come nella mostra Talking is not always the solution (2016-17). Partendo da quest’ultima si vuole considerare la funzione degli ambienti mediali nelle pratiche audiovisive contemporanee, riflettendo sia sulla loro dimensione materiale che sul loro ruolo nel ridefinire l’effetto del reale in ambito cinematografico.

Artistic practices often intersect with the question of the dispositif and with media environments. This kind of works have relevance in the current artistic landscape and often refers to a context linked to the end of medium specificity. Some artists like Omer Fast, recently decided to link the spectatorial experience to the construction of an environment that has the ability of modifying the management of perception, and thus expands to a bodily and tactile level which asks the spectator to immerse herself/himself in a redefined space, as it happens in the exhibition Talking is not always the solution (2016-17). Starting from this case study we want to consider the role of media environments in contemporary audiovisual practices in order to reflect on both their material dimension(s) and on their role in redefining the effect of reality in the cinematographic field.

Biografia

Francesco Federici ha conseguito un Dottorato internazionale di ricerca in Studi audiovisivi presso l’Università degli Studi di Udine, in codirezione con l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3. Svolge attività di ricerca e didattica presso l’Università del Molise. In precedenza ha insegnato presso l’Università Iuav di Venezia e l’École supérieure d’art du Nord-Pas de Calais. È l’autore di Frammenti di cinema. Archivi e museografie d’artista (2018) e Cinema esposto. Arte contemporanea, museo, immagini in movimento (2017) e il curatore, con altri, dei volumi Albert Serra. Cinema, arte e performance (2018), Extended Temporalities. Transient Visions in the Museum and in Art Visual Cultural Studies 1 – 2020 (2016), Cinema and Art as Archive. Form, Medium, Memory (2014) e Cinéma: immersivité, surface, exposition (2013). È inoltre uno dei direttori della collana editoriale “Cinema and Contemporary Art” (Mimesis International), curatore dell’omonima sezione della MAGIS International Film Studies Spring School e membro della redazione di “Cinergie”.

Vincenzo Estremo ha conseguito un Dottorato internazionale di ricerca in Studi audiovisivi (Università di Udine e Kunstuneversität Linz). Ha curato mostre in Italia e in Europa, collaborando con il Van Abbemuseum, il Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado e il Salzamt Linz. Autore di contributi apparsi su riviste e antologie nazionali ed internazionali, ha pubblicato Albert Serra, cinema, arte e performance (2018), Extended Temporalities. Transient Visions in the Museum and Art (2016) e Teoria del lavoro reputazionale (2020). Al momento insegna “Teoria e metodo dei mass media” e “Curatela” presso la Nuova Accademia di Belle Arti di Milano. Estremo ha tenuto seminari presso l’Università la Sapienza di Roma e la Bilgi University di Istanbul. È inoltre uno dei direttori della collana editoriale “Cinema and Contemporary Art” (Mimesis International) e curatore dell’omonima sezione della MAGIS Gorizia International Film Studies Spring School. È tra i fondatori ed editor in chief del magazine online in lingua inglese DrosteEffect.

Simona Lisi

Icaro e il sole. La gradualità immersiva delle atmosfere mediali

Abstract

Le differenti e sempre più cangianti modalità di fruizione segnica ci costringono a rivedere alcune categorie della percezione mediale. La nostra corporeità viene infatti sollecitata con lo scopo di sorprendere e catturare l’attenzione in modo crescente, creando orizzonti sintetici di forte immersione percettiva. Questa crescente specializzazione impone uno sguardo analitico, in grado di penetrare maggiormente nell’effettivo meccanismo di coinvolgimento corporeo e di conseguenza immaginativo. In questo scritto esploro quindi la differenza tra i media immersivi da quelli astantivi secondo un approccio somatico-esperienziale per rilevare le differenze tra le varie modalità e gradi di immersione comunicativa. Questo approccio mette in evidenza come non sempre l’immersione corrisponda di fatto a un maggiore coinvolgimento percettivo e che è forse necessaria una certa distanza perché la comunicazione mediale sia veramente efficace.

The different and increasingly changing ways to communicate force us to review some categories of media perception. Our corporeality is in fact solicited with the aim of surprising and capturing attention in an increasing way, creating synthetic horizons of strong perceptive immersion. This growing specialization requires an analytical look, able to penetrate more into the actual mechanism of bodily involvement and consequently imaginative. In this paper I therefore explore the difference between immersive media and astantive ones, according to a somatic-experiential approach to detect differences between the various modes and degrees of communicative immersion. This approach highlights how immersion does not always correspond in fact to greater perceptive involvement and that a certain distance is perhaps necessary for media communication to truly achieve its effect.

Biografia

Simona Lisi, ricercatrice indipendente di estetica della corporeità, danzatrice, attrice e autrice, ha lavorato con alcuni tra i più importanti nomi del panorama artistico contemporaneo. Parallelamente alla sua carriera artistica si è laureata in Filosofia, è specializzata in Antropologia Filosofica, PG Degree in Contemporary Dance, Somatic Movement Educator secondo il metodo BMC©. È stata allieva di Giorgio Agamben con cui ha sviluppato il suo pensiero estetico sulla danza e la corporeità. Ha tenuto lezioni all’Università di Macerata, all’Accademia di Belle Arti di Brera e Macerata, al LABA di Rimini. Suoi contributi scritti sono presenti in In cerca di danza, a cura di C. Muscelli (Costa & Nolan, 2000), Creatori di senso, a cura di M. Schiavoni, (Aracne, 2014), Light, body, space, a cura di N. Tomasevic (Artdigiland, 2014), Agalma nr. 35 a cura di C. Di Rienzo (Mimesis, 2018) e nelle riviste online Argo e Limina teatri. Direttrice artistica del festival Cinematica, immagine in movimento (Ancona, VII edizioni) al cui interno cura il Convegno Nazionale Corporeità e nuovi media. È membro AIRDanza, ideatrice della tecnica embodyphilosophy, una via corporea alla comprensione di principi filosofici.

Francesco Spampinato

Atmospheric Psychedelia. USCO’s 1960s Intermedia Environments

Abstract

USCO was an American art collective and commune that from 1963 to 1968 produced an array of immersive installations and nonlinear events aimed at heightening its audience’s consciousness and perception of surrounding reality, while exposing how this was becoming increasingly mediated. Quintessential figures of the 1960s psychedelic counterculture, the group’s vividly multicolored environments consisted in slide, film and light projections, kinetic sculptures, tie-dye fabrics, soundscapes, and stroboscopic devices that overloaded the human sensorium with audiovisual stimuli. The article explores USCO’s pioneering use of the sensitive media-based atmosphere as a medium with references to the theoretical discourses on the “medium” by Walter Benjamin and Marshall McLuhan. In order to contextualize USCO’s peculiar production, at the crossroads of art and technology, references will be made also to coeval art movements such as Pop Art, Happening and radical architecture, and practices such as “intermedia” and “expanded cinema.”

Biography

Francesco Spampinato is a contemporary art and visual culture historian and writer, senior assistant professor at the University of Bologna. He holds two degrees from the University of Bologna, in Preservation (2003) and Art History (2004), an MA in Modern Art (2006) from Columbia University, New York, and a Ph.D. in Études Cinematographiques et Audiovisuelles: Arts et Média (2018) from Sorbonne Nouvelle, Paris. From 2011 to 2015 he was Adjunct Professor at Rhode Island School of Design, Providence. His articles have been published on academic journals such as NECSUS, PAJ, Senses of Cinema, and the Stedelijk Studies, as well as magazines such as Abitare, Blueprint, DIS, Flash Art, Kaleidoscope and Mousse. In 2015 he authored the books Come Together: The Rise of Cooperative Art and Design, Princeton Architectural Press, New York, and Can You Hear Me? Music Labels by Visual Artists, Onomatopee, Eindhoven, and in 2017 Art Record Covers, TASCHEN, Cologne.

Martina Federico

Forwarding the flashback. L’analogia delle forme: il flusso di coscienza amoroso nel film e la struttura del suo trailer in To the wonder di Terrence Malick

Abstract

L’articolo mira ad indagare la natura della frammentazione narrativa delle immagini nel dialogo tra invariate superfici di uno schermo, appartenenti rispettivamente a trailer e film, di fronte ai differenti contesti di fruizione, svelandone le dinamiche ricettive che sono loro proprie. Partendo dallo spunto offerto dall’analisi del caso di To the wonder (T. Malick, 2012), relativamente al passaggio trailer e film, la riflessione si sviluppa attorno ai due nodi teorici offerti dal trailer, dapprima in quanto linguaggio e in un secondo momento in quanto mezzo promozionale. In un primo momento, a fare da protagonista è un montaggio che si presenta nella sua duplice, parimenti lecita, possibilità narrativa e antinarrativa; in seguito, avendo nel frattempo il film svelato la sua analogia di forme rispetto al trailer, il discorso riesce a mettere in luce, ritornando sul mezzo promozionale, la necessità di considerare le dinamiche di una prassi consolidata che si attiva quando siamo immersi in contesti fruitivi di un certo tipo.

The article aims to investigate the nature of the narrative fragmentation of images in the dialogue between unchanged screen surfaces, that belong to the trailer and to the film respectively, facing their own fruition contexts and revealing their own reception dynamics. Starting from the cue offered by the analysis of To the wonder (T. Malick, 2012), with regard to the transition between the trailer and the film, the reflection develops around the theoretical nodes offered by the trailer, first as a language then as a promotional medium. At first, it is a montage that presents itself in its dual, equally legitimate narrative and anti-narrative possibility. Subsequently, having in the meantime the film revealed its analogy of forms with the trailer, the analysis managed to highlight the need to consider the dynamics of a consolidated practice that become active once involved in specific fruition contexts.

Biografia

Martina Federico (1980), laureata (2005) a Bologna con una tesi in semiotica del cinema dal titolo “modi del trailer strategie di seduzione narrativa e antinarrativa” con Nicola Dusi, addottorata (2014) a Torino sempre in semiotica del cinema con una tesi sulla scena di seduzione al cinema, con Ugo Volli. Ha pubblicato una monografia dal titolo Trailer e film. Strategie di seduzione cinematografica nel dialogo tra i due testi (Mimesis, 2017). Si occupa di critica cinematografica di trailer su “Segnocinema” (dal 2012) e su “Doppiozero” (dal 2018). Collabora mediante seminari e didattica integrativa dal 2014 con le cattedre di Semiotica dell’Università di Reggio Emilia, e con quella di Teoria della Creatività dello Iulm, dal 2017. Dal 2018 tiene un seminario di “teoria e analisi del trailer” presso l’Università di Modena. Ha insegnato e insegna analisi del trailer e semiotica della fotografia presso lo Ied di Milano e di Torino.

Anna Bisogno

La moltiplicazione degli schermi. Nuovi habitat televisivi nell’era dei social media

Abstract

L’esperienza del reale viene sempre più sottoposta ad un processo di elaborazione, messo in atto da realtà virtuali, che finisce per mutare il modo di percepire le cose. Da tempo i media costituiscono i nostri nuovi ambienti di socializzazione, “luoghi” frequentati quotidianamente. Si chiama esperienza mediale e significa che i media costituiscono forme di esperienza viva e complessa: non solo cognitiva, ma anche emotiva, pratica, relazionale. I media tradizionali informano sugli eventi e intrattengono nei momenti di pausa e tempo libero ma sono sempre più i media digitali a produrre semiosfere nelle quale convivono entità dallo statuto ibrido, reali e mediali, fisiche e digitali, pubbliche e private, cognitive e sensibili. La sfera social entra in dialettica con i media tradizionali: notizie e narrative, commenti e critiche rimbalzano da una parte all’altra. Da questo punto di vista la TV dei talk e dell’infotainment rappresenta un caso emblematico. La ricca diffusione dei nuovi canali digitali, il consolidamento della televisione satellitare, ma anche l’esplosione dei contenuti on demand, hanno esortato il mercato dei player, ad esercitare soluzioni ibride di arricchimento e integrazione dell’offerta televisiva, facendo appello alle potenzialità date dal web. Le reti televisive – presa consapevolezza della rideterminazione del medium – accostano e integrano all’offerta dei contenuti e alle strategie di palinsesto tipiche della tv generalista nuovi modelli e strategie di engagment.

The reality’s experience is increasingly subjected to a process of elaboration, implemented by virtual realities, which ends up changing the way we perceive things. The media have long been our new socialization environments, “places” frequented daily. It is called media experience and means that the media are forms of living and complex experience: not only cognitive, but also emotional, practical, relational. Traditional media inform about events and entertain in moments of pause and free time but digital media are increasingly producing semi-spheres in which hybrid entities coexist, real and media, physical and digital, public and private, cognitive and sensitive. The social sphere enters into dialectics with traditional media: news and narratives, comments and criticisms bounce from one side to the other. From this point of view, the TV of talk and infotainment is an emblematic case. 162 Visual Cultural Studies 1 – 2020 The rich diffusion of the new digital channels, the consolidation of satellite television, but also the explosion of on demand content, have urged the player market to exercise hybrid solutions for enriching and integrating the television offer, appealing to the potential given by the web. The television networks – being aware of the re-determination of the medium – combine and integrate new engagment models and strategies with the offer of contents and the programming strategies typical of generalist television. The television networks – being aware of the re-determination of the medium – combine and integrate new engagment models and strategies with the offer of contents nd the programming strategies typical of generalist television.

Biografia

Anna Bisogno è professore associato di Cinema Radio e Televisione presso l’Università Mercatorum nel corso di laurea in Scienze e Tecnologie delle Arti, dello Spettacolo e del Cinema. Già docente di Storia e linguaggi della radio e della televisione e di Cultura Visuale all’Università di Roma Tre, ha insegnato Televisione presso l’Università Suor Orsola Benincasa di Salerno e Scrittura e Cultura della Comunicazione presso il Dipartimento di Comunicazione e Ricerca Sociale de La Sapienza. Ha pubblicato La TV invadente. Il reality del dolore da Vermicino ad Avetrana (Carocci, 2015) Questioni di post televisione. Modelli, convergenza e archivi digitali (Aracne Editrice, 2011), La storia in tv. Immagine e memoria collettiva (Carocci, 2009). È autrice di numerosi saggi tra i quali: Memoria pubblica e memoria mediata. Modelli e linguaggi del racconto storico nella paleotelevisone (Liguori, 2013), Televisioni senza frontiere: un’analisi sulla Direttiva europea del 1989 (Franco Angeli, 2004), Il Prime Time. Come Rai e Mediaset organizzano la serata degli italiani (Franco Angeli, 2002).

Lorenzo Marmo

Transitional Environments. Color as Atmosphere in 1950s American Cinema

Abstract

The paper investigates color as a form of atmosphere in 1950s Hollywood cinema. It represents an attempt to try and bridge the gap between the employment of the notion of atmosphere in the field of media studies, and its adoption as a useful term to account for certain precise stylistic choices on the part of the filmmakers. The article finds its main theoretical reference point in the theory of culture elaborated by British psychoanalyst Donald Winnicott, with his categories of “transitional object” and “potential space”. The discussion is structured according to a decreasing degree of tangibility. It starts with the atmospheric quality of haptic, almost graspable cinematic objects, to conclude with colored light and its ability to suffuse the environment. Such an articulation of the discourse aims at illuminating the different ways in which the use of color affected the whole range of transitional interplay between materiality and ambiance that characterizes the film experience.

Il saggio tratta dell’impiego del colore quale forma di atmosfera nel cinema statunitense degli anni Cinquanta. Il lavoro cerca di conciliare la riflessione di stampo mediale sull’idea di atmosfera e l’adozione di questa categoria per rendere conto di precise opzioni stilistiche e di messa in scena. L’articolo trova il proprio riferimento teorico principale della teoria della cultura elaborata dallo psicoanalista inglese Donald Winnicott, con i suoi concetti di “oggetto transizionale” e “spazio potenziale”. La discussione è strutturata secondo un grado discendente di tangibilità: si parte dalla qualità atmosferica e aptica degli oggetti cinematografici, per arrivare alla luce colorata e alla sua capacità di effondersi nell’ambiente. Una tale articolazione del discorso serve ad investigare il ruolo giocato dal colore in quella dinamica di perenne sospensione transizionale tra materialità e spazialità che caratterizza l’esperienza cinematografica.

Biografia

Lorenzo Marmo è professore associato presso l’Università Mercatorum, e insegna cinema anche presso l’Università di Napoli “L’Orientale”. Ha conseguito il titolo di dottore di ricerca nel 2014 presso l’Università Roma Tre, e nel 2017 è stato Lauro de Bosis Postdoctoral Fellow presso la Harvard University. È autore di Roma e il cinema del dopoguerra. Neorealismo melodramma noir (Bulzoni 2018), ha pubblicato numerosi saggi e partecipato a convegni nazionali ed internazionali. Tra i suoi interessi principali: il rapporto tra cinema, fotografia e discorsi sulla spazialità; il cinema statunitense classico e postclassico; la teoria del melodramma cinematografico nei contesti americano e italiano; l’intreccio tra immagini statiche e immagini in movimento nel contesto online contemporaneo; il concetto di atmosfera in relazione alla fotografia e ai social media.

Enrico Carocci

Intimità tecnologica e soggettività mediale. Una lettura di Lei

Abstract

Questo articolo propone una lettura di Lei (2013) di Spike Jonze, un film sulle relazioni che i soggetti umani intrattengono con i media del XXI secolo nel contesto di una crescente ‘naturalizzazione’ della tecnologia. Dopo aver evidenziato la rilevanza di alcune implicazioni del racconto di Jonze per la teoria dei media, l’articolo si rivolge alle scienze cognitive, e in particolare alle prospettive enattive, per proporre l’idea di una soggettività mediale, affettiva, costitutivamente aperta e in continua interazione con l’ambiente e le sue strutture.

This article offers a reading of Spike Jonze’s Her (2013), a film about the relationships that human subjects entertain with XXI century media in the context of a growing process of ‘naturalization’ of technology. After having emphasized the relevance of Jonze’s film for a theory of atmospheric media, the article addresses cognitive science, with particular reference to the enactive approaches, in order to develop a concept of a medial subjectivity which is affective, open, and in continuous interaction with the environment and its structures.

Biografia

Enrico Carocci è professore associato presso l’Università Roma Tre, dove insegna ‘Estetica del cinema e dei media’ e ‘Interpretazione e analisi del film’. Le sue ricerche si focalizzano tra l’altro sul tema del coinvolgimento emozionale, con particolare attenzione ai rapporti tra teoria dell’esperienza spettatoriale e analisi filmica. È autore di numerosi saggi apparsi in volume e su riviste scientifiche, nonché di studi monografici tra cui Il sistema schermo-mente. Cinema narrativo e coinvolgimento emozionale (2018).

Andrea Rabbito

Blade Runner 2049 e la relazione affettiva con le immagini tecnicoaudiovisive

Abstract

Il saggio analizza come il film Blade Runner 2049 di Denis Villeneuve offra diversi spunti di riflessione sul rapporto uomo-media che si legano alla teoria neoestetica proposta da Gernot Böhme e alle sue analisi in merito ai concetti di atmosfera, percezione, situazione affettiva, espresse nel suo volume Aistetik.

This essay examines how Blade Runner 2049, directed by Denis Villeneuve, offers several points for reflecting on the relationship between man and media that are linked to the neo-aesthetic theory proposed by Gernot Böhme and his analyses on the concepts of atmosphere, perception and affective situation, expressed in his book Aistetik.

Biografia

Andrea Rabbito è professore associato di Cinema, fotografia e televisione presso l’Università degli Studi di Enna “Kore”. È autore di una tetralogia sull’illusione e i rapporti tra il cinema e l’arte della modernità, di cui L’onda mediale (2015) costituisce l’ultimo capitolo. Ha curato la nuova edizione de Lo spirito del tempo (2017) di Edgar Morin e il volume La cultura del falso. Inganni, illusioni e fake news (2020) per Meltemi. È direttore, assieme a Steve Della Casa, della collana “Videns” per Mimesis. Dirige il gruppo di ricerca “I linguaggi artistici e le poetiche del Seicento” dell’Università degli Studi di Enna “Kore”.

#1 “Atmosfere mediali” - Keywords:

affettività enattiva; ambienti mediali; art and technology; arte contemporanea; atmosfera; Blade Runner 2049; Gernot Böhme; cinema; color; Donald Winnicott; estetica dei media; estetica ecologica; expanded cinema; film and media; frammentazione; habitat; immagini in movimento; immersivo; incorporazione; intelligenza artificiale; intermedia; James Turrell; materialità; media art; media atmosferici; media; mediascape; mimesi; narrazione; neoarcaismo; neoestetica; Notes on Blindness; phantasmata; postcinema; postmedia; psychedelic culture; Rafael Lozano-Hemmer; realtà virtuale; ricordo; schermi; site; social media; social network; soggettività;sorveglianza; Spike Jonze; televisione; trailer; transitional object; visual studies.