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VCS #8
Giugno 2024

a cura di Barbara Grespi e Maria Teresa Soldani

ISSN: 2724-2307
ISBN: 9791222320731

Indice #8 “Wearable. I media da indossare”
A cura di Barbara Grespi e Maria Teresa Soldani

Barbara Grespi, Maria Teresa Soldani
Introduzione. Wearable. I media da indossare

Sara Damiani
Abbigliarsi “en Olympia”: l’arte come veste grafica di un’identità ibrida

Mary Harrod
Prosthetic Identity in the Girls-Gone-Bad Film: the Case of Spring Breakers and The Bling Ring

Giancarlo Grossi
Invisibile e indossabile. Il profumo come medium utopico

Richard Bégin
Mobilographies

Christian Nirvana Damato
Wearable statistical desires. Ri-programmazioni della performatività del corpo attraverso la digisessualità

Eleonora Stacchiotti
Wearable Technologies as Technological Mediation: from Body Art to Speculative Scenarios in HumanTechnology Relations

Ivana Randazzo
“Smart Clothing” between Fashion and Technology

Irene Calvi
Transparency in the Wardrobe. Wearables Against Surveillance

Gregorio Tenti
Derma e domus. Xenopoetica di Neri Oxman

Francesco Parisi, Samuele Sartori
Il tatto, la pelle, il cyborg. Trasformazioni della percezione e costituzione di soggettività ibride

Book of Abstracts #8 “Wearable. I media da indossare”

Barbara Grespi, Maria Teresa Soldani
Introduzione. Wearable. I media da indossare

Sara Damiani
Abbigliarsi “en Olympia”: l’arte come veste grafica di un’identità ibrida

Abstract
Taking Édouard Manet’s Olympia (1863) as its starting point, the article examines how the nude in art functions as a ‘graphic skin’ capable of both redefin­ ing identity boundaries and challenging pre-conceived norms of gender and ethnicity. A special focus is placed on the self-portraits of contemporary artists such as Katarzyna Kozyra and Yasumasa Morimura, who have reworked Manet’s painting to make it seem like a second skin to be worn, revealing the skin’s surface as the preferred place for dealing with contemporary subjectivity, caught between nature and technology.

Abstract (ita)

Prendendo le mosse dall’Olympia (1863) di Édouard Manet, il saggio intende focalizzarsi sul nudo artistico inteso come ‘veste grafica’ capace di ridisegnare i confini identitari dell’individuo e mettere in discussione gli standard di genere ed etnia socialmente accettati. In particolare, saranno presi in considerazione gli autoritratti di artisti contemporanei, tra cui Katarzyna Kozyra e Yasumasa Morimura, che rielaborano il dipinto di Manet quasi fosse una seconda pelle da indossare, indicando la superficie epidermica come lo spazio privilegiato di negoziazione della soggettività odierna, a metà strada tra natura e tecnologia.

Biografia
Sara Damiani è ricercatrice in Museologia e Storia della critica artistica e del restauro (ARTE-01/D) presso l’Università degli studi di Bergamo. Le sue principali aree di ricerca esplorano la relazione tra le arti, le scienze e i nuovi media. Si è occupata in chiave interdisciplinare del mito di Medusa, dell’iconografia del sogno e del rapporto tra cultura visuale e medicina in relazione alla pratica del trapianto di organi. Tra le sue monografie: Arte e cultura digitale (2020) e La cultura delle immagini (2015), con S. Maffei e F. Lo Monaco.

Mary Harrod
Prosthetic Identity in the Girls-Gone-Bad Film: the Case of Spring Breakers and The Bling Ring

Abstract

This article will compare the construction of characters’ gendered and sexual traits through the lens of prosthetic identity in two examples from a recent spate of films concerned with girls “gone bad”: Harmony Korine’s Spring Breakers and Sofia Coppola’s The Bling Ring (both 2013). Prosthetic identity designates, in the first place, the deployment of markers of status and desire such as clothing and accessories displayed on the actors’ bodies and/or tending to prosthetically extend or substitute for body parts. Following McLuhan, the phrase further refers to the way in which these films both thematize and formally illustrate the thoroughgoing construction of women’s corporeal selfhood by media. These tendencies can be read productively in the light of Slavoj Žižek’s comments on the risks of the amplified possibilities in the contemporary and near-future world of technologically “enhanced” sexual experiences, notably through virtual reality. In his formulation, sexual difference figures all embodied humanism. The possibility of acquiring embodied experiences under late capitalism appears as a pernicious and radically dehumanizing development in Žižek’s work, as in the two films. In all three it is evoked through an erasure of individual human differences: gender first and foremost, but also encompassing racial and other embodied and social categories.

Abstract (ita)

L’articolo riflette sulla costruzione dei tratti sessuali e di genere dei personaggi filmici attraverso la lente dell’identità protesica concentrandosi su due esempi tratti
da una recente ondata di film incentrati su ragazze finite male: Spring Breakers (Spring Breakers – Una vacanza da sballo) di Harmony Korine e The Bling Ring (Id.), di Sofia Coppola (entrambi del 2013). L’identità protesica designa, in primo luogo, il dispiegamento di indicatori di status e desiderio come abiti e accessori mostrati sui corpi di attori e attrici e/o funzionanti come protesi che estendono o sostituiscono parti del corpo. Seguendo McLuhan, l’idea di identità protesica si riferisce inoltre al modo in cui questi film tematizzano e illustrano formalmente la minuziosa costruzione dell’individualità corporea delle donne da parte dei media. Questo processo può essere letto in modo produttivo alla luce dei commenti di Slavoj Žižek sui rischi connessi alle possibilità, sempre più ampie ed estese nel presente e in prospettiva nel futuro, di vivere di esperienze sessuali tecnologicamente “potenziate”, in particolare attraverso la realtà virtuale. Nella sua formulazione le figure della differenza sessuale incarnano pienamente l’umanesimo. Nell’opera di Žižek, così come nei due film analizzati, la possibilità di acquisire esperienze diversamente incarnate nel tardo capitalismo appare come uno sviluppo pernicioso e radicalmente disumanizzante. In tutti e tre i casi questo effetto viene evocato attraverso la cancellazione delle differenze umane individuali: il genere, innanzitutto, per poi comprendere anche categorie razziali, sociali e incarnate.

Biography
Mary Harrod is Professor of French and Screen Studies in the School of Modern Languages and Cultures at the University of Warwick. She is the author of From France with Love: Gender and Identity in French Romantic Comedy (Bloomsbury 2015), Heightened Genre and Women’s Filmmaking in Hollywood (Palgrave 2021) and several co-edited collections including the prize-winning: Women Do Genre in Film and Television (Routledge 2017, BAFTSS Best Edited Collection, 2019) and Imagining ‘We’ in the Age of ‘I’: Romance and Social Bonding in Contemporary Culture (Routledge 2021, MeC-CSA Edited Collection of the Year, 2022). She is co-Chief General Editor of French Screen Studies.

Giancarlo Grossi

Invisibile e indossabile. Il profumo come medium utopico

Abstract

A pivotal site for understanding the current media trend toward incorporation, possible through progressive invisibility and wearability, is represented by perfume. This is a culturally designed and codified experience and therefore analyzable despite its ephemeral nature. The present research analyzes historical attempts at media capture of the olfactory universe, which pass as much through the translation of smell into visual codes as by a real integration of olfaction inside the device. The goal is reconstructing an archaeology of the relationship between media and the lower senses. The investigation will be rooted on the analysis of audiovisual texts (especially Powell and Pressurger’s Black Narcissus, 1947, whose meaning is read from the subterranean role played in it by a perfume marketed by Caron under the same name in 1911) and the history of the (almost always failed) smelling movie devices (AromaRama, Smell O-Vision, Odorama) compared with the relationship that new media establish with the olfactory realm. Through these passages, a precise relationship that olfaction has with psychic processes of removal will be delineated, in the light of which the utopia of an invisible, wearable medium is read.

Abstract (ita)
Un luogo peculiare per comprendere l’attuale tendenza mediale all’incorpo-razione, possibile attraverso una progressiva invisibilità e indossabilità, è rappresentato dal profumo. Si tratta di un’esperienza culturalmente progettata e codificata e quindi passibile di analisi nonostante la sua natura effimera. La presente ricerca analizza i tentativi storici di cattura mediale dell’universo olfattivo, che passano tanto attraverso la traduzione dell’odore in codici visivi quanto attraverso una vera e propria integrazione dell’olfatto all’interno del dispositivo. L’obiettivo è ricostruire un’archeologia del rapporto tra media e sensi inferiori. L’indagine si radicherà sull’analisi di testi audiovisivi (in particolare Black Narcissus di Powell e Pressurger, 1947, il cui senso viene letto a partire dal ruolo sotterraneo svolto in esso da un profumo commercializzato da Caron con lo stesso nome nel 1911) e sulla (quasi sempre fallimentare) storia dei dispositivi cinematografici odorosi (AromaRama, Smell-O-Vision, Odorama), confrontata con la relazione che i nuovi media instaurano con il regno olfattivo. Attraverso questi passaggi, si delineerà un preciso rapporto che l’olfatto intrattiene con i processi psichici legati alla rimozione, alla luce del quale viene letta l’utopia di un medium invisibile e indossabile.

Biografia
Giancarlo Grossi è ricercatore a tempo determinato di Cinema, fotografia, televisione presso l’Università Cattolica del Sacro Cuore, dove insegna Storia della radio e della televisione e Audiovisual Media Policies. È stato ricercatore post-doc all’interno del Progetto ERC An-Icon dell’Università Statale di Milano, dedicato agli ambienti virtuali e immersivi. I suoi studi esplorano dal punto di vista dell’archeologia dei media l’intersezione tra cinema, scienze della mente e cultura visuale. Tra le sue pubblicazioni, i volumi Le regole della convulsione. Archeologia del corpo cinematografico (Meltemi, 2017) e La notte dei simulacri. Sogno, cinema, realtà virtuale (Johan & Levi, 2021).

Richard Bégin
Mobilographies

Abstract

Some film techniques make it possible for the image to display a degree of authenticity. The use of the hand-held camera is clearly one such technique, which makes it possible not only to highlight the physical presence of the person behind the camera, but also to capture the movements of the filming body in motion. The present author has given the name mobilography to this technical gesture, which consists in recording in images and sounds the presence of a mobile body and the dynamic quality of a shifting and often disruptive environment. Mobilography has thus become a filmic material essential to any audiovisual production wishing to add a degree of documentary realism to the image. The goal of the present article is to return to the origins of this technical gesture before it became, by force of circumstance, a stylistic device. In it the author analyzes the at once materialist and ecological origins of this gesture, based on a comparative study of a fiction film by Noah Baumbach and the documentary output of Johan van der Keuken. The author will demonstrate that beyond its discursive use, mobilography is above all a distinct form of knowledge of the world.

Abstract (ita)

Alcune tecniche cinematografiche consentono all’immagine di mostrare un certo grado di autenticità. L’uso della macchina a mano è chiaramente una di queste tecniche, che consente non solo di evidenziare la presenza fisica della persona dietro il dispositivo, ma anche di catturare i movimenti del corpo che filma in movimento. L’autore del presente articolo ha dato il nome di mobiliografia a questo gesto tecnico, che consiste nel registrare in immagini e suoni la presenza di un corpo mobile e la qualità dinamica di un ambiente mutevole e spesso dirompente. La mobiliografia è quindi diventata un materiale filmico essenziale per qualsiasi produzione audiovisiva che desideri aggiungere un certo grado di realismo documentario all’immagine. L’obiettivo del presente articolo è quello di tornare alle origini di questo gesto tecnico prima che diventasse, per forza di cose, un espediente stilistico. In esso l’autore analizza le origini materialiste ed ecologiche di questo gesto, basandosi su uno studio comparativo di un film di finzione di Noah Baumbach e della produzione documentaristica di Johan van der Keuken. L’autore dimostrerà che, al di là del suo uso discorsivo, la mobiliografia è soprattutto una forma distinta di conoscenza del mondo.

Biography
Richard Bégin is professor in Film Studies in the Department of Art History and Film Studies at the University of Montreal. He is co-director of the “Cinéma et technologies” collection at the Presses de l’Université de Montréal, and he was editor in chief of “Cinémas: Journal of Film Studies”, from 2016 to 2024. He is also a regular member of GRAFIM (Groupe de recherche sur l’avènement et la formation des identités médiatiques), co-researcher within the international research partnership TECHNÈS and regular member of CRiALT (Centre de recherches intermédiales sur les arts, les lettres et les techniques). Among other publications, he has published Un cinema en mouvement (Presses de l’Université de Montréal), Impression, projection: une histoire médiatique entre cinéma et journalisme (Presses de l’Université Laval), Figures de violence (L’Harmattan), and Baroque cinématographique: essai sur le cinéma de Raoul Ruiz (Presses de l’Université de Vincennes). He co-edited the “Mobilités” and “L’horreur au cinema” issues of the Cinémas journal and the «L’imaginaire des ruines» issue of the Protée journal. His research focuses on media mobility, representations of disaster, sound creation and the relationship between the body, knowledge and technique. Heis also a composer and sound artist.

Christian Nirvana Damato
Wearable statistical desires. Ri-programmazioni della performatività del corpo attraverso la digisessualità

Abstract

This essay presents a critical analysis of wearable technologies used in the realm of digisexuality, employing an interdisciplinary approach that draws from media studies, philosophy, and other theoretical disciplines. Specifically, the text delves into wearable technologies designed for sexual purposes, linking them to the broader question of desire. In the context of sexuality, these technologies offer a wide range of functionalities, and the text examines them to construct a contemplation on the formation of patterns that are increasingly impacting contemporary individuals in various facets of life. These patterns involve measurement, gamification, control, performance prediction, emotional regulation, and the management of time. All of these elements collectively reshape how we conceive and manifest desire. The essay introduces the term statistical desire, which characterizes a form of desire that is driven by data, gamified experiences, predictability, and the anticipation of actions one wishes to execute. To develop this examination, the essay adopts an archaeological approach to desire, beginning with an exploration of fabrics as wearable proto-devices for desire and subsequently progressing through discussions of teledildonics, smart condoms, and brain-computer interfaces.

Abstract (ita)

Questo saggio propone una lettura critica delle tecnologie indossabili utilizzate nel campo della digisessualità, attraverso un approccio interdisciplinare che integra studi mediali, filosofia e altri campi teorici. In particolare, si analizzano le wearable technologies per il sesso collegandole alla questione del desiderio. Applicate alla sessualità, queste tecnologie coprono uno spettro piuttosto ampio di funzionalità; per questa ragione vengono prese in esame al fine di costruire una riflessione sulla configurazione di una serie di pattern che investono sempre maggiormente il soggetto contemporaneo sotto tutti gli aspetti della vita: la misurazione, la gamification, il controllo e la predizione della performance, delle emozioni e del tempo. Tutti questi aspetti riprogrammano il modo in cui “costruiamo” il nostro desiderio, che nel saggio viene ridefinito con il neologismo desiderio statistico, ovvero una forma di desiderio che fonda la sua spinta attraverso il divenire numero, la gamification, la prevedibilità e la predizione delle azioni che vogliamo mettere in atto. Per costruire questa riflessione, il saggio proposto parte da una prospettiva archeologica del desiderio e dei tessuti – questi ultimi visti come proto-dispositivi indossabili per il desiderio – per arrivare ai teledildonics, agli smart condoms e alle brain-computer interfaces.

Biografia
Christian Nirvana Damato è uno scrittore, curatore e ricercatore indipendente che si occupa di filosofia, tecnologia e cultura visuale. Parallelamente, porta avanti una ricerca sulla scrittura e sull’editoria come pratiche artistiche e sperimentali. È docente di Tecniche dei nuovi media integrati allo IED di Torino. Scrive, firma, partecipa e collabora, a vario titolo, con diverse riviste, case editrici e festival. È fondatore e curatore di Inactual, collettivo editoriale, artistico e curatoriale. Ha pubblicato Manifesto della Moltiplicazione degli Organi. Corpo, identità, tecnologia e desiderio (2024). Attualmente sta curando Medial Disorders. Interpretative and non statistical compendium of technological disorders (ottobre 2024), un volume collettaneo con i contributi di Geert Lovink, Alfie Bown, Isabel Millar, Eyal Weizman (ForensicArchitecture) et al., edito da Inactual.

Eleonora Stacchiotti
Wearable Technologies as Technological Mediation: from Body Art to Speculative Scenarios in HumanTechnology Relations

Abstract

This paper wants to investigate current human-technology relations in configurations between human bodies and wearable technologies. It does so by using posthenomenological theories related to technological mediation, a concept according to which technology continuously mediates between humans and the world. This strand of the philosophy of technology is based on multistability, a theory built on the premise that all kinds of relations between any kind of technology assume different uses and meanings based on a range of factors – going from the designers’ intent to the very personal use that an individual makes of a given device, mediated by temporal and sociocultural dimensions. The author observes that there are two main tendencies concerning wearable technologies in the current state of the art: on the one side, an approach to technological artefacts as instruments to improve the quality of life of human beings – going from simple technologies like eye-glasses to more complex artificial limbs; on the other hand, technology works as a complementary entity within human experience. To better understand these two perspectives, the author will investigate examples from artistic practices of pioneers of Cyborg Art to explore the former, while will include speculative works by Ian Cheng’s on the incorporation of AIs into human consciousness for the latter. The main aim is to grasp the degrees of mediation between humans and the world made by wearable technologies in current times and in possible coming scenarios.

Abstract (ita)

Questo articolo vuole indagare le attuali relazioni fra l’umano e la tecnologia nelle varie configurazioni che si instaurano tra corpi umani e tecnologie wearable. L’analisi usa le teorie sviluppate dalla filosofia post-fenomenologia, fra cui, la teoria della mediazione tecnologica – un concetto secondo il quale la tecnologia media la percezione umana del mondo – e la teoria della multistability, secondo cui tutti i tipi di relazione fra tecnologie e umani assumono usi e significati diversi in base a una serie di fattori, fra i quali le intenzioni dei designers all’uso personale che il consumatore ne fa, tutti comunque mediati da dimensioni temporali e socioculturali dell’uso di un certo tipo di tecnologia in un determinato momento storico. Il saggio osserva che allo stato attuale esistono due tendenze principali riguardanti le tecnologie wearable: da un lato, un approccio agli artefatti tecnologici intesi come strumenti per migliorare la qualità della vita degli esseri umani; dall’altro lato, la tecnologia è un’entità complementare e integrata all’esperienza umana. Per indagare meglio queste due prospettive, l’autrice indagherà due esempi di pratiche artistiche: da una parte, il pioniere della Cyborg Art Neil Harbisson per la prima, mentre, dall’altra, il lavoro speculativo di Ian Cheng riguardo l’incorporazione delle IA nella coscienza umana per la seconda prospettiva. L’obiettivo principale è quello di cogliere i gradi e i tipi di mediazione tecnologica tra gli esseri umani e il mondo realizzati dalle tecnologie wearable nel presente e nel futuro prossimo.

Biography
Eleonora Stacchiotti is a PhD student in Visual, Performing and Media Arts (XXXVIII cycle) at the Department of the Arts (University of Bologna). Previously, she graduated in Media, Arts and Performance Studies at the University of Utrecht with research on Immersive Virtual Reality in contemporary art and climate crisis citizen education activities. In 2018 she co-founded the independent research group Dalla Ridda – mainly active in Bologna – which carries out multidisciplinary research from a queer perspective. She curated a research project on virtual and augmented reality in the field of art for Digicult, and co-curated the 2020 edition of the IM-PAKT Festival (Utrecht). Her interests include, among others: visual culture, media theory, digitisation and 3D modelling practices, and the use of immersive technologies in contemporary art.

Ivana Randazzo
“Smart Clothing” between Fashion and Technology

Abstract

Fabric has always had a covering and a symbolic use. Nowadays, new tissues are being developed and designed; these have the ability to store energy, interact with the body and the external environment in an adaptive exchange of data. Clothing becomes a device that reshapes the experience of being dressed and produces actual effects. These new fabrics seem on the verge of revolutionising the fashion world and improving human life. Fabrics integrated with photovoltaic, flexible, washable and wearable components will enable the incorporation of functions into garments to manage the issues of everyday life, from the most obvious (e.g. cooling or heating) to the most innovative ones. Fabric and thus garments will become informational tools, linked to parameters that will be biological but also social and aesthetic. They will thus take on an even more central role in our existences, going beyond the function of a useful covering and a sign of social recognition it has played until now. Fabric is likely to become a “second skin”, a smart membrane between our epidermis and the surface of things.

Abstract (ita)

Il tessuto ha avuto da sempre una funzione coprente e insieme simbolica. Oggi con lo sviluppo della tecnologia, si stanno studiando e progettando nuovi tessuti che hanno la capacità di accumulare energia, di interagire con il corpo e con l’ambiente esterno in uno scambio interattivo di informazioni. Il vestito diventa un device, che trasforma l’esperienza e produce effetti reali. Le potenzialità di questi nuovi tessuti promettono di rivoluzionare il mondo della moda e migliorare la vita dell’uomo. A partire da indumenti creati con materiali fotovoltaici, flessibili, lavabili e indossabili, sarà possibile integrare nel vestiario funzioni che regolano la vita quotidiana dalle condizioni più comuni (ad esempio, raffreddandosi o riscaldandosi) a quelle più innovative. Il tessuto e quindi il vestito si convertirà in un oggetto informazionale, legato a parametri che saranno biologici ma anche sociali ed estetici. Assumerà così un ruolo ancora più centrale nelle nostre esistenze, andando oltre la funzione di rivestimento utile e di segno di riconoscimento sociale svolto sino ad ora. Tutto questo immaginando che il tessuto diventi una “seconda pelle”, nel senso di una membrana intelligente tra la nostra epidermide e la superficie delle cose.

Biography
Ivana Randazzo is an RTD/B Professor in Aesthetics at the Department of Humanities, University of Catania. She studied at several German universities among which Bochum and Freiburg. Her main research interests concern historical-philosophical and artistic-cultural issues as well as public art, to which he has devoted essays and articles. She is the author of the following books: Illumunismo e storia in Ernst Cassirer (2005), Antropologia e biologia in Ernst Cassirer (2011), Rudolf Wittkower e gli itinerari simbolici (2020), Ernst Cassirer. Considerazioni su estetica e forma (2020), A centoanni dalla Filosofia delle Forme simboliche (2024). She also translated in Italian and edited some writings by Dilthey and Cassirer.

Irene Calvi
Transparency in the Wardrobe. Wearables Against Surveillance

Abstract

This essay delves into the significance of clothing and fashion in the realmof self-expression, particularly in response to the depersonalization of one’s image in an increasingly interconnected and invisible societal framework. This contemporary socio-cultural context, often characterized as “the society of transparency”, has spurred the development of wearable designs that offer strategies for creating a private and secure space for defining one’s own identity. On one hand, there is sousveillance, which involves observing and documenting surveillance activities, and on the other hand, countersurveillance, which seeks to evade the prying eyes of ubiquitous cameras.
The essay’s structure will be guided by several case studies, ranging from speculative to fashion design and addressing adversarial patterns, the avoidance of facial recognition, and shielding fabrics. Moreover, this research delves into the interdisciplinary facets of transparency, exploring the intricate relationship between the body and its clothing (or lack thereof ), and the dynamics within digital realms. It sheds light on how the act of dressing oneself can serve as a form of resistance against the erosion of personal boundaries in an era of constant surveillance, offering a platform for the reassertion of individuality.

Abstract (ita)

Il saggio esplora il significato dell’abbigliamento e della moda nell’espressione del sé, in particolare come risposta alla spersonalizzazione dell’immagine individuale in una società sempre più interconnessa e trasparente. Il contesto socio-culturale contemporaneo, spesso definito “società della trasparenza” ha ispirato capi d’abbigliamento che offrono strategie per creare uno spazio privato e sicuro per definire l’identità individuale. In questo scenario emerge la contrapposizione tra sousveillance, che implica ’osservazione e la documentazione delle attività di sorveglianza e controsorveglianza, azione che mira a eludere gli occhi indiscreti delle telecamere onnipresenti.
La struttura del saggio sarà accompagnata da diversi casi di studio, dal design speculativo alla moda, affrontando abiti con “immagini avversarie” (adversarial patterns) e tessuti schermanti o che eludono il riconoscimento facciale. Inoltre, questa ricerca esplora le molteplici dimensioni della trasparenza, indagando la complessa relazione tra il corpo e il suo abbigliamento (o la suaassenza) e le sue dinamiche nel mondo digitale. La ricerca mette in luce come la scelta dell’abbigliamento possa agire come forma di resistenza contro l’abbattimento dei confini personali in un’epoca di sorveglianza costante, offrendo uno spazio per la riaffermazione della propria individualità.

Biography
Irene Calvi is a PhD student in visual and fashion studies at the University of Bologna and is passionate about fashion interpretations in museums, especially when emerging technologies are involved. Her last research for the MA course Arts, Museology, and Curatorship revolves around speculative design, art, and fashion as countersurveillance tools. She is a member of the Executive Committee of The Association of Dress Historians, has participated in the activities of the GIS-Acorso (Appearances, Bodies, Societies) of Lille University, and is a Junior Fellow of the Research Center Culture Fashion Communication (CFC).

Gregorio Tenti
Derma e domus. Xenopoetica di Neri Oxman

Abstract

The work of architect and designer Neri Oxman is a good example of the frontiers and the abstractions of contemporary eco-design. In the first part of this article, I explore the method and the theoretical orientations on which Oxman and her group, the Mediated Matter Research Lab at MIT, base their poietic praxis, within a sort of “acting according to nature” post-Romantic utopia. The second part of the article focuses on the wearable devices designed by Oxman, and notably on the Wanderers series, inspired by a vision of human life on other planets. The last paragraph further examines the tropes of “derma” and “domus” to underline the most sublimated and less conscious aspects of Oxman’s work, in the light of other poetics of wearable devices that are capable of a higher degree of reflection on the role of design in contemporary societies.

Abstract (ita)

Il lavoro dell’architetta e designer Neri Oxman è un ottimo esempio delle frontiere e delle astrazioni dell’eco-design contemporaneo. Nella prima parte di questo articolo si esplorano il metodo e gli orientamenti teorici su cui Oxman e il suo gruppo, il Mediated Matter Research Lab del MIT, basano la propria prassi poietica, all’interno di una sorta di utopia post-romantica dell’“agire secondo natura”. La seconda parte dell’articolo si concentra sui dispositivi wearable progettati da Oxman, e in particolare sulla serie Wanderers, ispirata a una visione della vita umana su altri pianeti. L’ultimo paragrafo approfondisce i tropi del “derma” e della “domus” per sottolineare gli aspetti più sublimati e meno consapevoli del lavoro di Oxman, alla luce di altre poetiche del wearable capaci di una maggiore riflessione sul ruolo del design nelle società contemporanee.

Biografia
Gregorio Tenti è Marie Skłodowska-Curie Postdoctoral Fellow presso l’Università Pompeu Fabra di Barcellona. È autore di Estetica e morfologia in Gilbert Simondon (Mimesis 2020), L’estetica di Friedrich Schleiermacher (ETS 2023) e Bracha Ettinger’s Notebooks. Another Aesthetics for Psychoanalysis (in uscita nel 2025). È inoltre il co-curatore, insieme ad Andrea Bardin, Marco Ferrari e Anaïs Nony, dell’Edinburgh Companion to Gilbert Simondon (Edinburgh UP, in uscita nel 2025). Il sito del suo attuale progetto di ricerca è: https://www.hermex6.eu/

Francesco Parisi, Samuele Sartori
Il tatto, la pelle, il cyborg. Trasformazioni della percezione e costituzione di soggettività ibride

Abstract

This article explores how touch, skin, and rehabilitative technologies contribute to the transformation of perception and the constitution of hybrid subjectivities. By intersecting phenomenology with media theory, the essay aims to show how touch and skin become central not only in individual perception but also in the social and symbolic construction of cyborg identity. The text is divided into five parts. In the first paragraph, through an analysis of the works of Lucretius, Condillac, and Merleau-Ponty, the epistemological role of touch is highlighted, capable of pragmatically founding thought and unveiling the concept of proprioception. The second paragraph examines how rehabilitative technologies, through neuronal plasticity, establish innovative communication between skin and brain, transforming mental activities and reshaping bodily capabilities. The third paragraph, starting from phenomenological foundations, explores how these technologies not only modify the body but lead to the formation of cyborg bodies whose capabilities and identities are profoundly influenced by prostheses that do not integrate into the individual’s body in an additive mode, but in a co-constitutive manner. The fourth paragraph further explicates the connection between skin, prostheses, and cyborgs, showing how the individual (phenomenal) and social (public) levels end up mutually influencing each other in orienting the construction of cyborg bodies and subjects. The final paragraph attempts to problematize the concept of cyborg and identifies its intrinsic political ambivalence: in overcoming the classical conception of the human as an entity at the center of the cosmos, the term cyborg can paradoxically and antithetically represent both a post-humanism that equates the human with other entities of the world and a transhumanism that radicalizes its centrality through the domination of nature.

Abstract (ita)

Questo articolo esplora come il tatto, la pelle e le tecnologie riabilitative contribuiscano alla trasformazione della percezione e alla costituzione di soggettività ibride. Intersecando la fenomenologia con la teoria dei media, il saggio intende mostrare come il tatto e la pelle diventino centrali non solo nella percezione individuale ma anche nella costruzione sociale e simbolica dell’identità cyborg. Il testo è diviso in cinque parti. Nel primo paragrafo, attraverso un’analisi delle opere di Lucrezio, Condillac e Merleau-Ponty, si mette in luce il ruolo epistemologico del tatto, capace di fondare pragmaticamente il pensiero e di dischiudere il concetto di propriocezione. Nel secondo paragrafo si esamina come le tecnologie riabilitative, grazie alla plasticità neuronale, stabiliscano una comunicazione innovativa tra pelle e cervello, trasformando le attività mentali e ridisegnando le capacità corporee. Nel terzo paragrafo, partendo dalle basi fenomenologiche, si esplora come queste tecnologie non solo modifichino il corpo, ma conducano alla formazione di corpi cyborg le cui capacità e identità sono profondamente influenzate dalle protesi che non si innervano nel corpo dell’individuo in una modalità additiva, ma co-costitutiva. Nel quarto paragrafo il nesso tra pelle, protesi e cyborg viene esplicitato maggiormente, mostrando come il piano individuale (fenomenico) e il piano sociale (pubblico) finiscano per influenzarsi reciprocamente nell’orientare la costruzione di corpi e soggetti cyborg. L’ultimo paragrafo prova a problematizzare il concetto di cyborg e ne individua l’intrinseca ambivalenza politica: nel superare la concezione classica dell’umano come entità al centro del cosmo, il termine cyborg può rappresentare, paradossalmente e antiteticamente, sia un post-umanesimo che equipara l’umano alle altre entità del mondo, sia un transumanesimo che ne radicalizza la centralità mediante il dominio sulla natura.

Biografie
Francesco Parisi (1982) è professore ordinario in Cinema, fotografia e televisione presso l’Università di Messina, dove insegna “Fotografia e cultura visuale” e “Teorie dei media”. La sua ricerca si caratterizza per un approccio interdisciplinare, che coniuga scienze cognitive e teorie dei media. In particolare, si occupa degli effetti dei media audiovisivi sulla cognizione umana e di come la cultura materiale produca delle trasformazioni radicali sull’esperienza, tali da far superare le rigide dicotomie che separano corpi e cose.

Samuele Sartori ha conseguito il dottorato in Cinema, fotografia e televisione presso l’Università degli Studi di Messina ed è attualmente assegnista di ricerca all’Università degli Studi di Milano. Le sue ricerche, che pongono al centro il mutuo modellarsi di esseri umani e tecnologie, si contraddistinguono per un approccio interdisciplinare capace di far dialogare teoria e archeologia dei media, scienze cognitive, studi di cultura materiale ed estetica contemporanea.

#8 - “Wearable. I media da indossare” KEYWORDS:

Aesthetics; Ambiente; Archeologia dei sensi; Arte contemporanea; Arte cyborg; Biomedia; Canone del nudo; Controsorveglianza; Contemporary Art; Corpo; Corpi Cyborg; Countersurveillance; Cyborg Bodies; Design speculativo; Desiderio; Digital materiality; Digital media; Documentario; Documentary; Eco-design; Ecologia materiale; Ecologism; Édouard Manet’s Olympia; Energia; Environment; Estetica; Fabric; Fashion Studies; Filosofia; Gender Trouble; Hybrid Identity; Identità ibrida; Material ecology; Materialism; Materialità digitale; Media Olfattivi; Mediazione; Mediation; Mobilography; Neuroplasticity; New Materialisms; Nude in Art; Nudo artistico; Nuovi materialismi; Nuovi media; Olympia di Édouard Manet; Plasticità Neuronale; Post-fenomenologia; Posthuman girlhood; Prosthesis; Protesi; Psicoanalisi; Seconda pelle; Sensory Studies; Sessualità; Slavoj Žižek; Speculative Design; Tatto; Tecnologia; Tecnologie indossabili; Tessuto; Touch; Visual Studies; Wearable Technologies.

Indice #6/7 “Film Studies before Visual Studies”
a cura di Augusto Sainati e Andrea Rabbito

Augusto Sainati, Andrea Rabbito
Introduzione. Film Studies before Visual Studies

Federica Villa
Desiderio e abnegazione da automatismo. Dispositivi, immagini, soggetti

Luca Malavasi
Se Boehm avesse letto Ejzenštejn. Qualche riflessione sui dialoghi mancati tra teoria del cinema e studi di cultura visuale

Salvatore Tedesco
Identità dell’immagine. La vita della forma nel montaggio dell’inquadratura di Ėjzenštejn

Marie Rebecchi
Metamorphosis and Montage The parisian encounter between Eisenstein and Painlevé

Enrico Carocci
Il figurale e la “vitalità delle immagini” nella teoria del cinema di fine Novecento

Giovanna Santaera
The museology of cinema moving towards the visual culture studies. Practices, notes and issues

Rossana Galimi
Beyond the Gaze, Towards the Body: Early Feminist Film Theory as a Matrix of Visual Culture Studies

Filippo Fimiani, Anna Chiara Sabatino
Everydayness’ Filming: Mobility and Everyday Visual Culture

Martina Federico
Aspetti della descrizione nell’audiofilm come esperienza di visione

Víctor Martín García
Il film che visse due volte: il riutilizzo delle immagini di Vertigo e la sua persistenza attraverso i nuovi media

Sergio Gianfrate
Il segno rotolante. Coinvolgimento materiale nel dipinto peripatetico su rotolo orizzontale cinese

Book of Abstracts VCS #6/7 “Film Studies before Visual Studies”

Augusto Sainati, Andrea Rabbito
Introduzione. Film Studies before Visual Studies

Federica Villa
Desiderio e abnegazione da automatismo. Dispositivi, immagini, soggetti

Abstract

The essay aims to trace a line of continuity that the concept of automatism has drawn in film theories, leading up to studies on computational images as the chosen site for the privileged domain of the automatic. Undoubtedly, the horizon of Visual Culture becomes the ideal backdrop for revisiting the reflection on automatism, as computational images, which structure the contemporary phenomenology of the post-photographic, inherently demand a specific automatic discipline, both in their creation and in their presentation. Therefore, it seems inevitable to attempt to understand whether the current state of automatic image generation through AI can be defined as a possible apex in the genealogy of the question of automatism in film theories.

Abstract (ita)

Il saggio intende tracciare una linea di continuità che il concetto di automatismo ha disegnato nelle teorie del cinema sino a giungere agli studi sull’immagine computazionale come luogo eleggibile a dimora privilegiata dell’automatico. Indubbiamente l’orizzonte della Visual culture diventa lo sfondo favorevole per ritornare alla riflessione sull’automatismo, in quanto le immagini computazionali, che strutturano la fenomenologia contemporanea del postfotografico, rivendicano per loro stessa natura una precipua disciplina automatica, tanto nel farsi che nel darsi. Inevitabile sembra, dunque, provare a capire se lo stato attuale della generazione automatica di immagini tramite l’AI e il calcolo algoritmico possa definirsi come un possibile approdo nella definizione di una genealogia della questione dell’automatismo nelle teorie del cinema.

Biografia
Federica Villa è professoressa ordinaria presso il Dipartimento di Studi Umanistici dell’Università degli Studi di Pavia, dove insegna Storia e critica del cinema e Cinema documentario e sperimentale. Si è occupata soprattutto di cinema italiano del secondo dopoguerra – in particolare l’apporto dei letterati ai tavoli di sceneggiatura (da Botteghe di scrittura per il cinema italiano, 2002, a Il cinema che serve. Giorgio Bassani cinematografico, 2010) – e dei modi dell’autorappresentazione nei nuovi media (Vite impersonali, 2012, Tracciati autobiografici tra cinema, arte e media, 2015 e Self Media Studies, 2020). Dirige dal 2012 il Centro Studi Self Media Lab | Scritture, Performance, Tecnologie del Sé.

Luca Malavasi
Se Boehm avesse letto Ejzenštejn. Qualche riflessione sui dialoghi mancati tra teoria del cinema e studi di cultura visuale

Abstract

Both film theory and cinema as an object of analysis are significantly absent from the reflection of one of the main authors of visual culture studies, Gottfried Boehm. This absence is certainly influenced by the scholar’s disciplinary background, the privilege given to the artistic image and the anchoring of his reflection on the “iconic turn” of modern art. And the same, on closer analysis, could be said of many other scholars of visual culture studies. However, in Boehm’s this absence can be usefully highlight as a lack: both because his theory of the “iconic logos” would be referred to all images, and because the notion of “iconic difference” rests on arguments that, also because of the centrality attributed to the modernist turn (reread in a phenomenological key), implicitly refers to montage theory. It should also be noted that Boehm manifests an explicit scepticism towards the technical image, considered a weakened incarnation of the iconic power to refigure the world. Taking Béla Balász as starting point, the essay intends to take advantage of this case in order to emphasize how it is certainly desirable, today, at a time of great disciplinary expansion of visual culture, to start a reflection on Film Studies before Visual Studies; at the same time, however, it is necessary to reason about visual studies within film studies.

Abstract (ita)

Sia la teoria del cinema sia il cinema come oggetto di analisi sono significativamente assenti dalla riflessione di uno dei principali autori degli studi di cultura visuale, Gottfried Boehm. Su questa assenza influiscono certamente la provenienza disciplinare dallo studioso, il privilegio accordato all’immagine artistica e l’ancoraggio della sua riflessione alla “svolta iconica” dall’arte moderna. E la stessa cosa, a ben vedere, si può dire di molti altri studiosi riferibili all’ambito della cultura visuale. Nel caso di Boehm, tuttavia, tale assenza può essere utilmente rilevata come mancanza: sia perché la sua vuole essere una teoria del “logos iconico” riferibile a tutte le immagini, sia perché la nozione di “differenza iconica” si regge su argomentazioni che, anche in virtù della centralità attribuita alla svolta modernista (riletta in chiave fenomenologica), rimandano implicitamente alla teoria del montaggio. Occorre inoltre notare che Boehm manifesta un esplicito scetticismo nei confronti dell’immagine tecnica, considerata un’incarnazione indebolita del potere iconico di rifigurare il mondo. Il saggio, prendendo le mosse da Béla Balász, intende approfittare di questo caso per sottolineare come sia certamente auspicabile, oggi, in un momento di grande espansione disciplinare della Cultura visuale, avviare una riflessione sui Film Studies prima dei Visual Studies; al tempo stesso, tuttavia, occorre ragionare dei Visual Studies dentro i Film Studies.

Biografia
Luca Malavasi è professore associato presso l’Università di Genova, dove insegna “Storia e analisi del film” e “Cinema e cultura visuale”. Si occupa prevalentemente di storia e teoria del cinema, cinema contemporaneo e Cultura Visuale. Ha curato numeri monografici di “Bianco e Nero” (2016), “Cinergie” (2017), “La Valle dell’Eden” (2018), “Visual Culture Studies” (2022). Tra i suoi libri: Realismo e tecnologia. Caratteri del cinema contemporaneo (2013), Il cinema. Percorsi storici e questioni teoriche (con G. Carluccio, F. Villa, 2015, nuova edizione 2022), Postmoderno e cinema. Nuove prospettive d’analisi (2017), Il linguaggio del cinema (2019), Dalla parte delle immagini. Temi di cultura visuale (con B. Grespi, 2022), Christopher Nolan (a cura di, 2024).

Salvatore Tedesco
Identità dell’immagine. La vita della forma nel montaggio dell’inquadratura di Ėjzenštejn

Abstract

The interpretation of the image in terms of an “energetics” tends to understand the form as linked to a system of “invariants” and “transformations”, thus finding itself necessarily assigning primacy to a whole (and tending to a “system”) of forces through which the power of the image comes to dissolve the form itself, characterizing the visual in an almost exclusive way as a flow of functions and relationships. What happens in a perspective in which that tension between invariants and transformations does not exist, but the image itself is an ecstatic identity which is maintained under any structural and functional modification as a “use”, as a “life of form”? And even more: what kind of “identity” of the form is it, if it manifests itself not so much “in spite” of the modifications, but rather precisely “through” plasticity, in the formal gap, in its becoming an unstable identity and in derealizing every subjective strategy of domination over the imaginary? What happens if the image, precisely as a form, is the locus of a plural and metamorphic “meta-identity”? Backlit with the pages on the incessant ecstasy that characterizes the pathetic composition, Ėjzenštejn’s reflection on the plastic composition that takes place in the “montage of the shot” acts for us in this sense as a fundamental moment for verifying a deeply rooted morphological perspective in the reflection on form, thus opening up to a renewed dialogue with the disciplinary field of Visual Studies.

Abstract (ita)

L’interpretazione dell’immagine nei termini di una “energetica” tende a comprendere la forma come legata a un sistema di “invarianti” e di “trasformazioni”, così trovandosi di necessità ad assegnare il primato a un insieme (e tendenzialmente a un “sistema”) di forze per cui tramite la potenza dell’immagine giunge a dissolvere la forma stessa, caratterizzando il visuale in modo pressoché esclusivo quale flusso di funzioni e di relazioni. Cosa accade in una prospettiva in cui non vige quella tensione fra invarianti e trasformazioni, ma l’immagine stessa è identità estatica che si mantiene sotto ogni modificazione strutturale e funzionale in quanto “uso”, in quanto “vita della forma”? E in parallelo: di quale tipo di “identità” della forma si tratta, se a conti fatti essa si manifesta non tanto “malgrado” le modificazioni, quanto piuttosto appunto “nella” plasticità, nello scarto formale, nel suo farsi identità instabile e nel derealizzare ogni strategia soggettiva di dominio sull’immaginario? Cosa accade se l’immagine, proprio in quanto forma, è il luogo di una “meta-identità” plurale e metamorfica? Posta in controluce con le pagine sull’incessante estasi che caratterizza la composizione patetica, la riflessione di Ejzenštejn sulla composizione plastica che ha luogo nel montaggio dell’inquadratura funge per noi in questo senso da momento fondamentale di verifica di una prospettiva morfologica profondamente radicata nella riflessione sulla forma, così aprendo a un dialogo rinnovato con il campo disciplinare dei Visual Studies.

Biografia
Salvatore Tedesco insegna Estetica presso l’Università di Palermo; è autore di dodici monografie, fra le quali L’estetica di Baumgarten (2000), Il metodo e la storia (2006), Forme viventi (2008), Morfologia estetica (2010), Fuoco pallido. W.G. Sebald: l’arte della trasformazione (2019), La poesia e la forma del nostro tempo. Ontologia, Poetica, Storia (2023). Curatore di numerose edizioni di classici filosofici della modernità, da Baumgarten a Shusterman, oltre che di numerosi volumi collettivi (fra i quali Glossary of Morphology, con F. Vercellone), nonché di un centinaio di articoli scientifici, ha pubblicato nell’ambito degli studi di filmologia numerosi articoli su “Fata morgana” e “Bianco e nero”, e il volume Forma e forza. Cinema, soggettività, antropologia (2014, Pellegrini).

Marie Rebecchi
Metamorphosis and Montage The parisian encounter between Eisenstein and Painlevé

Abstract

The article tries to set the historical and cultural stage for Eisenstein’s Parisian stay in 1929-1930 and his encounter with the heterodox branch of surrealism deeply enmeshed with anthropology. I argue that the peculiar approach to text-image montage in the pages of the journal Documents can be directly connected to Eisenstein’s theory of “conflictual montage” developed concurrently. I analyze the notion of “metamorphosis” as conceptualized by the cofounder and chief editor of Documents, Georges Bataille, but also as an operative principle in the scientific films made by the biologist and director Jean Painlevé. The metamorphosis method undermines a certain noble understanding of form inherited from idealist aesthetics, and is crucial for grasping what the deconstruction of the privilege of the human figure entails. In this regard, I focus on Painlevé’s putative influence on Eisenstein’s theory of “protoplasmaticity”.

Abstract (ita)

L’articolo è un tentativo di delineare il contesto storico e culturale del soggiorno parigino di Ėjzenštejn nel 1929-1930 e del suo incontro con il ramo eterodosso del surrealismo, profondamente legato all‘antropologia. Tenteremo di collegare il peculiare approccio al montaggio “testo-immagine” nelle pagine della rivista Documents alla teoria del “montaggio conflittuale” teorizzato da Ėjzenštejn nello stesso periodo. Analizzeremo la nozione di “metamorfosi”, nel modo in cui è stata concettualizzata dal cofondatore e redattore capo di Documents, Georges Bataille, ma anche come chiave di lettura dei film scientifici realizzati dal biologo e regista Jean Painlevé. Il metodo della metamorfosi mette in crisi una certa concezione nobile della forma, ereditata dall‘estetica idealista, ed è fondamentale per comprendere l‘idea di decostruzione della figura umana. A questo proposito, ci concentriamo sulla presunta influenza di Painlevé sulla teoria della “protoplasmaticità” di Ėjzenštejn.

Biography
Marie Rebecchi is Associate Professor in Aesthetics and History of Cinema at the Aix-Marseille Université. She was Visiting Fellow at Yale (fall 2023), FMS Program. She is working on the project The Kaleidoscopic Image. An Alternative Archaeology of Optical Modernity. Her publications include: Sergei Eisenstein. The Anthropology of Rhythm (Nomas, 2017 with E. Vogman), Paris 1929; Eisenstein, Bataille, Buñuel (Mimésis, 2018); Puissance du végétal. La vie révélée par la technique (Les presses du réel, 2020, with T.  Castro and P. Pitrou). With A. Somaini and E. Grignard she organized the exhibition Time Machine. Cinematic Temporalities (Parma, 2020) and codirected the publication (Skira, 2020). With J. Bodini and S. De Courville, Cinéma du corps. Cinéma du cerveau. Deleuze aux frontières de la spectatorialité (Mimésis, 2024). She has been Visiting Professor at the University of Lausanne (2021 and 2023).

Enrico Carocci
Il figurale e la “vitalità delle immagini” nella teoria del cinema di fine Novecento

Abstract

In the years between the end of the 20th century and the beginning of the new millennium, in the face of a new technological and media landscape, film theory attempted to radically update its paradigms. In this regard, figural theory can be retrospectively regarded as a symptom of the perceived mutation of the cinematic scopic regime, thus, as a disciplinary “anomaly” that encountered, at the same time, a need for theoretical-methodological renewal within the discipline, and a need to refer to cross-cutting conceptual tools, more appropriate to the investigation of a new landscape even as pre- or post-cinematographic. This essay discusses a segment of the history of film theory at the turn of the century, and aims to show how the discipline has evolved by focusing on aspects not previously thematized, extending its scope along with its objects of inquiry, and thus undermining its own identity.

Abstract (ita)

Negli anni a cavallo tra la fine del Novecento e l’inizio del secolo successivo, a fronte di un nuovo panorama tecnologico e mediale, la teoria del cinema tentò di aggiornare radicalmente i propri paradigmi. La teoria del figurale, a questo proposito, può essere retrospettivamente considerata come il sintomo della percezione di una mutazione del regime scopico cinematografico, e dunque come una “anomalia” disciplinare che incontrava, allo stesso tempo, un bisogno di rinnovamento teorico-metodologico interno alla disciplina e una necessità di riferirsi a strumenti trasversali, cioè adeguati al nuovo panorama anche in quanto pre- o post-cinematografici. Questo saggio discute un segmento della storia della teoria del cinema a cavallo tra i due secoli, e contribuisce a mostrare come la disciplina si sia evoluta concentrandosi su aspetti non tematizzati in precedenza, estendendo il proprio campo d’azione insieme ai propri oggetti d’indagine, e mettendo così in crisi la propria identità.

Biografia
Enrico Carocci è professore associato presso il Dipartimento di Filosofia, Comunicazione e Spettacolo dell’Università Roma Tre, dove coordina i corsi di studio dell’area Dams. Le sue ricerche si focalizzano tra l’altro sul tema del coinvolgimento emozionale, e dedicano una particolare attenzione ai rapporti tra teoria dell’esperienza spettatoriale e analisi filmica. È autore di numerosi saggi apparsi in volume e su riviste scientifiche, nonché di studi monografici tra cui Il sistema schermo-mente. Cinema narrativo e coinvolgimento emozionale (2018).

Giovanna Santaera
The museology of cinema moving towards the visual culture studies. Practices, notes and issues

Abstract

The article traces the development of the museology of cinema before the turn in the 1990s of the Visual Culture Studies as a broad field of practices and theories which reflect the different historical phases of recognition with regard to the more or less plural status of the medium. The period of the origins, in particular, appears as the phase in which the technical, scientific, artistic, spectacular, economic, social, political and cultural ‘polymorphism’ of the medium manifested itself most in relation to its establishment and the firstforms of institutionalisation of cinema in the media and museum landscape.
The recognition of the transversality of cinema continued in the following years in a carsic manner, overcoming the block related to the propagandistic appropriation of the regimes and the urgency of the preservation of film materials. The contribution focuses specifically on the emergence of the communicative and multimedia landscape from the 1960s and the archaeological, historical and cultural focus of the 1980s. In a framework in which each time and place offers shared insights and specificities, even with respect to the contemporary age, certain forms of cinema exhibition and transmission are discussed, alongside the thinking of some key figures and examples of more or less specialised institutions. From each phase, in a similar and distinct manner, different ways of thinking about cinema and its applications emerge that are in some ways ground-breaking, helping us to review the legacy of past reflections and actions and to better grasp the emergence of the systematisations and novelties of the subsequent field of visual culture studies.

Abstract (ita)

L’articolo traccia gli sviluppi della museologia del cinema prima della svolta negli anni Novanta dei Visual Culture Studies come un campo ampio di pratiche e teorie che riflettono le diverse fasi storiche di riconoscimento dello statuto più o meno plurale del medium. Il periodo delle origini, in particolare, appare come la fase in cui il ‘polimorfismo’ tecnico, scientifico, artistico, spettacolare, economico, sociale, politico e culturale del mezzo si è più manifestato in relazione alla sua affermazione e alle prime forme di istituzionalizzazione del cinema nel panorama mediale e museale.
Il riconoscimento della trasversalità del mezzo prosegue negli anni successivi in maniera carsica, superando il blocco legato all’appropriazione propagandistica dei regimi e l’urgenza della preservazione per lo più filmica. Il contributo si sofferma, dopo il primo snodo, in particolare sul panorama comunicativo e multimediale dagli anni Sessanta e sul focus archeologico, storico e culturale degli anni Ottanta. In un quadro in cui ogni momento e luogo offre spunti comuni e specificità, anche rispetto all’età contemporanea, si discute di alcune forme di esposizione e trasmissione del cinema, accanto al pensiero di alcune figure chiave ed esempi di istituzioni più o meno specializzate. Da ogni fase, in maniera simile e distinta, emergono diversi modi di pensare il cinema e le sue applicazioni per certi versi anticipatrici che ci aiutano a rivedere l’eredità delle riflessioni e azioni del passato e a cogliere meglio il sorgere delle sistematizzazioni e novità del successivo campo di studi visuali.

Biography
Giovanna Santaera is a Research Fellow at the University of Catania working on a Italian research project titled PRIN PNRR 2022 - CAOS (Catastrophes of Southern Italy. Photogénie and Remediation of Natural Disasters). From 2023 and the beginning of 2024 she has been Research Fellow for the Italian PRIN 2020 – Phototexts. Rethoric, Poetic and Cognition. She has a PhD in Sciences of Cultural Heritage and Production at the University of Catania for L-ART 06 / Cinema, television and photography. Her PhD thesis has been dedicated to “Transmitting cinema: museums, media and visual culture”. She has been editorial member of «Arabeschi» since 2018, an international journal about intermediality and visual culture studies with which she develops her research’s interests.

Rossana Galimi
Beyond the Gaze, Towards the Body: Early Feminist Film Theory as a Matrix of Visual Culture Studies

Abstract

This paper aims at tracing a genealogy of the visualist approach through the individuation of a path of continuity within early feminist film theory that anticipated some of the fundamental concerns of visual culture studies. Firstly, it will reassess the well-established concept of the gaze, providing an overview of alternative perspectives that reconsider and diverge from Laura Mulvey’s theorisation of the male gaze and visual pleasure. Subsequently, it will highlight a connection between these fields of research, particularly devoted to the study of the so-called “body genres”, and the emergence of visual culture studies, following especially W.J.T. Mitchell’s angle. It will be shown that this relationship is grounded in an understanding of images as social agents and encompasses an embodied comprehension of visuality. Such a conception implies that images play an active role in the construction of identities, that spectators engage in the visual experience through bodily involvement, and that the body is understood as both a sociocultural and performative entity.

Abstract (ita)

Questo articolo si propone di tracciare una genealogia dell’approccio visualista attraverso l’individuazione di un percorso di continuità nella early feminist film theory che ha anticipato alcune delle questioni fondamentali degli studi di cultura visuale. In primo luogo, si rivaluterà il concetto consolidato di sguardo, fornendo una panoramica delle prospettive alternative che riconsiderano e divergono dalla teorizzazione di Laura Mulvey sul male gaze e sul piacere visivo. Successivamente, si sottolineerà un legame tra questi campi di ricerca, in particolare dediti allo studio dei cosiddetti body genres, e l’emergere degli studi di cultura visuale, seguendo soprattutto la prospettiva di W.J.T. Mitchell. Si mostrerà che questa relazione si fonda su una comprensione delle immagini come agenti sociali e include una concezione incarnata della visualità. Tale approccio implica che le immagini svolgano un ruolo attivo nella costruzione delle identità, che lә spettatorә prenda parte all’esperienza visuale attraverso il coinvolgimento corporeo e che il corpo sia inteso come entità socioculturale e performativa.

Biografia
Rossana Galimi è dottoranda in cotutela in Filosofia e Scienze Umane presso l’Università degli Studi di Milano, e in Film and Television Studies presso la University of Warwick. La sua ricerca approfondisce da un punto di vista femminista le riscritture femminili del genere horror. È membro affiliato del progetto ERC AN-ICON, all’interno del quale si occupa dell’evoluzione del genere horror in realtà virtuale (VR) e di teorie di genere tra cinema e media immersivi. È membro della redazione della rivista “Cinéma & Cie” e occasionalmente collabora con Cineforum web.

Filippo Fimiani, Anna Chiara Sabatino
Everydayness’ Filming: Mobility and Everyday Visual Culture

Abstract

Cinematic portability and multimedia modularity have multiplied opportunities for linguistic hybridity and technical adaptability, creating unprecedented narrative and stylistic challenges, but also implying renewed authorship and audiences. In this perspective, Everyday Aesthetics questions Film and Visual Studies not only about the subjects and the experiences of “mobile images” and “cellphilms”, but also the modification of attentional regimes involved in digital and mobile audiovisual practices, productions and fruitions.
Within a (post)phenomenological and aesthetics framework about the relationships between bodies and devices, including studies on first-person filmmaking and self representation, as well on amateur audiovisual practices and gestures, the paper discusses declinations, features and styles of cellphilming prosaic narratives, both those made by ordinary people capturing the mundane and those produced and set by professional filmmakers and directors, and aiming to sketch the field of a contemporary Everyday Mobile Visual Culture.

Abstract (ita)

La portabilità e la modularità che caratterizzano il corrente panorama audiovisivo hanno moltiplicato le opportunità di affrontare sfide narrative e stilistiche senza precedenti, ma soprattutto hanno contribuito a ridefinire il profilo autoriale e le forme di fruizione e consumo del prodotto filmico. In questa prospettiva, l’Estetica del Quotidiano interroga gli Studi sul Cinema e sulla Cultura Visuale non solo rispetto ai temi e alle esperienze delle “immagini mobili” e dei “cellfilms”, ma anche alla modifica dei regimi attenzionali in gioco nelle loro pratiche, produzioni e fruizioni.
Mettendo in relazione studi (post)fenomenologici su dispositivi tecnologici e gestualità digitali, ricerche sul cinema in prima persona e sulla rappresentazione di Sé, nonché sulle pratiche audiovisive amatoriali, il contributo discute caratteristiche, poetiche e stili delle narrazioni audiovisive realizzate grazie allo smartphone, sia quelle fatte nella vita di tutti i giorni da persone comuni, sia quelle prodotte da registi e filmmaker professionisti, e prova così a delineare il variegato campo disciplinare di una contemporanea Cultura Visuale Mobile del Quotidiano.

Biografie
Professore ordinario di Estetica, Filippo Fimiani è attualmente coordinatore del Dottorato in Politica e Comunicazione e direttore del Laboratorio di Storytelling Audiovisivo (LABSAV) all’Università di Salerno. È co-direttore della rivista on-line Aisthesis. È ideatore e responsabile scientifico di UNIFEST, sezione culturale e concorso audiovisivo di Linea d’Ombra Film Festival. Dedito alla teoria critica delle immagini, si occupa delle relazioni tra cultura visuale, storia e critica delle arti e della letteratura artistica, e nuovi media.

Anna Chiara Sabatino is Research Fellow in Visual Culture and Lecturer at the Audiovisual Storytelling Laboratory (LABSAV) of the University of Salerno. Filmmaking Graduated at Centro Sperimentale di Cinematografia, Miur Certificated Film Trainer, she teaches Directing Techniques at the Iudav, Italian Campus of the Valletta Higher Education Institute in Malta. Her current research interests concern the relationship between audiovisual languages and therapeutic devices and contemporary amateur audiovisual practices.

Martina Federico
Aspetti della descrizione nell’audiofilm come esperienza di visione

Abstract

The aim of this essay is to explore the universe of so-called film audiodescription from the perspective of a semiotic and narratological analysis. Utilizing the theoretical framework offered by the rhetorical device of ekphrasis and the crucial notion of the scopic regime, the study sheds light on the relationship between images and words underlying its mechanism. The study is primarily guided by two questions, “What is an audiofilm?” and “How is an audiofilm made?”. These questions are further refined through three researchaxes. The first trajectory focuses on the relationships that audiodescription potentially maintains with its direct predecessor, the description, to understand if the two are indeed related. Subsequently, questions and answers revolve around identifying the type of “vision” proposed by audiodescription, aiming to clarify the type and quality of the media experience it enables: What are its salient characteristics? Does it make the film intelligible? Finally, the third trajectory naturally leads to some reflections on filmic storytelling: What happens to the “meaning” and images of the filmic way of telling stories? The analysis of audiodescription ultimately allows us to obtain a characterization of film storytelling as a “photographic negative”, presenting it as a blind vision of the image.

Abstract (ita)

L’obiettivo del saggio è quello di indagare l’universo della cosiddetta audiodescrizione del film dal punto di vista di un’analisi semiotica e narratologica che, servendosi della cornice teorica offerta del dispositivo retorico dell’ecfrasi e della cruciale nozione di regime scopico, faccia luce sulla relazione tra immagini e parole alla base del suo meccanismo. A guidare lo studio sono principalmente le due domande, “che cos’è l’audiofilm?” e “come è fatto un audiofilm?”, perfezionate via via secondo tre assi di ricerca. Seguendo una prima traiettoria l’indagine si è incentrata sulle relazioni che l’audiodescrizione – eventualmente – intrattiene con la sua antenata diretta, la descrizione, al fine di comprendere se le due sono effettivamente imparentate. In seguito, domande e risposte si sono raccolte attorno all’individuazione del tipo di “visione” proposta dall’audiodescrizione, che cerca di fare luce su tipologia e qualità dell’esperienza mediale che questa consente: quali sono le sue caratteristiche salienti? Rendono il film intelligibile? Infine, la terza apre naturalmente ad alcune riflessioni sulla narrazione cinematografica: cosa ne è del “senso” e delle immagini del racconto filmico? L’analisi dell’audiodescrizione ci permette infine di ottenere una caratura “in negativo” della narrazione filmica, nel suo caratterizzarsi qui come visione cieca dell’immagine.

Biografia
Martina Federico, dottore di ricerca in Scienze del linguaggio della Comunicazione presso l’Università degli studi di Torino, è docente a contratto presso L’università eCampus per gli insegnamenti di Metodologie di analisi del testo, Laboratorio di lettura dell’immagine e Semiotica del testo. Semiologa, si occupa di analisi filmica, e collabora con L’Università Suor Orsola Benincasa (Prin 2017, “Archivi del Sud”). È autrice del saggio Trailer e film. Strategie di seduzione cinematografica nel dialogo tra i due testi (Mimesis, 2017) e cocuratrice del volume Pubblicità e cinema (con Ruggero Ragonese, Carocci, 2020). Dal 2012 ha scritto per “Segnocinema” curando la rubrica “Segnofilmtrailer”, e dal 2018 per “Doppiozero”. Ha scritto, tra gli altri, per la rivista “Fata Morgana”, per E/C, e per il primo numero di VCS. È membro della Consulta Universitaria del Cinema.

Víctor Martín García
Il film che visse due volte: il riutilizzo delle immagini di Vertigo e la sua persistenza attraverso i nuovi media

Abstract
This paper proposes a compilative study of several audiovisual productions in which the images of Vertigo (A. Hitchcock, 1958), as well as other elements belonging to the film, are part of a process of recontextualization characteristic of the practice of audiovisual appropriation. The distinctive elements of the Hitchcockian film text themselves reinforce a reflexivity that affects subsequent interpretations of the film, while at the same time conditioning the discursive strategies of the works examined. However, the different authors’ analytical perspective on the original text in turn generates a critical process on the viewer’s experience and the changes this experience takes on as a result of digital technological evolution. The numerous audiovisual documents, disseminated especially through the web, multiply the reappearance of Vertigo and enunciate different perspectives of insight around the film in its relocation process, while, on the other hand, manifesting the formal capabilities of new devices. In this way, the persistence of the imagery related to the film medium in the new digital media is evident, where the viewer has shifted from a contemplative state to sharing his or her own experience and relationship with the filmic text through his or her own audiovisual narratives.

Abstract (ita)

Il presente articolo propone uno studio compilativo di diverse produzioni audiovisive in cui le immagini de La donna che visse due volte (Vertigo, A. Hitchcock, 1958), al pari di altri elementi appartenenti al film, sono parte di un processo di ricontestualizzazione caratteristico della pratica dell’appropriazione audiovisiva. Gli stessi elementi distintivi del testo cinematografico hitchcockiano rafforzano una riflessività che si ripercuote sulle successive interpretazioni del film, e condizionano allo stesso tempo le strategie discorsive delle opere esaminate. Tuttavia, la prospettiva analitica dei diversi autori sul testo originale genera a sua volta un processo critico sull’esperienza dello spettatore e sui cambiamenti che questa assume in seguito all’evoluzione tecnologica digitale. I numerosi documenti audiovisivi, diffusi specialmente attraverso la rete, moltiplicano la riapparizione de La donna che visse due volte ed enunciano diverse prospettive di approfondimento intorno al film nel suo processo di rilocazione, manifestando allo stesso tempo le capacità formali dei nuovi dispositivi. Si evidenzia, pertanto, la persistenza dell’immaginario legato al mezzo cinematografico nei nuovi media digitali, attraverso cui lo spettatore passa da un mero stato contemplativo alla condivisione della propria esperienza e del proprio rapporto con il testo filmico a seconda della sua sensibilità audiovisiva. 

Biography
Víctor Martín García has a degree in Art History and a degree in Fine Arts (UCM), and a Master’s degree in Contemporary Art and Visual Culture (UCM-UAM-MNCARS). He is currently working on his PhD project at the Universitat Politècnica de València (UPV), where he is working on discursive strategies related to memory within the practice of appropriation cinema. Together with Dolores Furió Vita he is the author of the chapter “Para una imagen de Madrid. Recontextualizando las filmaciones soviéticas sobre la guerra civil”, in Madrid, Ciudad de cine, curated by Elios Mendieta and Luis Deltell (Madrid: Fragua, 2023).

Sergio Gianfrate
Il segno rotolante. Coinvolgimento materiale nel dipinto peripatetico su rotolo orizzontale cinese

Abstract

Chinese Handscroll (CHS) comes as close as any pre-modern device to the effect of the moving image. The CHS is a format used for the transmission of texts and paintings on paper or silk. CHS is long and narrow, it gradually unrolls to display images in progression. Despite lacking sufficient consideration in the field of film studies and visual studies, this article aims to bring attention to the CHS as a device of movement and immersion through the perspective of material engagement. Firstly, this work discusses the perspective of material engagement and Xie He’s “Six Criteria” (liu fa 六法). Secondly, it introduces the “peripatetic” paradigm through the study of landscape painting, a privileged subject in the history of CHS. Lastly, it describes the form and functions of the CHS. Considering the interactive, immersive and anachronistic nature of the CHS, its significance is highlighted in the context of contemporary image theory.

Abstract (ita)

Come nessun altro dispositivo pre-moderno il rotolo orizzontale cinese (ROC) si avvicina all’effetto di un’immagine in movimento. Il ROC è un formato usato per la trasmissione di testi e dipinti su carta o seta, lungo e stretto, che si srotola gradualmente per mostrare immagini in progressione. Mancando ancora di un’adeguata considerazione nell’ambito degli studi cinematografici e della cultura visuale, il presente lavoro si propone di portare all’attenzione il ROC come dispositivo del movimento e dell’immersione attraverso la prospettiva del coinvolgimento materiale (material engagement). In primo luogo si discute la prospettiva del coinvolgimento materiale interpretata a partire dai primi due fra i Sei Criteri (liu fa 六法) di Xie He 謝赫. In secondo luogo si introduce il paradigma “peripatetico” della raffigurazione attraverso lo studio del dipinto di paesaggio, soggetto privilegiato nella storia del ROC. Da ultimo, si descrive la forma del ROC e le sue funzioni. Considerando il carattere interattivo, immersivo e anacronistico del ROC viene rilevata la sua salienza nel contesto della contemporanea teoria dell’immagine.

Biography
Sergio Gianfrate (1997) ha una laurea triennale in Lingue, culture e società dell’Asia e dell’Africa mediterranea (curriculum Cina). Sempre presso l’Università Ca’ Foscari di Venezia, ha completato nel 2022 gli studi magistrali in Lingue e civiltà dell’Asia e dell’Africa mediterranea (curriculum Cina) con un progetto di tesi sul rapporto fra rotolo orizzontale cinese e immagine cinematografica. Nel 2023 ha iniziato un Dottorato di ricerca in Studi sull’Asia e sull’Africa con un progetto sugli aspetti corporei legati alla creazione e alla fruizione del dipinto su rotolo orizzontale cinese.

#6/7 “Film Studies before Visual Studies” - KEYWORDS:

Aesthetic Ecology; Arte Contemporanea; Attivismo; Attore Virtuale; Autoritratto; Avatar; CGI; Circuito Chiuso; Data Visualization; DeepFaceLab; Deepfake; Digitale; Digital Face; DNA; Facial Expression Recognition; Filmologia; Fotorealismo; Fotografia; GAN; Iconoclash; Immersività; Intelligenza Artificiale; Latour; Machine Vision; Motion Capture; Partecipazione; Performance; Profilazione Fenotipica; Profilazione Razziale; Resurrezione Digitale; Schermi; Sguardo; Sorveglianza; Specchio; Videoarte; Videoconferenza; Virtual Reality; Visual Knowledge; Visual Studies; Volto; Volto Digitale; Zona Perturbante.

Hanno contribuito alla sezione ADJECTA del numero:

Mariangela Palmeri
La meno-quasi e più-realtà di Andrea Rabbito

Andrea Rabbito
La svolta ecomediale di Michele Cometa

Margherita Picciché
Las Hijas de Felipe di Ana Garriga e Carmen Urbita

Valentina Mignano
Attenzione, concentrazione, ritmo e… visualità. Considerazioni su immagini, sguardi e dispositivi tra passato e contemporaneità digitale

Simone Pedalino
Stonebreakers e l’impermanenza della pietra

Hend Ben Mansour
Could a Picture Liberate Us?

Cristiana Nicolò
Il ruolo del corpo in Poor Things di Yorgos Lanthimos

Gaetano di Gaetano
Niente da nascondere di Michael Haneke, ovvero l’immagine come specchio

VCS #3-4
Dicembre 2021 / Giugno 2022

Special double issue a cura di Sean Cubitt e Valentino Catricalà

Indice VCS #3-4 “Art in the Age of Ubiquitous Media”
a cura di Sean Cubitt e Valentino Catricalà

Sean Cubitt, Valentino Catricalà
Introduzione. Art in the Age of Ubiquitous Media

Sean Cubitt, Arron Santry
After the Future: Inhabiting Apathy in New Media Arts

Silvia Casini
The Space between Bodies: Exploring Contagion without Contact from Cohl’s Animated Cephaloscope (1910) to Feuerstein’s Borgy & Bes (2018)

Delinda Collier
Crypto-Art and the Fungible Body: CUSS Group’s Video Party 4 (2014)

José Carlos Mariátegui
Cybernetics and the Arts in Latin America – A Journey

Roberto Paolo Malaspina, Andrea Pinotti, Sofia Pirandello
Emerging, Filtering, Symbiosing: Experiences in Augmented Art

Miriam De Rosa
From Ontology to Topology: a Two-leg Methodological Journey to Look at Contemporary Media Arts

Chirs Salter
Words without Bodies: Language Models and the Revenge of the Embodied Arts in AI

Inge Hinterwaldner, Daniela Hönigsberg, Konstantin Mitrokhov, Martina Richter
Negotiating the way to the Internet. The Impact of Software Design on the browsing experience and User Interaction

Ashley Lee Wong
NFTs and Digital Collectibles: Creating systems of ownership for digital objects

Domenico Quaranta
Crypto Art Does Not Exist. Coming to Terms with an Unfortunate Art Label

Paul Thomas
Quantum Reflection

Roger Malina in conversation with Joel Slayton
Provoking a Desirable Future. The advantages and disadvantages of permeable membranes

Book of Abstracts VCS #3-4 “Art in the Age of Ubiquitous Media”

Sean Cubitt, Valentino Catricalà
Introduzione. Art in the Age of Ubiquitous Media

Sean Cubitt, Arron Santry
After the Future: Inhabiting Apathy in New Media Arts

Abstract

“Media arts” is a phrase that has circulated for a century now, dealing with electromechanical media (radio, film, rotary press, photography) and more recently with electronic media (video, electronic music, digital arts). With benefit of hindsight it became doctrine that all forms of art were media (Greenberg’s and McLuhan’s different historical versions of medium specificity); that all media were digital (Kittler) and – in what may well be the hegemonic idea of the 21st century – that all human activity, even all ecological activity, has always been fundamentally communicative; that we have been able to conceive of an aesthetic without medium. No matter that the substitute – the concept, especially in anti-retinal art – is in many respects a discrete medium embedded in the entrails of late 20th century theories of language.
This article first proposes this diagnosis, then sets out to decipher why the contradictions of art and technology, and more broadly of science and the social, have brought us to this conjuncture, and what kind of opportunity it presents for the (re)making of both arts and media.

Abstract (ita)

“Media arts” è un'espressione che circola da un secolo a questa parte e che riguarda i media elettromeccanici (radio, film, stampa rotativa, fotografia) e più recentemente i media elettronici (video, musica elettronica, arti digitali). Con il senno di poi è diventata dottrina l'idea che tutte le forme d'arte fossero media (le diverse versioni storiche della specificità del medium di Greenberg e McLuhan); che tutti i media fossero digitali (Kittler) e - in quella che potrebbe essere l'idea egemonica del XXI secolo - che tutta l'attività umana, anche quella ecologica, sia sempre stata fondamentalmente comunicativa; che siamo stati in grado di concepire un'estetica senza medium. Non importa che il sostituto - il concetto, soprattutto nell'arte antiretinica - sia per molti aspetti un medium discreto incorporato nelle viscere delle teorie del linguaggio del tardo XX secolo. Questo articolo propone innanzitutto questa diagnosi, poi si propone di decifrare perché le contraddizioni dell'arte e della tecnologia, e più in generale della scienza e del sociale, ci hanno portato a questa congiuntura, e che tipo di opportunità presenta per la (ri)creazione di arti e media.

Biographies
Sean Cubitt is Professor of Screen Studies at the University of Melbourne. His publications include The Cinema Effect, EcoMedia, The Practice of Light, Finite Media: Environmental Implications of Digital Technologies and Anecdotal Evidence: Ecocritique from Hollywood to the Mass Image. Co-editor of Ecocinema: Theory and Practice and Ecomedia: Key Issues. and series editor for Leonardo Books at MIT Press, he researches the history and philosophy of media, ecopolitical aesthetics, media arts and technologies and media art history.

Arron Santry is a PhD candidate in Media, Communications, and Cultural Studies at Goldsmiths, University of London. His research explores the connections between the use of digital technology in artists’ moving image and broader cultures of digitality, with a particular interest in art’s resistance to technological control.

Silvia Casini
The Space between Bodies: Exploring Contagion without Contact from Cohl’s Animated Cephaloscope (1910) to Feuerstein’s Borgy & Bes (2018)

Abstract

Advances in neuroscientific research and imaging technologies implies that the brain is no longer an object of wonder. The imaging and writing tradition present in the neurosciences - the former based on morphological aspects and the latter on physiological ones – claims to capture immaterial entities and give them a material form in the guise of a written trace or a brain scan (Borck 2016). I argue that the residual spiritualist element which is present in materialist technologies such as brain imaging can be traced back to experiments in telepathy predating the official birth of the neurosciences in 1962. My paper traces a long-term trajectory of brain and neuroscience based and inspired artworks, from telepathy through cybernetics to contemporary neurosciences. By analysing the almost forgotten lineage between telepathy and brain imaging through artworks such as the animated cinema as “cephaloscope” of Émile Cohl’s ‘Le retapeur de cervelles’ (1910) and Thomas Feuerstein’s neuroscience-based installations, I will highlight continuity and transformations in the conceptualisation of the brain as a thinking and acting entity. If the goal of telepathy and cybernetics was the search for direct communication and tuning in across languages and life forms exorcising the ghost in the machine of Cartesian memory, what do neuroscience-based and inspired artworks want? Nowadays, as I will argue, having left behind the dusty pathways of Cartesian dualism and of the cerebral subject (Vidal and Ortega, 2017), neuroscience-based and inspired artworks engage us with Catherine Malabou’s question “what we should do with our brain” (Malabou 2008)?

Abstract (ita)

I progressi nella ricerca neuroscientifica e nelle tecnologie di imaging implicano che il cervello non sia più un oggetto di meraviglia. La tradizione dell'imaging e della scrittura presente nelle neuroscienze – la prima basata su aspetti morfologici e la seconda su aspetti fisiologici – afferma di catturare entità immateriali e dar loro una forma materiale sotto forma di traccia scritta o di scansione cerebrale (Borck 2016). Sostengo che l'elemento spiritualista residuo presente in tecnologie materialiste come l'imaging cerebrale possa essere fatto risalire agli esperimenti di telepatia precedenti alla nascita ufficiale delle neuroscienze nel 1962. Il mio saggio traccia una traiettoria a lungo termine delle opere d’arte basate e ispirate al cervello e alle neuroscienze, dalla telepatia, passando per la cibernetica, fino alle neuroscienze contemporanee. Analizzando la linea quasi dimenticata che collega la telepatia all'imaging cerebrale attraverso opere come il cinema d'animazione come “cefaloscopio” di Émile Cohl in Le retapeur de cervelles (1910) e le installazioni basate sulle neuroscienze di Thomas Feuerstein, metterò in luce continuità e trasformazioni nella concettualizzazione del cervello come entità pensante e agente. Se l’obiettivo della telepatia e della cibernetica era la ricerca di una comunicazione diretta e di una sintonia tra linguaggi e forme di vita, esorcizzando il fantasma nella macchina della memoria cartesiana, cosa vogliono le opere d’arte basate e ispirate alle neuroscienze? Oggi, come sosterrò, lasciati alle spalle i sentieri polverosi del dualismo cartesiano e del soggetto cerebrale (Vidal e Ortega, 2017), le opere d’arte basate e ispirate alle neuroscienze ci coinvolgono nella domanda di Catherine Malabou: “che cosa dovremmo fare del nostro cervello?” (Malabou 2008)

Biography
Silvia Casini is Senior Lecturer in Film and Visual Culture at the University of Aberdeen where she teaches courses to students in the humanities and in medicine. Her work is situated at the crossroad of visual culture, cinema, science studies, and the medical humanities. Her research, supported by grants coming from, among others, The Leverhulme Trust and the Carnegie Trust features in journals such as Configurations, Leonardo, Contemporary Aesthetics, Nuncius Journal of the Material and Visual History of Science, The Senses and Society. She published two monographs: Giving Bodies back to Data (The MIT Press 2021) and in Italian, ll Ritratto- Scansione (Mimesis 2016). Among her most recent publications there is What counts as data and for whom? The role of the modest witness in art science collaboration (Routledge Handbook of Art, Science, and Technology Studies, 2021). She is currently co-editing a special number on visual culture, trauma and the medical humanities for the film and media studies journal “Cinéma & Cie”.

Delinda Collier
Crypto-Art and the Fungible Body: CUSS Group’s Video Party 4 (2014)

Abstract

CUSS Group’s Video Party 4 (2014) was a performance of a digital video artwork in downtown Harare, Zimbabwe. Cuss Group broadcast a music video, Felony/Stalker 7, by the British conceptual artist / pop musician Dean Blunt. The low-fi and glitch aesthetic, the file sharing transmission, and impersonations in CUSS Group’s and Blunt’s work suggest a “crypto” method of video art. This paper examines the relationship of the fungible in the digital token to the fungibility of the Black body and cultural methods of protecting information and people under perceived or real threat. The Black body after abolition is promised autonomy, but this autonomy is constantly undermined by the fact of its alienation and its ultimate exchangeability

Abstract (ita)

Video Party 4 (2014) del CUSS Group è stata una performance di un’opera video digitale nel centro di Harare, in Zimbabwe. Il CUSS Group ha trasmesso un video musicale, Felony/Stalker 7, dell’artista concettuale/pop britannico Dean Blunt. L’estetica lo-fi e glitch, la trasmissione tramite condivisione di file e le impersonificazioni presenti sia nel lavoro del CUSS Group che in quello di Blunt suggeriscono un metodo “cripto” di fare videoarte. Questo saggio esamina il rapporto tra la fungibilità del token digitale e la fungibilità del corpo nero, così come i metodi culturali di protezione delle informazioni e delle persone in situazioni di minaccia percepita o reale. Al corpo nero, dopo l’abolizione, viene promessa autonomia, ma questa autonomia è costantemente minata dal fatto della sua alienazione e della sua ultima scambiabilità.

Biography
Delinda Collier is Professor of Art History, Theory and Criticism and Interim Dean of Graduate Studies at the School of the Art Institute of Chicago. Her research interests are in old and new media in Africa, Luso-African Art, and Cold War modernisms. She is the author of Repainting the Walls of Lunda: Information Colonialism and Angolan Art (University of Minnesota Press, 2016) and Media Primitivism: Technological Art in Africa (Duke University Press, 2020), among many articles, essays, and reviews.

José Carlos Mariátegui
Cybernetics and the Arts in Latin America – A Journey

Abstract

This paper briefly describes some landmark events and practices which occurred during the ’60s and ’70s in Latin America – a period of intense creative, technological, and political changes – in which ground-breaking ideas of cybernetics and general systems theory influenced practices in the arts and humanities, providing an understanding of complex relations and behavior between disciplines and provide a platform for interdisciplinary communication and international exchanges. Driven by the revolutionary artistic and experimental projects, we elicit the distinctive ways in which Latin American artists and scientists were using technology to respond to local issues at a moment when computer systems and cybernetic models for management and organizational practices were being introduced in the region. The paper draws on the pioneering work of Mexican neurophysiologist Arturo Rosenblueth, a pioneering figure of cybernetics. Then, we will outline the work of the Centro de Arte y Comunicación (Center for Art and Communication) in Buenos Aires as a major regional hub, as well as artists, researchers, and activists such Francesco Mariotti, Francisco Sagasti, Analivia Cordeiro and Teresa Burga. We also provide brief accounts of two experiences in cybernetic management: Cybersyn (Chile) and CENTRO (Peru). Finally, we briefly share some conclusions based on these portrayals in order to frame the conditions that promoted the use of cybernetics in multidisciplinary experimentations in Latin America as well as its challenges. The paper aims to enquire on the necessity to map simultaneously – and from an interdisciplinary approach – different practices, coming from the arts, science and information systems that gives a broader understanding of pioneering experiences and spot some essential international exchanges and networks.

Abstract (ita)

Questo saggio descrive brevemente alcuni eventi e pratiche fondamentali che si sono verificati durante gli anni ’60 e ’70 in America Latina – un periodo di intensi cambiamenti creativi, tecnologici e politici – in cui idee rivoluzionarie della cibernetica e della teoria generale dei sistemi influenzarono le pratiche nelle arti e nelle scienze umane, offrendo una comprensione delle relazioni complesse e dei comportamenti tra discipline e fornendo una piattaforma per la comunicazione interdisciplinare e gli scambi internazionali. Spinti da progetti artistici e sperimentali rivoluzionari, mettiamo in luce i modi distintivi in cui artisti e scienziati latinoamericani utilizzavano la tecnologia per rispondere a problematiche locali, in un momento in cui sistemi informatici e modelli cibernetici per la gestione e le pratiche organizzative venivano introdotti nella regione. Il saggio si basa sul lavoro pionieristico del neurofisiologo messicano Arturo Rosenblueth, figura chiave della cibernetica. Successivamente, verrà analizzata l’attività del Centro de Arte y Comunicación (Centro per l’Arte e la Comunicazione) di Buenos Aires come importante snodo regionale, insieme al lavoro di artisti, ricercatori e attivisti quali Francesco Mariotti, Francisco Sagasti, Analivia Cordeiro e Teresa Burga. Verranno inoltre fornite brevi descrizioni di due esperienze di gestione cibernetica: Cybersyn (Cile) e CENTRO (Perù). Infine, proponiamo alcune brevi considerazioni conclusive basate su questi ritratti, per delineare le condizioni che hanno favorito l’uso della cibernetica nelle sperimentazioni multidisciplinari in America Latina, così come le relative sfide. Il saggio si propone di indagare la necessità di mappare simultaneamente – e da un approccio interdisciplinare – pratiche differenti provenienti dall’arte, dalla scienza e dai sistemi informativi, che permettano una comprensione più ampia delle esperienze pionieristiche e l’individuazione di alcuni scambi e reti internazionali fondamentali.

Biography
José-Carlos Mariátegui is a writer and curator on art, culture, and technology. He studied Biology and received his BSc in Applied Mathematics, holds both Masters and Doctoral degrees in Information Systems and Innovation from the London School of Economics and Political Science – LSE (London). Dr. Mariátegui is the founder of Alta Tecnologia Andina – ATA and co-founder of Escuelab.org, spaces devoted to art, technology and innovation in Latin America. Lecturer at LUISS (Libera Università Internazionale degli Studi Sociali “Guido Carli”) in Rome. Editorial Board member of Leonardo Books, Associate Editor of AI & Society (UK) and Board Member of Future Everything (UK). He is the co-editor with Max Hernandez and Jorge Villacorta of The future was now: 21 years of video and electronic art in Peru (2018) and Del cero al infinito: escritos de arte y lucha Essays by Rasheed Araeen (2019). He has published in journals such as “Third Text”, “The Information Society”, “Telos”, “AI & Society” and “Leonardo” and worked on projects on art, science and technology for more than two decades. His latest exhibition Broken Symmetries/Cuántica, explores the ways in which artists and scientists are interacting together at CERN. Has recently co-edited a special issue for “AI & Society” on Cybernetics in Latin America. His projects had been reviewed in “Financial Times”, “New Scientist” and “The New York Times”.

Roberto Paolo Malaspina, Andrea Pinotti, Sofia Pirandello
Emerging, Filtering, Symbiosing: Experiences in Augmented Art

Abstract

In this paper we offer a theoretical overview of contemporary an-icons, namely images which tend to present themselves as environments or parts of them, negating their iconic nature. Here we focus mainly on those generated by Augmented Reality (henceforth, AR), making a comparison with Virtual Reality (henceforth, VR) images. Both VR and AR are considered to be Extended Reality technologies. Still, while VR environments invite the user to literally dive into them through an experience of immersion that substitutes the actual world with an iconic one, AR digital entities emerge popping up in front of us in the physical environment. We suggest this opposition ‘immersivity vs. emersivity’ should more adequately be understood as a polarity, whose extremes (immersion and emersion) define a scale for VR and AR devices, accordingly to their gradient of unframedness, presentness, immediateness, interactivity. Starting from these premises, we consider a series of New Media Art projects often conceived for social networks such as Instagram, Snapchat, and Tik Tok. Specifically, we propose to consider AR filters as a phantasmagoric and para-hallucinatory presence with which the user interacts in a performative way. AR, and AR art in particular, seems on the one hand to inherit some aspects of collective cinema projects, such as Vertov’s and Garcia Espinosa’s; on the other hand, it can be considered one of those “techniques of the self” aimed at fixing, maintaining or transforming one’s identity (from a bodily, social, and gender perspective). Whether they question the political and identity dimension of the community or that of the single subject, such operations often choose playful communicative strategies to highlight expressive potentialities and repressive criticalities intrinsic to contemporary technologies.

Abstract (ita)

In questo saggio offriamo una panoramica teorica sugli an-icon contemporanei, ovvero immagini che tendono a presentarsi come ambienti o parti di essi, negando la propria natura iconica. Ci concentriamo in particolare su quelle generate dalla Realtà Aumentata (d’ora in poi, AR), mettendole a confronto con le immagini della Realtà Virtuale (d’ora in poi, VR). Sia la VR che la AR sono considerate tecnologie di Realtà Estesa. Tuttavia, mentre gli ambienti VR invitano l’utente a immergersi letteralmente in essi, sostituendo il mondo reale con uno iconico, le entità digitali dell’AR emergono comparendo davanti a noi all’interno dell’ambiente fisico. Proponiamo che questa opposizione immersività vs. emersività vada compresa più adeguatamente come una polarità, i cui estremi (immersione ed emersione) definiscono una scala per i dispositivi VR e AR, in base al loro grado di assenza di cornice, presenza, immediatezza, e interattività. A partire da queste premesse, prendiamo in considerazione una serie di progetti di New Media Art, spesso concepiti per social network come Instagram, Snapchat e TikTok. In particolare, proponiamo di considerare i filtri AR come presenze fantasmagoriche e para-allucinatorie con cui l’utente interagisce in modo performativo.
La AR, e in particolare l’arte in AR, sembra da un lato ereditare alcuni aspetti dei progetti cinematografici collettivi, come quelli di Vertov e García Espinosa; dall’altro, può essere vista come una delle “tecniche del sé” volte a fissare, mantenere o trasformare la propria identità (da un punto di vista corporeo, sociale e di genere).
Che si interroghino sulla dimensione politica e identitaria della comunità o su quella del singolo soggetto, tali operazioni scelgono spesso strategie comunicative ludiche per evidenziare le potenzialità espressive e le criticità repressive insite nelle tecnologie contemporanee.

Biographies
Roberto Paolo Malaspina graduated (MA) in 2019 in Visual Arts at the University of Bologna, with a dissertation on the theoretical identity of postmodern architecture. Between 2019 and 2020 he attended CAMPO, course for curators held by Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. He is currently a PhD student at the University of Milan, Department of Philosophy and Human Science, and member of the ERC project “An-Iconology. History, Theory, and Practices of Environmental Images”, where he conducts a research on the relationship between embodied perception, Virtual Reality and contemporary pornographies. 

Andrea Pinotti is full professor in Aesthetics in the department of Philosophy “Piero Martinetti”, State University of Milan and President of the scientific council of the Fondation Maison des Sciences de l’Homme in Paris. His research focuses on image theories and visual culture studies, virtual and augmented reality, memorialisation and monumentality, empathy theories, the morphological tradition from Goethe to the present day. He has been fellow of various international institutions, among which The Italian Academy at Columbia University, The Warburg Institute in London, the ZFL in Berlin, the IEA and the FMSH in Paris. Among his publications Empathie. Histoire d’une id.e de Platon au post-humain (Empathy. History of an Idea from Plato the the Post-Human, 2016), Cultura visuale. Immagini sguardi media dispositivi (Visual Culture. Images Gazes Media Dispositifs, with Antonio Somaini, 2016), Alla soglia dell’immagine. Da Narciso alla realtà virtuale (At the Threshold of the Image. From Narcissus to Virtual Reality, 2021). In 2018 he has been awarded the Wissenschaftspreis der Aby-Warburg-Stiftung in Hamburg. He is currently directing an Advanced project funded by the ERC (European Research Council) and entitled “An-Iconology. History, Theory, and Practices of Environmental Images” (2019-24). 

Sofia Pirandello is a PhD Student in Aesthetics at the Department of Philosophy of the University of Milan. Her research areas include aesthetics, cognitive sciences, philosophy of technology, theory of media, and contemporary art. She graduated in 2018 with a dissertation about the relevance of imagination in our everyday life, taking into account also specific cases such as literature and schizophrenia. She attended CAMPO, the art curator course held by Fondazione Sandretto Re Rebaudengo of Turin. She is currently working on a PhD thesis about the Augmented Reality feedback on human imagination, investigating its pros and cons from an aesthetical point of view, and also considering its political implications.

Miriam De Rosa
From Ontology to Topology: a Two-leg Methodological Journey to Look at Contemporary Media Arts

Abstract

The article elaborates on the concept of postcinema as an interim response to the debate around cinema medium’s specificity. Pushing it beyond the binary cinema/non-cinema, it advocates for a shift from ontology to topology. Whilst the former questions what moving images are, the latter is instead concerned with how moving images reconfigure themselves in a postdigital age and what relations link them together. Borrowing from Paul Sharits, Michel Serres and connecting them along the journey of an imaginary mariner, the text focusses on media arts as the site of contemporary media configurations and contends that fluidity, ongoingness and open-endedness are the main feature of the logic characterising topology.

Abstract (ita)

L’articolo approfondisce il concetto di postcinema come risposta intermedia al dibattito sulla specificità del medium cinematografico. Superando la dicotomia cinema/non-cinema, propone uno spostamento dal piano dell’ontologia a quello della topologia. Mentre l’ontologia si interroga su cosa siano le immagini in movimento, la topologia si concentra invece su come le immagini in movimento si riconfigurano nell’era postdigitale e su quali relazioni le colleghino tra loro. Prendendo spunto da Paul Sharits e Michel Serres, e connettendoli lungo il percorso di un immaginario marinaio, il testo si concentra sulle arti mediali come luogo privilegiato delle configurazioni mediali contemporanee, sostenendo che fluidità, continuità e apertura siano le caratteristiche principali della logica che definisce la topologia.

Biography
Miriam De Rosa researches screen media arts and experimental cinema, media archaeology and film theories at Ca’ Foscari, University of Venice. She is the author of several books and essays on these topics, the latter being published on Screen and dealing with artistic moving images and topology. She also coordinates the International Master in Cinema Studies (IMACS), co-chairs the NECS CCVA, and sits on the SC. As an independent film curator her latest project was Desktop Cinema (Venice, April 2022).

Chirs Salter
Words without Bodies: Language Models and the Revenge of the Embodied Arts in AI

Abstract

With the release of Open AI’s GPT-3 (Generative Pre-Training, Version 3), a language model that utilizes a recent (2017) neural network called Transformer with some 175 billion tunable parameters, it seems we have to contend with yet another technoscientific challenge to how we understand the world. GPT-3 is claimed to generate coherent, human-like language without any understanding of grammar, vocabulary and context. In this way, it surpasses both older concepts of generative grammar understandings of world (Chomsky 1958) as well as long standing arguments that language cannot exist without a body - that “semantics arises from the nature of the body” (Lakoff 2013). To put this more provocatively, is it possible to have a machine-based system generate something approaching human-like text (which resemble language) when such a system not only lacks understanding of grammar or the social-cultural context inherent to all languages? This essay attempts to address this question by examining how some recent media artistic works using deep neural networks have sought to address the political, aesthetic and ethical consequences of the continued (and perpetuated) gap between machine intelligence/output and bodily experience of the world. It attempts to open up a discussion around the ever-widening split between symbolic and bodily forms of experience; a split that is partially propagated by the increasing ubiquity of artificial intelligence itself. In other words, can we even have the hubris to claim that something that is “modestly” dubbed as “artificial general intelligence” (AGI) and that emerges from purely mathematical models could produce a simulacrum of language, without any sensorimotor understanding of the human and more than human world?

Abstract (ita)

Con il rilascio di GPT-3 (Generative Pre-Training, Versione 3) da parte di OpenAI – un modello linguistico che utilizza una rete neurale recente (2017) chiamata Transformer, con circa 175 miliardi di parametri regolabili – sembra che ci troviamo di fronte all’ennesima sfida tecnoscientifica alla nostra comprensione del mondo. Si afferma che GPT-3 sia in grado di generare linguaggio coerente e simile a quello umano senza alcuna comprensione effettiva della grammatica, del vocabolario o del contesto. In questo modo, il modello supera sia i vecchi concetti di grammatica generativa come visione del mondo (Chomsky 1958), sia le argomentazioni di lunga data secondo cui il linguaggio non può esistere senza un corpo – che “la semantica nasce dalla natura del corpo” (Lakoff 2013). Per dirlo in modo più provocatorio: è possibile che un sistema basato su macchine generi qualcosa che somiglia al testo umano (che somiglia al linguaggio), pur mancando completamente della comprensione della grammatica o del contesto socio-culturale insito in ogni lingua?
Questo saggio cerca di affrontare tale domanda esaminando come alcune recenti opere di arte mediale che utilizzano reti neurali profonde abbiano cercato di indagare le conseguenze politiche, estetiche ed etiche del divario persistente (e continuamente riprodotto) tra l’intelligenza/output delle macchine e l’esperienza corporea del mondo. Intende così aprire una discussione sul crescente divario tra forme simboliche e forme corporee dell’esperienza – un divario che è in parte alimentato proprio dalla sempre maggiore ubiquità dell’intelligenza artificiale.
In altre parole: possiamo davvero permetterci la sfrontatezza di affermare che qualcosa definito “con modestia” come intelligenza artificiale generale (AGI), e che nasce da modelli puramente matematici, possa produrre un simulacro del linguaggio senza alcuna comprensione sensomotoria del mondo umano – e più-che-umano?

Biography
Chris Salter is an artist, full professor of computation arts at Concordia University in Montreal and is the Co-Director of the Hexagram network for Research-Creation in Media Arts and Technology. He completed his PhD in directing/dramatic criticism at Stanford University where he also researched and studied at CCMRA. His artistic work has been seen all over the world at such venues as the Venice Architecture Biennale, Barbican Centre, LLUM BCN, MUTEK, Wiener Festwochen, Berliner Festspiele, Muffathalle, Vitra Design Museum, Chronus Art Center Shanghai, HAUBerlin, BIAN 2014 (Montreal), LABoral, Lille 3000, CTM Berlin, National Art Museum of China, Ars Electronica, Villette Numerique, Todays Art, EXIT Festival, among many others. He is the author of Entangled: Technology and the Transformation of Performance (MIT Press, 2010), Alien Agency: Experimental Encounters with Art in the Making (MIT Press, 2015) and the forthcoming Sensing Machines: How Sensors Shape our Everyday Life (MIT Press, April 2022). In June 2022, he will take up the position of Professor Words without Bodies: Language Models and the Revenge of the Embodied Arts in AI 173 of Immersive Arts and Director of the Immersive Arts Space at the Zurich University of the Arts (ZHdK).

Inge Hinterwaldner, Daniela Hönigsberg, Konstantin Mitrokhov, Martina Richter
Negotiating the way to the Internet. The Impact of Software Design on the browsing experience and User Interaction

Abstract

During the last 30 years, a variety of Web browsers have been developed by software engineers as well as by artists. These applications all serve as entry points to the Web and shape the ways in which users interact. And yet, no study has so far been conducted to establish the relationships between these cross-domain developments. From the early days, the page metaphor provided a successful, initially even defining, conceptual model for presenting Web content in conventional browsers. Artists pursue diverging agendas, metaphors and spatial designs. They tend to abstain from mimicking the page and devote considerable attention to the visual, spatial and temporal configurations of their applications. Focusing specifically on these aspects, we compare five artists’ browsers both with each other and with a set of recurring spatial features in conventional browsers, e.g. “page” and “tab”, in order to distil implicit conceptions of the Internet, its users, and their opportunities-for-action.
In these case studies (I/O/D’s Web Stalker, JODI’s.com.mx from their %WRONG Browser series, Craighead & Thompson’s e-poltergeist, Hernando Barragán & Andrés Burbano’s Hiperlook, and Jasmine Guffond’s Listening Back), we analyze and address the following questions:
a) How are the web browsers designed spatially/visually/temporally?
b) What actions result from this design?
c) What user conceptions are deducible from the possible actions?
d) What Internet conceptions follow from both? Finally, we include findings from browser usage studies to introduce further parameters that help to highlight the specificities of how Internet use and access were envisioned in the browsers. We thereby hope to contribute to art and visual history, interface and Internet studies.

Abstract (ita)

Negli ultimi trent’anni, una varietà di browser Web è stata sviluppata sia da ingegneri del software sia da artisti. Queste applicazioni fungono tutte da punti di accesso al Web e influenzano le modalità con cui gli utenti interagiscono con esso. Tuttavia, nessuno studio è stato finora condotto per analizzare le relazioni tra questi sviluppi trasversali tra domini. Sin dagli inizi, la metafora della pagina ha fornito un modello concettuale efficace – e inizialmente anche definitorio – per la presentazione dei contenuti Web nei browser convenzionali. Gli artisti, al contrario, perseguono agende, metafore e design spaziali divergenti. Tendono a evitare l’imitazione della pagina e dedicano particolare attenzione alle configurazioni visive, spaziali e temporali delle loro applicazioni. Concentrandoci specificamente su questi aspetti, confrontiamo cinque browser artistici sia tra loro sia con una serie di caratteristiche spaziali ricorrenti nei browser convenzionali, come le metafore di “pagina” e “scheda” (tab), al fine di estrarre concezioni implicite di Internet, dei suoi utenti e delle loro opportunità d’azione. In questi studi di caso – Web Stalker di I/O/D, .com.mx di JODI dalla serie %WRONG Browser, e-poltergeist di Craighead & Thompson, Hiperlook di Hernando Barragán & Andrés Burbano, e Listening Back di Jasmine Guffond – analizziamo e affrontiamo le seguenti domande:

a) Come sono progettati i browser dal punto di vista spaziale/visivo/temporale?
b) Quali azioni risultano da questo design?
c) Quali concezioni dell’utente si possono dedurre dalle azioni possibili?
d) Quali concezioni di Internet emergono da entrambi gli aspetti?

Infine, includiamo i risultati di studi sull’uso dei browser per introdurre ulteriori parametri che ci aiutino a mettere in evidenza le specificità di come l’uso e l’accesso a Internet sono stati immaginati all’interno di questi browser. Con questo, speriamo di contribuire alla storia dell’arte e delle immagini, agli studi sull’interfaccia e alle Internet studies.

Biographies
Inge Hinterwaldner studied at the University of Innsbruck, and in 2009 she received her Ph.D in art history from the University of Basel, with a thesis on interactive computer simulations (The Systemic Image, German: Fink 2010, English: MIT Press 2017). Hinterwaldner taught at the Universities of Berne, Basel, Lucerne, Lüneburg, and Zurich before fellowships and grants allowed her to pursue her research at MECS in Lüneburg (2014), Duke University in Durham (2015), and MIT in Cambridge/MA (2016). After teaching at Humboldt University of Berlin, in October 2018 she accepted a professorship for art history at Karlsruhe Institute of Technology (KIT). Her research focuses on interactivity and temporality in the arts, computer-based art and architecture, image and model theory, and the interdependence between the arts and the sciences since the 19th century. 

Daniela Hönigsberg is an academic fellow at the Karlsruhe University of Technology in the Department of Art History. Since 2014, she has been doing her doctorate at the Technical University of Berlin on the topic of software as an artistic material. In 2015, she worked as a research assistant at the Technical University of Berlin for six months on the preparation of the proposal for the project Authorship 2.0. Her research focuses on computer-based art of the 1990s and early 2000s, interconnections of arts and sciences, and the theory of classical and early post-war modernism. 

Konstantin Mitrokhov is a researcher at KIT in the Institute for History of Art and Architecture. His academic background is in art praxis, photographic arts, and systems analysis. Konstantin’s research is focused on open-ended modes of knowledge production enabled by computation, spanning the fields of software studies, STS, film and media studies. He also works collaboratively as a video editor and cinematographer.

Martina Richter is a research assistant at the Karlsruhe Institute of Technology in the Institute for History of Art and Architecture. After studying computer science at KIT, she was e.g. working as a research assistant at Fraunhofer IOSB and as a guest artist at the ZKM | Center for Art and Media. The focus of her work is on robotics from different perspectives – in industrial, artistic and teaching fields.

Ashley Lee Wong
NFTs and Digital Collectibles: Creating systems of ownership for digital objects

Abstract

This article seeks to contextualize digital art collecting and the NFT (nonfungible tokens) within various cultures of collecting of the art market and politics of technological development. Drawing from a brief history of art markets of economies of video and media art, I detail experiences from working at Sedition, an online platform for distributing digital limited editions by contemporary artists. I describe the initial challenges of selling and monetizing (immaterial) digital objects, and the value held in certificates of authenticity and licensing contracts as precursors to the NFT. A perceptual shift following the sale of the first NFT at Christies by Beeple aided the creation of collective fiction by leveraging the power of auction houses to validate and establish a new kind of market. I contextualize the emergence of NFTs within a broader social, cultural and historical milieu often lost within the hype of new innovations. The intention is to demonstrate how art markets, including the NFT markets, are dynamic sociomaterial processes that are partly determined by the technological condition, but also by society and culture. Culture and technology are entwined, where the NFT market continues to reinforce a logic founded upon private ownership, scarcity and financial speculation. Towards the end of the article, I open pathways to consider art beyond finite ownable objects through other applications of blockchain, such as DAOs (decentralized autonomous organizations) to consider how we may sustain and nurture art as shared cultural experiences.

Abstract (ita)

Questo articolo si propone di contestualizzare la raccolta d’arte digitale e gli NFT (non-fungible tokens) all’interno delle diverse culture del collezionismo, del mercato dell’arte e delle politiche dello sviluppo tecnologico. Partendo da una breve storia dei mercati dell’arte nell’economia della videoarte e della media art, presento alcune esperienze maturate durante il lavoro presso Sedition, una piattaforma online per la distribuzione di edizioni digitali in tiratura limitata realizzate da artisti contemporanei. Descrivo le sfide iniziali legate alla vendita e alla monetizzazione di oggetti digitali (immateriali), e il valore attribuito ai certificati di autenticità e ai contratti di licenza, considerati come precursori degli NFT. Un cambiamento percettivo si è verificato con la vendita del primo NFT da parte di Beeple da Christie's, che ha favorito la creazione di una finzione collettiva, sfruttando il potere delle case d’asta per validare ed affermare un nuovo tipo di mercato.
Contesto l’emergere degli NFT in un più ampio contesto sociale, culturale e storico, spesso trascurato nel clamore attorno alle nuove innovazioni. L’intento è dimostrare come i mercati dell’arte, inclusi quelli degli NFT, siano processi sociomateriali dinamici, determinati in parte dalla condizione tecnologica, ma anche dalla società e dalla cultura. Cultura e tecnologia sono intrecciate, e il mercato degli NFT continua a rafforzare una logica fondata su proprietà privata, scarsità e speculazione finanziaria. Nella parte finale dell’articolo, apro delle riflessioni per considerare l’arte oltre l’oggetto finito e possedibile, attraverso altre applicazioni della blockchain, come le DAO (organizzazioni autonome decentralizzate), per immaginare come si possa sostenere e coltivare l’arte come esperienza culturale condivisa.

Biography
Ashley Lee Wong is a curator and researcher based in Hong Kong. She is Co-Founder and Artistic Director of the studio MetaObjects facilitating digital projects with artists and cultural institutions. She is coordinator of the Research Network for Philosophy and Technology. She completed a PhD at the School of Creative Media, City University of Hong Kong, and an MA at Goldsmiths, University of London. She has worked as Head of Programmes and Operations for Sedition, an online platform for distributing digital limited editions by contemporary artists based in London.

Domenico Quaranta
Crypto Art Does Not Exist. Coming to Terms with an Unfortunate Art Label

Abstract

The term “Crypto Art” emerged around 2017 within the communities that, following the example of Rare Pepes (obscure memes turned into collectible digital cards) and of projects such as CryptoPunks and CryptoKitties, started associating digital artworks with NFTs (Non-Fungible Tokens) registered on a blockchain and regulated by smart contracts. Defined in a distributed academic paper (Franceschet et al., 2019) with the help of data scientists, artists, collectors, platform owners and art scholars, the term was irresponsibly popularized by mass media and art magazines along the NFT craze in early 2021. Yet, as an art label, “Crypto Art” is problematic on many levels. This paper offers an in-depth analysis of the way it has been used and of the practices it circumscribes, in the attempt to demonstrate its weakness and the potential danger of using it.

Abstract (ita)

Il termine "Crypto Art" è emerso attorno al 2017 all'interno delle comunità che, seguendo l'esempio di Rare Pepes (meme oscuri trasformati in carte digitali collezionabili) e di progetti come CryptoPunks e CryptoKitties, hanno iniziato ad associare le opere d'arte digitali agli NFT (Non-Fungible Tokens), registrati su una blockchain e regolati da smart contracts. Definito in un articolo accademico distribuito (Franceschet et al., 2019) con l'aiuto di data scientists, artisti, collezionisti, proprietari di piattaforme e studiosi d'arte, il termine è stato irresponsabilmente popolarizzato dai media di massa e dalle riviste d'arte durante il picco della febbre degli NFT all'inizio del 2021. Tuttavia, come etichetta artistica, "Crypto Art" è problematico su molti livelli. Questo saggio offre un'analisi approfondita del modo in cui è stato utilizzato e delle pratiche che circoscrive, nel tentativo di dimostrarne la debolezza e il potenziale pericolo nell'usarlo.

Biography
Domenico Quaranta is an art critic, curator and teacher interested in the ways in which the ongoing technological changes affect contemporary artistic practices. His texts have appeared in numerous magazines, newspapers, books and catalogs. He is the author, among other things, of Beyond New Media Art (2013) and Surfing con Satoshi. Arte, blockchain e NFT (Postmedia Books, Milan 2021); and editor of several volumes, including GameScenes. Art in the Age of Videogames (2006, with M. Bittanti). Since 2005 he has curated several exhibitions, including Collect the WWWorld. The Artist as Archivist in the Internet Age (Brescia 2011; Basel and New York 2012); Cyphoria (Quadriennale 2016, Rome) and Hyperemployment (MGLC, Ljubljana 2019 – 2020). He is a Professor of “Interactive Systems” and a cofounder of the Link Art Center (2011 – 2019).
More information at: http://domenicoquaranta.com.

Paul Thomas
Quantum Reflection

Abstract

The article explores parallels between quantum evolution and developments taking place in the fine arts. Chance, uncertainty, probability, and intuition are all hallmarks of expression across the fields of both art and scientific practice. The role of the observer in art and science is explored through a comparative study between the act of fine art drawing and quantum measurement. What is meant by the role of the observer to the very act of seeing. The observer draws away a veil of inadequacy in looking for reality. The article reflects on the process of drawing’s comparative relationship the role of the observer in art and scientist. This role of the observer is analyzed in relation to delayed choice quantum erasure, probability, indeterminacy, counterfactual definitiveness, entanglement, superposition, and the classical-quantum divide, through the artist’s act of mark-making. There is a need for an attentive gaze when confronting so-called truths. Intentional repositioning and reframing of science practices through art can promote exploration of different ways of visualizing, perceiving, understanding, communicating, and acting in the material world. In so doing the article describes a “quantum drawing” workshop created for art and science practitioners. The workshop is a new model for facilitating a transdisciplinary development of alternative domains and discourses that garner insights from the act of seeing and understanding. The workshop explores visual expression, material interaction and embodied practices speculating on quantum intuition, quantum computing and infinite speed. The article defines the quantization of drawing as a tool for unpacking the role of the observer in art and science to embrace uncertainty.

Abstract (ita)

L'articolo esplora i parallelismi tra l'evoluzione quantistica e gli sviluppi che avvengono nelle belle arti. Caso, incertezza, probabilità e intuito sono tutte caratteristiche distintive dell'espressione sia nell'arte che nella pratica scientifica. Il ruolo dell'osservatore nell'arte e nella scienza viene esaminato attraverso uno studio comparativo tra l'atto del disegno artistico e la misurazione quantistica. Cosa si intende per il ruolo dell'osservatore nell'atto stesso di vedere? L'osservatore solleva un velo di inadeguatezza alla ricerca della realtà. L'articolo riflette sul processo del disegno e sulla sua relazione comparativa con il ruolo dell'osservatore nell'arte e nella scienza. Questo ruolo dell'osservatore viene analizzato in relazione al quantum erasure con scelta ritardata, probabilità, indeterminatezza, definizione controfattuale, intreccio, sovrapposizione e la divisione classica-quantistica, attraverso l'atto artistico del tracciare segni. È necessaria una visione attenta quando ci si confronta con quelle che sono definite verità. Il ri-posizionamento intenzionale e la riformulazione delle pratiche scientifiche attraverso l'arte possono promuovere l'esplorazione di modi alternativi di visualizzare, percepire, comprendere, comunicare e agire nel mondo materiale. In tal modo, l'articolo descrive un workshop di "disegno quantistico" creato per praticanti dell'arte e della scienza. Il workshop è un nuovo modello per facilitare lo sviluppo transdisciplinare di domini e discorsi alternativi che traggono spunti dall'atto di vedere e comprendere. Il workshop esplora l'espressione visiva, l'interazione materiale e le pratiche incarnate, speculando su intuito quantistico, computazione quantistica e velocità infinita. L'articolo definisce la quantizzazione del disegno come uno strumento per svelare il ruolo dell'osservatore nell'arte e nella scienza, per abbracciare l'incertezza.

Biography
Paul Thomas is Honorary Professor at UNSW Art and Design and currently the Director of the Studio for Transdisciplinary Art Research (STAR) as well as the founder and series-chair of the Transdisciplinary Imaging Conference series 2010-2022. In 2000 he instigated and was the founding Director of the Biennale of Electronic Arts Perth 2002, 2004 and 2007. As an artist he is a pioneer of transdisciplinary art practice. His practice led research takes not only inspiration from nanoscience and quantum theory, but actually operates there. His current publication Quantum Art and Uncertainty (October 2018) is based on the concept that at the core of both art and science we find the twin forces of probability and uncertainty. His internationally exhibited research projects have been based on working with scientist inquiring in specific areas of physics. The current creative practice “Quantum Chaos” artwork is based on experiments done in collaboration with the “Centre for Quantum Computation and Communication Technology”, UNSW. Publications, Quantum Art and Uncertainty (2018), Nanoart: The Immateriality of Art (2013). An archive of his practice can be found on the website http://Visiblespace.com.

Roger Malina in conversation with Joel Slayton
Provoking a Desirable Future. The advantages and disadvantages of permeable membranes

Introduction by Joel Slayton

Inciting systemic change requires provocation. Now is the time to rethink the interface between art, science, and technology, a rhetoric that has often lost relevancy in a contemporary world facing a vast ecology of complex challenges. Strategies for addressing sustainability, climate, literacy, equity, and human rights necessitate a more provocative creative problem-solving methodology. Over the years, Roger Malina and I have connected and then disconnected, only to connect again, our paths intersecting in time and place, and through respective professional networks including LEONARDO/ISAST (International Society for the Arts, Sciences, and Technology). Underlying our interaction has been a commitment to expand research, experimentation, and discourse regarding how knowledge is produced, experienced, and shared. Of particular interest to us at the moment is the relationship of provocation to complex systems and networks, and autopoiesis. This recorded on line derived dialogic reflects upon our personal and collective experiences while also attempting to illuminate options for moving forward.

Dall’introduzione di Joel Slayton

Incitare un cambiamento sistemico richiede provocazione. È giunto il momento di ripensare l'interfaccia tra arte, scienza e tecnologia, una retorica che spesso ha perso rilevanza in un mondo contemporaneo che affronta una vasta ecologia di sfide complesse. Le strategie per affrontare la sostenibilità, il clima, la alfabetizzazione, l'equità e i diritti umani richiedono una metodologia di problem-solving creativo più provocatoria. Nel corso degli anni, Roger Malina ed io ci siamo connessi e poi disconnessi, solo per connetterci di nuovo, i nostri percorsi si sono incrociati nel tempo e nello spazio, attraverso le rispettive reti professionali, tra cui LEONARDO/ISAST (International Society for the Arts, Sciences, and Technology). Alla base della nostra interazione c'è stato l'impegno di espandere la ricerca, la sperimentazione e il discorso riguardo a come la conoscenza viene prodotta, vissuta e condivisa. Di particolare interesse per noi in questo momento è la relazione tra provocazione, sistemi complessi e reti, e autopoiesi. Questo dialogo derivato online e registrato riflette sulle nostre esperienze personali e collettive, cercando anche di illuminare le opzioni per andare avanti.

Biographies
Roger Frank Malina is an artscience researcher, educator, editor, astrophysicist. He is a ‘hybrid’ professional. He also writes poetry as part of his creative practice. He co-founded the UTD ArtSciLab (ASL), with UNT Design Professor Cassini Nazir. We enable and incubate close collaboration between scientists and artists, and other hybrid projects. Methods include science of team scienc, transition design, metaphor theory. We develop data performance and transdisciplinary research and apprenticeships, with focuses for example on developing Data Analytics for the ArtSciences. ASL also carries out research in experimental publishing and curating in collaboration with MIT Press and Leonardo/ISAST at Arizona State University and OLATS in Paris. Former NASA PI University of California Berkeley Extreme Ultraviolet Explorer satellite. Former CNRS Director Observatoire Astronomique de Marseille Provence, Marseille. Executive Editor Leonardo Publications, MIT Press. BS Physics MIT 1972, PhD Astronomy UC, Berkeley 1979. Honorary Doctorate from the Polytechnic University of Valencia, and the Ars Electronica Golden Nika for collective work through Leonardo. He is bilingual English, French and has lived in Dallas, Paris, London, San Francisco, Marseille.

Joel Slayton is a pioneering artist exploring the boundaries of Art, Science and Technology. Slayton’s professional practice is that of a provocateur who speculates on the promise and expectations of technology dependent culture. Slayton’s professional practice centers on the relation of elaborate organizational production systems that serve to question the function of art and role of the artist in contemporary society. The L&J. Ranch, Slayton’s most recent initiative, is designed to take place over the next decade as an evolving narrative focused on land-use across rural America. The project focus is on developing the frame of Eco Plasticity as an i way to more deeply appreciate the complexity of human/natural ecologies. Joel Slayton is Professor Emeritus at San Jose State University where he founded the CADRE Laboratory for New Media in 1985. He serves on the Board of Directors for LEONARDO ISAST and is is Senior Fellow of the Silicon Valley American Leadership Forum. Joel Slayton was an original member of the MIT Visible Language Workshop, one of the laboratories that gave rise to the MIT Media Lab. From 2008-2017 he was Executive Director for the ZERO1 Biennial. From 1997-2006 Joel Slayton was President and Founder of C5 Corporation , a hybrid artwork focused on big data visualization and created to intersect art, research. and business practices. Slayton’s artworks have been featured hundreds of exhibitions round the world.

#3-4 “Art in the Age of Ubiquitous Media” - Keywords:

Africa; Alberto Giacometti; Apathy; Artificial General Intelligence; Artificial Intelligence; Augmented Reality; Beeple; Blockchain; Bodily Forms Of Experience; Contemporary Art; Crypto Art; Cybernetics; Database; Deep Mapping; Digital Media; Digital Art; Digitale; General Intelligence; Google; Gpt-3; Hope; Interface; Interactive Systems; Internet; Lev Manovich; Life Science; Memory; Music; Network Visualization; New Media Art; Open Data; Piero Manzoni; Provider; Refik Anadol; Roger Malina; Science Mapping; Social Networks; Spazialità; Street Art; Token; Ubiquity; Virtual Reality; Virality; Visual Culture; Web Developing; Wearable Devices.

VCS #2
Giugno 2021

a cura di Tarcisio Lancioni e Federica Villa

ISSN: 2724-2307

ISBN: 9788857571034

Indice VCS #2 “The Visual Culture of SARS-CoV-2”
a cura di Tarcisio Lancioni e Federica Villa

Tarcisio Lancioni, Federica Villa
Introduzione. The Visual Culture of SARS-CoV-2

Camilla Pietrabissa
The eternal event. Urban void and image temporality from the Renaissance to 2020

Massimo Leone
Masks, Sunglasses, and Gloves: COVID-19 Visual Semantics

Gabriele Marino
Metafora della guerra e guerra alla metafora. Una polemica di prospettiva

Alice Cati
Piccole finestre sul nonumano. Immagini per l’educazione ambientale nell’era della pandemia

Deborah Toschi
Bodies and maps, display the habitat of the contagion

Valeria Burgio
The efficacy of scientific diagrams during the Covid-19 pandemic: processes of visual translation and dynamics of online diffusion

Dario Rodighiero, Eveline Wandl-Vogt, Elian Carsenat
Making Visible the Invisible Work of Scientists during the COVID-19 Pandemic

Stefano Jacoviello
La musica che ci riguarda. Virtual ensemble, pratiche social e memoria del suono

Ermelinda M. Campani
The Virus and the Film Narrative

Andrea-Bianka Znorovszky
The CoronaVirgin: Marian Iconography between Street Art, Social Media, and Lieux de Mémoire

Camilla Balbi
Jenny Holzer’s 2020: New York, activism, and collective mourning. Again.

Cristina Voto
Tornare a guardarci negli occhi. Spazialità, interfacce e cronotopi al di là del cubo bianco

Book of Abstracts VCS #2 “The Visual Culture of SARS-CoV-2”

Tarcisio Lancioni, Federica Villa
Introduzione. The Visual Culture of SARS-CoV-2

Camilla Pietrabissa
The eternal event. Urban void and image temporality from the Renaissance to 2020

Abstract

In the months following the beginning of the 2020 pandemic, visual and textual references to urban void pervaded the media. This essay considers the condition of visibility of the pandemic event, that is to say the very possibility to represent it as a transitory event. How is temporality pictured in empty cities? In the early years of photography, the reporting of an event was hindered by lengthy exposure time. In the case of the 2020 lockdown, the absence of an “event” the image becomes atemporal, revealing the utopic nature of urban representation as discussed by Louis Marin. Here we propose an analysis of the visual representation of the urban void as a place of temporal continuity through a historiographic survey from the Renaissance ideal cities to Canaletto’s views and Giorgio de Chirico’s squares. Among images of 2020, we examine a project by photographer Graziano Panfili, consisting of selected and manipulated stills from webcams placed in public sites around the world. This device of security and control tends to amplify the atemporal and utopian meaning of urban photography.

Abstract (ita)

Nei mesi successivi all’inizio della pandemia del 2020, riferimenti al vuoto urbano hanno pervaso il campo mediatico in forma visiva o testuale. Il presente saggio pone il problema della condizione di visibilità di un evento come la pandemia, ovvero della possibilità stessa di rappresentarla come evento transitorio. Quale temporalità suggeriscono le immagini delle città vuote? Agli albori della fotografia, la possibilità di documentare un evento istantaneo dipendeva dal tempo di posa. Al contrario, nell’assenza di un “evento”, come nel caso del lockdown del 2020, l’immagine urbana diviene atemporale, rivelando la sua natura utopica nel solco dell’analisi di Louis Marin. Il saggio propone una lettura della rappresentazione visiva della città deserta come luogo di continuità temporale attraverso un’analisi storiografica delle rappresentazioni delle città ideali del Rinascimento, delle vedute di Canaletto e delle piazze di Giorgio De Chirico. Tra le immagini del 2020, si analizza in particolare il lavoro del fotografo Graziano Panfili, che ha selezionato e manipolato alcuni fermo-immagine di filmati delle webcam che riprendono spazi pubblici. La scelta di questo dispositivo di controllo, sempre acceso e solitamente monotono, tende ad amplificare la condizione atemporale e utopica propria della fotografia urbana.

Biografia
Camilla Pietrabissa è assegnista di ricerca in storia dell’arte e dell’architettura all’Università IUAV di Venezia, e docente a contratto in storia dell’arte moderna all’Università L. Bocconi di Milano. Ha conseguito il dottorato al Courtauld Institute of Art di Londra nel 2019, ed è stata assistente curatrice al gabinetto dei disegni della Courtauld Gallery e del Musée du Louvre. I suoi interessi di ricerca sono: la teoria e la storia del disegno, e l’immagine di paesaggio e di città nell’Europa moderna. E’ stata borsista del Centre Allemand d’Histoire de l’Art di Parigi e della Fondazione 1563 per l’Arte e la Cultura di Torino, ed è al momento Panofsky fellow allo Zentralinstitut für Kunstgeschichte (ZI) di Monaco.

Massimo Leone
Masks, Sunglasses, and Gloves: COVID-19 Visual Semantics

Abstract

The pandemic begets an entire new visuality, whose implicit function seems to be that of coping with the pernicious invisibility of the virus and its contagions. The article focuses, in particular, on the visual semiotics of the anti-COVID-19 medical face-mask. It argues that, whereas this worn device can be hardly re-functionalized at the individual level, at the collective level, on the contrary, it becomes the object of a recurrent visual re-semantization, whose patterns semiotics must investigate also in order to formulate some previsions about the cultural future of this now omnipresent device: will it remain forever in the human visual space?

Abstract (ita)

La pandemia ha generato una visualità completamente nuova, la cui funzione implicita sembra essere quella di far fronte alla perniciosa invisibilità del virus e dei suoi contagi. L'articolo si concentra, in particolare, sulla semiotica visiva della mascherina anti-COVID-19. Sostiene che, mentre questo dispositivo indossato difficilmente può essere ri-funzionalizzato a livello individuale, a livello collettivo, al contrario, diventa oggetto di una ricorrente ri-semantizzazione visiva, i cui schemi la semiotica deve indagare anche per formulare alcune previsioni sul futuro culturale di questo oggetto ormai onnipresente: rimarrà per sempre nello spazio visivo umano?

Biografia
Massimo Leone è Professore Ordinario di Filosofia della Comunicazione, Semiotica della Cultura e Semiotica dell’Immagine presso il Dipartimento di Filosofia e Scienze dell’Educazione dell’Università di Torino, Vice-Direttore per la Ricerca presso lo stesso Dipartimento, e Professore Ordinario a tempo parziale di semiotica presso il Dipartimento di Lingua e Letteratura Cinese dell’Università di Shanghai, Cina. È stato ricercatore invitato presso numerose università e centri di studi avanzati nei cinque continenti. Le sue ricerche al momento si concentrano sulla semiotica del volto nelle culture digitali. È autore di quindici monografie (in italiano, inglese, francese, cinese, etc.), oltre cinquecento articoli scientifici in varie lingue, e curatore di una quarantina di volumi collettivi. Dirige la rivista Lexia (SCOPUS, fascia A), la rivista Semiotica (De Gruyter, WES, SCOPUS, fascia “A”) e le collane I saggi di Lexia (Aracne), Semiotics of Religion (De Gruyter) e Advances in Face Studies (Routledge).

Gabriele Marino
Metafora della guerra e guerra alla metafora. Una polemica di prospettiva

Abstract

The use of the “war metaphor” to deal with the pandemic has been harshly criticized, as this trope has been abused in the media and political discourse, besides being employed in common discourse, and by the infected themselves. In this regard, classic studies on the pervasiveness and effectiveness of metaphors and on their “romanticized” usage in medi-cal-health context have been cited. But the use of metaphors, as the philosophy of language suggests, is consubstantial to human speech (there is no mere neutral language, on the one hand, and no mere surreptitious language, on the oth-er), nor comparing the similar to the similar (as many did by resorting to past plagues) necessarily proves a better semi-otic strategy (the epidemic is being compared to war precisely by recognizing that the two are actually different things). The paper aims to reflect on the intertwining between these discoursive tensions and suggest how a properly semiotic approach to the issue cannot coincide with an anti-metaphorical, mechanistic, referentialist and reductionist prescrip-tivism. Semiotics should be somewhere in between: words have their own efficacy and do act, but they must not be ab-solutized. They do things, they make believe things and make people do things, but they are not invincible magic for-mulas, nor do we all use them in the same sense, same way, for the same purposes. Semiotics has the numbers to be the right perspective to object against this tropephobia and ortholexia.

Abstract (ita)

Il ricorso alla metafora della guerra per riferirsi alla pandemia, una figura abusata dai media e dai politici, ma impiega-ta anche nel discorso comune, oltre che dagli stessi contagiati, è stato aspramente criticato da più parti. Si sono citati, a tale proposito, studi classici sulla pervasività e performatività delle metafore e sul loro utilizzo “romanticizzante” in contesto medico-sanitario. Ma l’uso delle metafore, come insegna la filosofia del linguaggio più accorta, vi è consu-stanziale (non si dà, cioè, un linguaggio miticamente neutro, da una parte, e uno surrettiziamente ideologicizzato, dall’altra), né paragonare il simile al simile (come fatto da molti richiamandosi ad altre epidemie storiche) si rivela ne-cessariamente una strategia semiotica migliore (si paragona l’epidemia alla guerra proprio riconoscendo che le due cose sono cose comunque differenti). Il contributo intende riflettere su questo intreccio di tensioni discorsive e suggerire co-me un approccio che si voglia dire genuinamente semiotico alla questione non possa coincidere con un prescrittivismo antimetaforico, meccanicistico, referenzialista, riduzionista. La semiotica dovrebbe stare nel mezzo: sa perfettamente che le parole hanno una loro efficacia e agiscono, ma sa anche che non bisogna assolutizzarle. Esse fanno, fanno cre-dere e fanno fare cose, ma non sono invincibili formule magiche, né tutti le utilizziamo nello stesso senso, nello stesso modo, per gli stessi scopi. Su questa tropofobia, su questa ortolessia, insomma, la semiotica ha almeno qualcosa da (ri)dire.

Biografia
Gabriele Marino, semiologo, lavora all’Università di Torino all’interno di FACETS, progetto finanziato dal Consiglio Europeo della Ricerca incentrato sulla semiotica del volto. Si occupa di musica, comunicazione online, teoria semiotica.

Alice Cati
Piccole finestre sul nonumano. Immagini per l’educazione ambientale nell’era della pandemia

Abstract

Among the effects of forced isolation due to the pandemic, one particularly struck the collective imagination: Nature's revenge on man. In fact, within many social and media discourses, the sense of emptiness that initially dominated the public space in the months of the lockdown has gradually turned into the search for an otherness, capable of redefining the boundaries of existence from a new relationship between Man and Nature. With this objective in mind, many institutions and associations have taken action, interested in promoting environmental education initiatives for the younger generations, whose ecological consciousness has formed somewhat earlier than in the past. This paper will therefore examine some projects of reconversion of media devices into real windows of observation and contemplation of near and far natural habitats (e.g. the citizen science activities of Natura dalla/alla finestra and Explore), also adding the study of artistic practices designed to generate and share images of oneself hybridized with the forms of natural elements (e.g. the app Earth Speakr designed with augmented reality by visual artist Olafur Elíasson). Particular attention will be paid to digital media as privileged tools to spread a new ecological education, but always balanced between two tensions: the reification of the natural by the contemporary media system and the creation of a resonant relationship between human and non-human.

Abstract (ita)

Tra gli effetti dell’isolamento forzato a causa della pandemia, uno ha particolarmente colpito l’immaginario collettivo: la rivincita della Natura sull’uomo. All’interno infatti di numerosi discorsi sociali e mediali, l’angoscia per il vuoto che inizialmente ha dominato lo spazio pubblico nei mesi del lockdown si è progressivamente tramutata nella ricerca di un’alterità, capace di ridefinire i confini dell’esistenza a partire da una nuova relazione tra Uomo e Natura. Ponendosi questo obiettivo, si sono mosse numerose istituzioni e associazioni, interessate a promuovere iniziative di educazione all’ambiente per le giovani generazioni, la cui coscienza ecologica si è formata con una certa precocità rispetto al passato. Il presente contributo vuole pertanto esaminare alcuni progetti di riconversione dei dispositivi mediali in vere e proprie finestre di osservazione e contemplazione degli habitat vicini e lontani (es. le citizen science activities di Natura dalla/alla finestra ed Explore), affiancandovi anche lo studio di pratiche artistiche pensate per generare e condividere immagini di sé ibridate con le forme di elementi naturali (es. la app Earth Speakr ideata con realtà aumentata dal visual artist Olafur Eliasson). Particolare attenzione verrà posta sui media digitali come strumenti privilegiati per diffondere una nuova educazione ecologica, sempre però in bilico tra due tensioni: la reificazione del naturale ad opera del sistema mediale contemporaneo e la creazione di un rapporto di risonanza tra umano e nonumano.

Biografia
Alice Cati è ricercatrice t.d. di tipo B presso l’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano, dove è titolare degli insegnamenti di Linguaggi e semiotica dei prodotti mediali e di Linguaggi dell’audiovisivo. I suoi interessi di ricerca riguardano principalmente la relazione tra immagine e memoria, il rapporto tra cultura visuale e migrazione, il documentario, il trauma transculturale, nonché le forme di rappresentazione e narrazione del Sé attraverso i media audiovisivi, con una speciale attenzione verso i film privati. Tra le sue più recenti pubblicazioni, Gli strumenti del ricordo. I media e la memoria (2016) e Cinergie. special issue The Migrant as an Eye/I. Transculturality, Self-representation, Audiovisual Practices (2019). Attualmente è membro del Comitato direttivo del progetto “Mediations/Migrations” sul ruolo dei media nelle pratiche di inclusione dei soggetti migranti.

Deborah Toschi
Bodies and maps, display the habitat of the contagion

Abstract

The cartography of the contagion is configured not as a form of representation of space but as a model of knowledge of lived space, of a habitat. The recent pandemic has relaunched two forms of visualization, dashboards and remote-sensing images. The first, daily widespread and now familiar, are an inscription device, allowing you to view relevant elements in reference to a specific topic declining them in a local, regional, national or international geolocation. Remote sensing images are a complex form of visualization and have a dimension of surveillance and authority. How does this cartography allow us to think about the infected world? Dashboards and mobility maps render an idea of a space changed, less sure, and in continuous transformation, introducing an opaque dimension into surrounded environment. The result is a disoriented gaze we have on reality and the landscape. Powerful satellite imagery, using the pre- and post-event aerial imaging method that is a recurring tool for disaster monitoring and mapping, makes us understand our habitat as dramatically changed. In this perspective, the aerial, detached, objective and explicitly non-human point of view has promoted a great distance between us and the environment.

Abstract (ita)

La cartografia del contagio si configura non come forma di rappresentazione dello spazio ma come modello di conoscenza dello spazio vissuto, di un habitat. La recente pandemia ha rilanciato due forme di visualizzazione, le dashboard e le immagini satellitari. Le prime, diffuse quotidianamente e ormai familiari, sono un dispositivo di iscrizione, che consente di visualizzare elementi rilevanti in riferimento a uno specifico argomento declinandoli in una geolocalizzazione locale, regionale, nazionale o internazionale. Le immagini in remote-sensing sono una forma complessa di visualizzazione e hanno una dimensione di sorveglianza e autorità. In che modo questa cartografia ci permette di pensare al mondo infetto? Dashboard e mappe della mobilità rendono l'idea di uno spazio cambiato, meno sicuro e in continua trasformazione, introducendo una dimensione opaca nell'ambiente circostante. Il risultato è uno sguardo disorientato sulla realtà e sul paesaggio. Invece le immagini satellitari, che ricorrono al metodo di imaging aereo pre e post evento, uno strumento ricorrente per il monitoraggio e la mappatura dei disastri, ci narrano un habitat radicalmente cambiato. In questa prospettiva, il punto di vista aereo, distaccato, oggettivo ed esplicitamente non umano favorisce una messa a distanza tra noi e l'ambiente.

Biografia
Deborah Toschi è professore associate presso l’Università degli Studi di Pavia, nella quale collabora con il centro di ricerca Self Media Lab. Scritture, Performance, Tecnologie del Sé. Le sue aree di ricerca pertengono il cinema italiano, la rappresentazione del femminile e l’immaginario medico-scientifico nella cultura visual contemporanea.

Valeria Burgio
The efficacy of scientific diagrams during the Covid-19 pandemic: processes of visual translation and dynamics of online diffusion

Abstract

The outbreak of the Covid-19 epidemic in 2020 led to an immediate and unprecedented media coverage of scientific and health issues. Experts and scientists were called upon to urgently communicate to citizens the extent of the danger and the measures required to contain it. They thus conceived and developed visual artifacts which could efficiently communicate scientific content to a wider public. This paper specifically examines the scientific chart that dominated the political and national health discourse particularly during the two weeks between March 8th and 21st 2020, and was linked to the slogan “Flatten the curve”. Long circulating in the narrow field of epidemiology, the diagram suddenly spread across the Internet and spilled over onto other media, subject to the progressive variations that made it less ambiguous and increasingly comprehensible to a wider audience. Its evolution, acceptance and circulation on the social networks offer an opportunity to observe how public opinion was formed around constellations of scientists working actively online. It furthermore makes it possible to observe the development of a language that oscillates dynamically between the verbal and the visual, building a common imagery that was used to support the rhetoric of political language. The scientific image is thus observed as effective, to the extent to which it prompts not only knowledge, but action as well, acquiring a performativity that projects it into a strategic-political dimension.

Abstract (ita)

Lo scoppio dell’epidemia di Covid-19 nel 2020 ha comportato immediatamente una copertura mediatica senza precedenti di temi sanitari e scientifici. Esperti e scienziati, chiamati a comunicare con urgenza ai cittadini l’entità di un pericolo e le misure per arginarlo, hanno concepito e sviluppato artefatti visivi finalizzati a comunicare efficacemente un contenuto scientifico a un grande pubblico. Questo saggio esamina in particolare il grafico scientifico che ha dominato il discorso politico-sanitario soprattutto nelle due settimane che vanno dall’8 al 21 Marzo 2020, quello a cui è legato lo slogan “Flatten the curve”. Circolante da tempo nel ristretto ambito epidemiologico, il diagramma si è improvvisamente diffuso in rete ed è rimbalzato su altri media, subendo trasformazioni progressive che ne hanno ridotto l’ambiguità e lo hanno reso sempre più comprensibile al grande pubblico. La sua evoluzione, ricezione e circolazione all’interno dei social network è occasione per osservare il formarsi di un’opinione pubblica intorno a costellazioni di scienziati attive in rete. Inoltre permette di osservare lo sviluppo di un linguaggio che oscilla dinamicamente tra il verbale e il visivo, costruendo un immaginario comune a cui si è appoggiata la retorica del linguaggio politico. L’immagine scientifica è dunque osservata nella sua efficacia, nella misura in cui questa, oltre a “far sapere”, riesce a “far fare” assumendo una performatività che la proietta in un ambito strategico-politico.

Biografia
Valeria Burgio è una ricercatrice indipendente. Questo saggio è stato concepito e sviluppato nell’ambito del suo progetto di ricerca sulla visualizzazione dell’incertezza nell’infografica, svolto presso la facoltà di Design e arti della Libera Università di Bolzano, dove è stata ricercatrice a tempo determinato in teorie e linguaggi del design e ha insegnato per diversi anni Visual Culture nell’ambito di progetti di comunicazione visiva. Laureata in Scienze della Comunicazione a Bologna, ha un titolo di dottore di ricerca in Teorie delle Arti conseguito allo Iuav di Venezia e ha ottenuto assegni di ricerca di post-dottorato all’EHESS/CNRS, Parigi e all’Università Iuav di Venezia. È autrice del libro William Kentridge, pubblicato da Postmedia Books, 2013. Ha co-curato il libro Europa Dreaming. Yearning for Europe from the Brenner Pass, edito dalla Bolzano University Press nel 2019. È stata coordinatrice ed editor del libro Migropolis/Venice: Atlas of a Global Situation, edito da Hatje Cantz Verlag, 2009.

Dario Rodighiero, Eveline Wandl-Vogt, Elian Carsenat
Making Visible the Invisible Work of Scientists during the COVID-19 Pandemic

Abstract

Despite the perceptibility of the effects they impart on their hosts, the most incredible capacity of viruses is in their invisibility. Invisibility is the most frightening side of the current pandemic, and invisible is also the work of the scientists striving to find a solution. This proposal presents a data visualization that aims to give visibility to those scientists working on COVID-19. Their scientific publications have been computationally analyzed and transformed into a relational structure based on lexical similarity. The result is a network of scientists whose proximity is given by their closeness in writing. An innovative visual method that hybridizes network visualizations and word clouds shows the scientists in a deep space, explorable through keywords. In such a space, individuals are situated according to their lexical similarity, and keywords are used to clarify their proximity. By zooming, the visualization reveals more information about scientists and their clusters. While a lot of visualizations during the pandemic focused on showing the spread of infection, causing anxiety among the readers, this visualization reveals the efforts of science in eradicating the virus. Making visible the enormous number of scientists working on COVID-19 research will contribute to coping more positively with the pandemic. The final result is available at this link.

Abstract (ita)

Nonostante la percettibilità degli effetti che impartiscono ai loro ospiti, la capacità più incredibile dei virus sta nella loro invisibilità. L'invisibilità è il lato più spaventoso dell'attuale pandemia, e invisibile è anche il lavoro degli scienziati che cercano di trovare una soluzione. Questa proposta presenta una visualizzazione dei dati che mira a dare visibilità a quegli scienziati che lavorano su COVID-19. Le loro pubblicazioni scientifiche sono state analizzate computazionalmente e trasformate in una struttura relazionale basata sulla similarità lessicale. Il risultato è una rete di scienziati la cui vicinanza è data dalla loro vicinanza per iscritto. Un metodo visivo innovativo che ibrida visualizzazioni di rete e nuvole di parole mostra gli scienziati in uno spazio profondo, esplorabile attraverso parole chiave. In tale spazio, gli individui sono situati in base alla loro somiglianza lessicale e le parole chiave vengono utilizzate per chiarire la loro vicinanza. Zoomando, la visualizzazione rivela più informazioni sugli scienziati e sui loro cluster. Mentre molte visualizzazioni durante la pandemia si sono concentrate sul mostrare la diffusione dell'infezione, causando ansia tra i lettori, questa visualizzazione rivela gli sforzi della scienza per sradicare il virus. Rendere visibile l'enorme numero di scienziati che lavorano alla ricerca COVID-19 contribuirà a far fronte in modo più positivo alla pandemia. Il risultato finale è consultabile al seguente link.

Biographies
Dario Rodighiero (Harvard University). Dario is affiliated at the Berkman Klein Center for Internet & Society and a postdoc of the Metalab, a knowledge-design laboratory working in the arts and humanities. The Swiss National Science Foundation awarded him two consecutive fellowships to study abroad. His capacity at the intersection of visual studies, data science, and digital humanities makes him comfortable in multiple disciplines. The Swiss Federal Institute of Technology in Lausanne awarded him a PhD in Science after attending the program of Architecture and Sciences of the City.

Eveline Wandl-Vogt (Austrian Academy of Sciences). Eveline Wandl-Vogt is an experimentalist, a foundress, and a senior director of Ars Electronica Research Institute knowledge for humanity (k4h+), and a foundress and a coordinator of the transdisciplinary movement exploration space at the Austrian Academy of Sciences. The initiatives represent meta- and anti-disciplinary approaches to reinvent the future of humanities through centered design and open innovation (OI). They are best practice examples for OI of the Austrian government (k4h+, exploration space), vivid collaboration frameworks between artists, business companies, citizens, practitioners, politicians, and scientists.Elian Casernat (Namsor).

Elian Carsenat is a founder and a visionary entrepreneur; he serves as an international consultant and as an experienced data scientist. He is passionate about the world’s cultures and languages and their impact on business, economy, and development. Elian founded NamSor whose algorithm helps to classify personal names by gender, country of origin, and ethnicity, inferring valuable information about 7 billion people. Using this algorithm, Elian and his team have helped countries in reconnecting with diaspora by attracting FDIs, talents, and jobs. In addition, he co-founded GenderGapGrader to promote gender diversity through data and APIs.

Stefano Jacoviello
La musica che ci riguarda. Virtual ensemble, pratiche social e memoria del suono

Abstract

In early March 2020, a decree prevented any form of live music in order to contrast the Sars Cov-2 pandemic. Since then, musical practices are still severely limited, especially in establishing cultural communities based on the collective sharing of the experience of sound. The reaction to the constraints led to a participatory making of multiscreen music videoclips. These processes activated a collective aesthetic and ethical reinvestment in the existing audiovisual format. There came new models of musical performance online, whose semiotic effectiveness is based on the order of space and time imposed by the devices of social networks. On the border between illusory representation and interactive simulation, this paper analyses three cases developed during the pandemic, in which special forms of audiovisual textuality have established virtual regimes of proximity-into-distance, reconstituting communities governed by musical experience online. These processes of sociability mediated by the digital image can bring to the reenactement of collective music signification processes. The sharing of these latter is functional to reconnecting the “memory of sound” precisely through a critical use of the technologies which are disrupting it.

Abstract (ita)

Ai primi di marzo 2020, per l’insorgere del contagio, un decreto ha impedito qualsiasi forma di musica dal vivo. Da allora le pratiche musicali sono ancora fortemente limitate, soprattutto nella capacità di costituire comunità culturali fondate sulla condivisione collettiva dell’esperienza del suono. La reazione alle restrizioni ha spinto a riformulare in modalità partecipativa la produzione di videoclip musicali in multiscreen, provocando un reinvestimento estetico ed etico collettivo sul formato audiovisivo presistente. Ciò ha condotto alla nascita in rete di nuovi modelli di performance musicale, la cui efficacia semiotica è basata sull’ordine di spazio e tempo imposto dai dispositivi dei social network. Sul crinale fra rappresentazione illusoria e simulazione interattiva, saranno analizzati tre casi sviluppati durante la pandemia, in cui le speciali forme di testualità audiovisiva hanno instaurato dei regimi virtuali di prossimità nella distanza, ricostituendo in rete comunità regolate dall’esperienza musicale. A questi processi di socialità mediata dall’immagine digitale può essere delegata la riabilitazione di una semiotica dell’ascolto condivisa, funzionale a ricucire una memoria del suono proprio attraverso un uso critico delle tecnologie che rischiano di disgregarla.

Biografia
Stefano Jacoviello, semiologo, insegna “Semiotica della cultura” all’Università di Siena e teorie e tecniche della comunicazione musicale presso “Siena Jazz” Accademia Nazionale del Jazz. Collabora con la direzione dell’Accademia Musicale Chigiana, dove è responsabile progetti culturali e media. Fra le sue pubblicazioni: La rivincita di Orfeo. Esperienza estetica e semiotica del discorso musicale (Mimesis, Milano 2012).

Ermelinda M. Campani
The Virus and the Film Narrative

Abstract

Cinema has always been attracted to virology. They were born only a few years apart from each other, both are a product of modernity and both, in order to survive, need the masses. This article will analyze some of the most important movies revolving around different aspects of virology and various outbreaks in order to see if there exists a red thread among them, as well as to find out what kind of signified is embedded in the various filmic viruses’ signifiers. Siegfried Kracauer’s idea of the cinema as a mirror of the prevailing society and Pricilla Wald’s influential book focused on the “outbreak narrative” will inform much of our work. The traditional outbreak narrative (which opens with the identification of a new infection, focuses on the epidemiological investigation, and ends with the containment of the virus) has a lot of socio-political implications and, notwithstanding the virus it fights, it always safeguards the society’s structures of domination and mainstream discourses. Instead, as it portrays the fears and the failings of a society, it can only advance if it strives to re-negotiate and re-write these discourses in innovative and inclusive ways. Only then, can it hope to uncover new truths and to defeat the (cultural and ideological) viruses it portrays.

Abstract (ita)

Il cinema ha sempre avuto una certa attrazione per la virologia. Sono più o meno coevi, sono entrambi prodotti della modernità e per sopravvivere hanno entrambi bisogno delle masse. Questo articolo tocca alcune delle più importanti pellicole che, in diversi modi, hanno a che fare con la virologia e le pandemie. L’idea è di verificare se esista o meno un filo rosso che le percorre e soprattutto vedere che significato si nasconde dietro al significante del virus e delle pandemie del grande schermo. I due riferimenti teorici dentro a cui si muove la nostra analisi sono rappresentati da un lato da Siegfried Kracauer e la sua idea tanto di realismo quanto del cinema come macchina sociale, ovvero come specchio della società prevalente. Dall’altro, abbiamo preso a riferimento il saggio seminale di Priscilla Wald (purtroppo non ancora tradotto in italiano) relativo alla narrativa di pandemia. E’ una narrativa dalla struttura tradizionale: si apre con l’identificazione di una nuova infezione, poi si incentra sulla investigazione epidemiologica e si conclude con il contenimento del virus. Dentro a questo arco narrativo classico, si celano una serie di implicazioni socio-politiche che cambiano con il cambiare del periodo storico. Ma indipendentemente da queste differenze e dai diversi virus in questione, le narrative di pandemia hanno sempre un unico scopo: la salvaguardia delle strutture sociali dominanti e il ripristino dell’ordine sociale che il virus ha rischiato di sovvertire. In altre parole, i film di pandemia mettono in atto e in scena le paure e i fallimenti di una società in un dato momento storico. Sconfiggono il virus ma si dimostrano del tutto incapaci di rinegoziare in maniera innovativa e inclusiva le pratiche culturali e ideologiche da cui l’idea stessa di virus ha preso vita.

Biografia
Ermelinda M. Campani è Spogli Family Director del Breyer Center for Overseas Studies della Stanford University in Italia, con sede a Firenze. Si è laureata presso l'Università di Bologna sotto la guida dei compianti professori Franco La Polla e Guido Fink. Ha conseguito un master in letteratura italiana nonché un dottorato di ricerca con un'enfasi in studi cinematografici presso la Brown University. Ha insegnato sia a Brown University che a Rhode Island School of Design ed è stata direttrice ad interim del Brown University Program di Bologna. Insegna “Storia e critica del cinema” agli studenti di Stanford University dal 1993. Ha pubblicato una monografia su Bernardo Bertolucci, un volume sul cinema e il sacro (tradotto in francese nel 2007), e un libro sulle rappresentazioni cinematografiche del corpo umano. Ha scritto articoli su riviste specialistiche europee e statunitensi, ha contribuito all'enciclopedia del cinema Treccani e ha tenuto numerose conferenze. Ha inoltre tenuto corsi e seminari presso Yale University, l'Università di Perugia, Florida State University, la New York University di Firenze e l'Università di Firenze. Sta lavorando sul un volume dedicato al cinema e il cibo.

Andrea-Bianka Znorovszky
The CoronaVirgin: Marian Iconography between Street Art, Social Media, and Lieux de Mémoire

Abstract

The article discusses the visual reinterpretations of Marian iconography in the context of the global outbreak of SARS-Co V-2. Several well-known iconographic themes that originated in the Middle Ages have been adapted, adjusted, and disseminated via social media or as street art disseminating social and political messages. In this sense, the article offers an overview of several visual productions that reinterpret familiar Marian depictions, particularly in Italy and Spain, through processes of contemporaneization that blur the boundaries between the religious and the sacred, and the addition of new iconographic attributes. The article argues that the display of several such new iconographies in specific places of veneration has the function of perpetuating the memory of Mariophanic miraculous events.

Abstract (ita)

L'articolo discute le reinterpretazioni visive dell'iconografia mariana nel contesto dell'epidemia globale di SARS-Co V-2. Diversi noti temi iconografici che hanno avuto origine nel Medioevo sono stati adattati, adattati e diffusi tramite i social media o come arte di strada che diffonde messaggi sociali e politici. In questo senso, l'articolo offre una panoramica di diverse produzioni visive che reinterpretano rappresentazioni mariane familiari, in particolare in Italia e Spagna, attraverso processi di contemporaneizzazione che sfumano i confini tra sacro e religioso e l'aggiunta di nuovi attributi iconografici. L'articolo sostiene che l'esposizione di molte di queste nuove iconografie in specifici luoghi di venerazione ha la funzione di perpetuare la memoria degli eventi miracolosi di Mariofanico.

Biografia
Andrea-Bianka Znorovszky è Marie Skłodowska-Curie Plus One Research Fellow presso l'Università Ca 'Foscari, Venezia, Italia, con un progetto di ricerca “Mary on the Move. Devozione globale nei contesti franco-italiani del tardo medioevo-prima età moderna ". Ha anche ricevuto una borsa di studio Marie Skłodowska-Curie con l'Università Ca 'Foscari di Venezia (2018-2020) e una borsa di studio congiunta per l'eccellenza in scienze e scienze umane dall'Accademia austriaca delle scienze, Vienna, Austria, in collaborazione con l'Università di Salisburgo (2018). Ha conseguito il dottorato di ricerca nel 2016 presso la Central European University, Budapest, Ungheria, con una dissertazione su “Between Mary and Christ: Depicting Cross-Dressed Saints in the Middle Ages (c.1200-1600)”.

Camilla Balbi
Jenny Holzer’s 2020: New York, activism, and collective mourning. Again.

Abstract

The main objective of this paper is the study of Jenny Holzer’s latest works, specifically the Expose (2020) and Protect (2020) projects, from a comparative and historical perspective. The study opens by tracing the echoes – present in the works produced during the pandemic and the darkest time of the Trump administration – of a younger Jenny Holzer, who was struggling to emerge in the late 80s and early 90s as she wanted to give voice to the desperation of New York, a city that had been brought to its knees both by the explosion of the AIDS virus, and the silence and indifference of Reagan’s policy on the issue. Secondly, I will offer some observations about the hitherto unseen interaction of Holzer’s well-established artistic hallmarks – the trucks and the signboard, which she had been using since the 80s – with the use of social media, particularly Instagram, showing how venturing onto social media during the pandemic was a great occasion for Holzer to overcome the postmodern positions of her youth and to rediscover the more strictly political vein of her artistic practice.

Abstract (ita)

L’articolo si propone di analizzare la produzione più recente di Jenny Holzer, in particolare i progetti Expose (2020) e Protect (2020), da una prospettiva insieme storica e comparativa. In primo luogo, si tenteranno di rintracciare gli echi - nelle opere prodotte durante la pandemia e nel periodo più buio dell’amministrazione Trump - della produzione giovanile dell’artista, impegnatissima, tra gli anni Ottanta e i primi anni Novanta, nel dare voce alla disperazione di quella New York messa in ginocchio tanto dall’esplosione del virus dell’AIDS quanto dal silenzio e dall’indifferenza della politica reaganiana. In secondo luogo, la riflessione si concentrerà sull’inedita interazione di pratiche artistiche consolidate per l’artista americana - i trucks e i signboard, impiegati sin dagli anni Ottanta - con i social media, in particolare instagram, rivelando come il ricorso ai social nel corso della pandemia abbia costituito per Holzer un’occasione importante di superamento delle posizioni postmoderne giovanili e una riscoperta della vena più strettamente politica della propria pratica artistica.

Biografia
Camilla Balbi è dottoranda di ricerca in Visual and Media Studies all'Università IULM di Milano, tutor il prof. Vincenzo Trione. Da sempre interessata alle intersezioni tra pratiche mediali e linguaggi artistici differenti, i suoi principali interessi di ricerca riguardano la teoria dell'arte e i curatorial studies. Accanto a questi interessi, oggetto della sua ricerca di dottorato, scrive e si occupa di culture visuali eccentriche, lavorando sulle specificità dello sguardo ebraico e di quello femminile e queer.

Cristina Voto
Tornare a guardarci negli occhi. Spazialità, interfacce e cronotopi al di là del cubo bianco

Abstract

The aim of this essay is to study the online edition of the Bienal de la Imagen en Movimiento in Buenos Aires, an artistic event that faced a disruption of its activities during the spread of the SARS-CoV-2 epidemic. Although a non-presence dimension increasingly coincides today with the fruition of artworks, the online diffusion of biennials and exhibitions has made the reflection on exhibition devices and the condition of spectatorship even more urgent. Specifically, the text analyses the web platform designed and curated for the online edition of the Bienal de la Imagen en Movimiento: mirarnos a los ojos (volver a). Due to the dematerialisation of the artistic signifier imposed by the health emergency, the platform constructs a virtual spatiality where we can look ourselves in the eye again. Through a reflection on the mechanisms of interfacing and the possibilities of interaction offered by digital platforms, mirarnos a los ojos (volver a) declines communicative modes typical of the media with communicative modes typical of face-to-face interaction. A digital translation of the interdependencies that emerged during the health emergency, mirarnos a los ojos (volver a) is a project in which 70 artists participated, invited to occupy an audiovisual space-time mapped out by four chronotopic coordinates with which to construct a collective plot of the experience of confinement.

Abstract (ita)

L’obiettivo di questo testo è lo studio dell’edizione online della Bienal de la Imagen en Movimiento di Buenos Aires, una manifestazione artistica che ha visto sconvolta la propria attività durante la diffusione dell’epidemia da SARS-CoV-2. Sebbene una dimensione non in presenza coincida oggi sempre più frequentemente con la fruizione di opere d’arte, la diffusione online di biennali e mostre ha reso ancora più urgente la riflessione sulle forme espositive e sulle condizioni della spettatorialità. Nello specifico il testo analizza la piattaforma web progettata e curata per l’edizione online della Bienal de la Imagen en Movimiento: mirarnos a los ojos (volver a). Di fronte alla smaterializzazione del significante artistico imposto dall’emergenza sanitaria, la piattaforma costruisce una spazialità virtuale dove tornare a guardarsi negli occhi. Attraverso una riflessione sui meccanismi di interfacciamento e sulle possibilità di interazione offerte dai linguaggi digitali, mirarnos a los ojos (volver a) declina modalità comunicative tipiche dei mezzi di comunicazione con modalità comunicative tipiche dell’interazione faccia a faccia. Traduzione digitale delle interdipendenze emerse durante l’emergenza sanitaria, mirarnos a los ojos (volver a) è un progetto al quale hanno partecipato 70 artiste/i invitate/i a occupare una spazio-temporalità audiovisiva mappata da quattro coordinate cronotopiche con cui costruire una trama collettiva dell’esperienza del confinamento.

Biografia
Cristina Voto è assegnista di ricerca presso il Dipartimento di Filosofia e Scienze dell'Educazione dell’Università di Torino nel progetto ERC FACETS – Face Aesthetics in Contemporary E-Technological Societies –. I suoi ambiti di ricerca sono le arti digitali, la semiotica visiva e le estetiche del volto attraverso una prospettiva biopolitica e di genere. Nella stessa casa di studi insegna “Comunicazione Visiva” presso il corso di laurea magistrale in Comunicazione e Culture dei Media. È docente del Dipartimento di Arte e Culture dell’Universidad Nacional de Tres de Febrero, in Argentina, e curatrice della Bienal de la Imagen en Movimiento di Buenos Aires.

#2 “The Visual Culture of SARS-CoV-2” - Keywords:

Arte Contemporanea; Arte Pubblica; Assemblaggio; Attivismo; Biografia Filmica; Canaletto; Cinema; Città Ideali; Contagio; Contemporaneizzazione; Cultura Visiva; Dashboard; Deep Mapping; Diagrammi; Divulgazione Scientifica; Educazione Ambientale; Fantasienza; Giorgio De Chirico; Graziano Panfili; Guerra; Iconografia Mariana; Immagine Della Città; Interfaccia; Jenny Holzer; Lieux De Mémoire; Mascherine; Media Digitali; Mediatizzazione Della Natura; Memoria; Metafora; Musica; Narrativa Di Pandemia; Network Visualization; Open Data; Paesaggio; Pandemia; Pandemia Di Covid-19; Politica Ecologica; Postmodernismo; Priscilla Wald; Realismo; Ri-Semantizzazione; Rilevamento Satellitare; Scienza Mapping; Semiotica; Semiotica Visiva; Siegfried Kracauer; Social Media; Social Network; Spazio; Spazialità, Digitale; Street Art; Temporalità; Utopia; Viralità; Virus; Virologia; Visualizzazione Dati; Visione Della Macchina.

Hanno contribuito alla sezione Adjecta del numero:

Vito Zagarrio
Locked down. L’estetica della pandemia

Anna Casalino
La ballerina e lo skateboarder: una nuova storia d’amore al museo

Marzia Dattini
Il margine dell’invisibile. Libertà e dispotismo nelle immagini secondo Marie-Josè Mondzain

VCS #1
Novembre 2020

a cura di Ruggero Eugeni e Giulia Raciti

ISSN: 2724-2307

ISBN: 9788857571034

Indice VCS #1 “Atmosfere mediali”
a cura di Ruggero Eugeni e Giulia Raciti

Ruggero Eugeni, Giulia Raciti
Introduzione. Atmosfere mediali. Sentire il mondo come gli altri

Malvina Giordana
La realtà virtuale come atmosfera mediale. Il caso di Notes on Blindness: Into Darkness

Gabriele Gambaro
Atmosfera, medium, habitat. Estetica e tecnica degli ambienti mediali di James Turrell

Valentino Catricalà
Atmosfera e animalità nell’età contemporanea

Luca Malavasi, Lorenzo Ratto
Rafael Lozano-Hemmer e le impressioni delle nostre azioni nel mondo che abitiamo

Vincenzo Estremo, Francesco Federici
Normalizzare l’immersione spettatoriale. Talking is Not Always the Solution di Omer Fast

Simona Lisi
Icaro e il sole. La gradualità immersiva delle atmosfere mediali

Francesco Spampinato
Atmospheric Psychedelia. USCO’s 1960s Intermedia Environments

Martina Federico
Forwarding the flashback. L’analogia delle forme: il flusso di coscienza amoroso nel film e la struttura del suo trailer in To the wonder di Terrence Malick

Anna Bisogno
La moltiplicazione degli schermi. Nuovi habitat televisivi nell’era dei social media

Lorenzo Marmo
Transitional Environments. Color as Atmosphere in 1950s American Cinema

Enrico Carocci
Intimità tecnologica e soggettività mediale. Una lettura di Lei

Andrea Rabbito
Blade Runner 2049 e la relazione affettiva con le immagini tecnicoaudiovisive

Book of Abstracts VCS #1 “Atmosfere mediali”

Ruggero Eugeni, Giulia Raciti
Introduzione. Atmosfere mediali. Sentire il mondo come gli altri

Malvina Giordana

La realtà virtuale come atmosfera mediale. Il caso di Notes on Blindness: Into Darkness

Abstract

The essay proposes an interpretation of the situational qualities of virtual reality. By losing the frame and the enclosed space of representation, virtual reality ought to be considered elusive to a traditional ontology of the medium. Through the VR example of Notes on Blindness: Into Darkness (2016), this paper explains how important the feedback system between the living and the technological is in generating a believable experience for the user. The immersive and generative field of VR, as an encounter between sensitivities, allows to reconsider perception and the aesthetic experience as emancipated from the normative perspectives on materiality while shifting the focus away from the environment as a physical space and towards the openness and intrinsically relational features of the atmosphere.

Abstract (ita)

Il saggio propone una lettura delle qualità situazionali della realtà virtuale che rendono tale medium sfuggente a un’ontologia tradizionale. Attraverso l’esempio del progetto Notes on Blindness: Into Darkness (2016) si cerca di spiegare come nella realtà virtuale, venendo meno la cornice e con essa la chiusura di uno spazio della rappresentazione, l’utente si trovi immerso nell’illusorietà di un ambiente saturo in cui a rendere attuale l’esperienza sono la dinamica relazionale e il sistema di feedback tra il vivente e il tecnologico. Questo campo immersivo e generativo, di incontro tra sensibilità, permette di riconsiderare la percezione e l’esperienza estetica emancipandole da prospettive normative sulla materialità e spostando la riflessione dall’ambiente come spazio fisico al carattere aperto e intrinsecamente relazionale dell’atmosfera.

Biografia
Malvina Giordana è attualmente assegnista di ricerca nel dipartimento di Filosofia, Comunicazione e Spettacolo dell’Università degli Studi Roma Tre. Nello stesso ateneo ha conseguito nel 2018 il Dottorato di Ricerca con una tesi dal titolo: “Media, ambienti, paesaggi. Dalla prospettiva centrale alla prospettiva cosmica”. Il suo lavoro di ricerca riguarda prevalentemente il rapporto tra media e cultura visuale. Ha partecipato a diversi convegni internazionali e ha pubblicato saggi su riviste scientifiche.

Gabriele Gambaro
Atmosfera, medium, habitat. Estetica e tecnica degli ambienti mediali di James Turrell

Abstract

In my article I investigate the role of technologies for the rising of atmospheres. To this extent, I focus my analysis on Third Breath, an imposing architectural installation at Zentrum für Internationale Lichtkunst di Unna (Germany) realized by the American artist James Turrell, who was one of the founders of the Light and Space movement. I describe Turrell’s artwork such as a walk-through within several atmospheres, in which emerges the sensible relationship between the material configurations of the technologies deployed by the American artist and the bodily sensations affecting visitors’ experience. The atmospheric situation, comprehended as the affective dimension emerging within the space from the encounter between senses and technique, allows to conceive of atmospheres as “media environments”. From this perspective, I consider them emphasizing the connection with some fundamental concepts from the ecology of perception, such as medium and habitat.

Abstract (ita)

In questo saggio si intende indagare il ruolo della tecnologia nella costituzione delle atmosfere. A tal fine, si focalizzerà l’analisi su Third Breath, imponente installazione architettonica realizzata da James Turrell, artista americano tra i fondatori del movimento Light and Space, presso il Zentrum für Internationale Lichtkunst di Unna (Germania). L’opera di Turrell si può descrivere come un vero e proprio percorso attraverso distinte atmosfere, nelle quali emerge la relazione sensibile tra le configurazioni materiali delle tecnologie adoperate dall’artista americano e la sensorialità corporea e vissuta dei visitatori che ne fanno esperienza. Il portato atmosferico, ovvero la dimensione affettiva che emerge dall’incontro nello spazio tra sensi e tecnica, consente di ripensare il concetto stesso di atmosfera come “ambiente mediale” e di metterlo in tensione con alcuni concetti fondamentali dell’ecologia della percezione e, in particolare, con quelli di medium e habitat.

Biografia
Ho conseguito nel 2017 il Dottorato di Ricerca presso il Corso Internazionale di “Studi Culturali Europei” dell’Università di Palermo (tutor prof. Antonio Somaini, Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3), con una tesi in Estetica e Cultura Visuale dal titolo “Medium come Habitat. Tecnologia e sensibilità nell’esperienza artistica dell’Expanded Cinema e del Light & Space Movement”. Nel 2018, ho vinto una Borsa di Ricerca Post-Doc presso l’Università di Salerno per il progetto “Cultural Data Visualization” nell’ambito del programma UE RIS3 (Research and Innovation Strategies for Smart Specialization), per una ricerca sullo sviluppo di metodi di analisi e interpretazione dei dati prodotti attraverso l’interazione con i beni culturali. Attualmente sono Teaching Fellow presso il corso triennale in “Estetica e Teorie delle Immagini” del prof. Filippo Fimiani (Dip. di Scienze Politiche e della Comunicazione – Università di Salerno), col quale collaboro dal 2015 come Cultore della Materia.

Valentino Catricalà
Atmosfera e animalità nell’età contemporanea

Abstract

The concept of atmosphere in recent years has become a key to understand new trends in cinema and contemporary art. Videoinstallations has developed an aesthetic based, more than on the structure of a narrative inside the work, on the creation of environments aiming at the total sensorial involvement of the viewer. Spaces conceived as environmental mediums for perception: as atmospheres. The concept of atmosphere will be investigated in the relationship between contemporary art and cinema. A brief digression will follow on the “atmospheric” archaeology of video installations. The last part will be focused on two case studies on the work of the artists Daniele Puppi and Micol Assaël.

Abstract (ita)

Il concetto di atmosfera è diventato negli ultimi anni una chiave di lettura per indagare molti fenomeni negli studi sul cinema e sull’arte contemporanea. L’universo delle videoinstallazioni ha sviluppato un’estetica basata, più che sulla struttura di una narrativa interna all’opera, su la creazione di ambienti che hanno come fine ultimo il totale coinvolgimento sensoriale dello spettatore. Spazi concepiti come medium ambientali per la percezione: come atmosfere. In particolare, l’ambito da noi definito come Media Art si è avvalso dell’“ atmosfera” come operazione artistica. Come afferma Oliver Grau, “For more than 50 years, media art has combined the latest technologies with the big questions of our time: artists critically addressed the visions of life sciences and projections on artificial life, utopias of neuroscience, robotics and cyborgs”. Partendo da una definizione di media art, verrà approfondito il concetto di atmosfera in relazione ai rapporti tra arte contemporanea e cinema. Seguirà una breve digressione sull’archeologia delle videoinstallazioni intese in senso “atmosferico”, focalizzandoci su alcuni case studies, come il lavoro degli artisti Daniele Puppi e Micol Assaël.

Biografia
Studioso, curatore d’arte contemporanea. Si è specializzato nell’analisi del rapporto degli artisti con le tecnologie e con i media. È direttore della sezione Arte della Maker Faire – The European Edition e coordinatore progetti art per il Sony CS Lab di Parigi. Su questi temi è dottore di ricerca presso l’Università degli Studi Roma Tre, è stato Part-Time Post Doc Research Fellow nella stessa Università. Ha svolto ricerche in importanti centri quali lo ZKM di Karlsruhe, la Tate Modern, l’Università di Dundee partecipando a Convegni internazionali e scrivendo diversi saggi in libri e riviste specializzate (vedi, academia.edu). È autore dei libri Media Art. Prospettive delle arti verso il XXI secolo. Storie, teorie, preservazione (Mimesis, 2016) e The Artist as Inventor (Rowman & Littlefield, Londra 2020). È, inoltre, professore presso l’Università Mercatorum di Roma e l’Università di Camerino.

Luca Malavasi, Lorenzo Ratto
Rafael Lozano-Hemmer e le impressioni delle nostre azioni nel mondo che abitiamo

Abstract

The atmospheric value that defines the notion of mediality invites us to reconsider the participative dimension of the artistic production, in particular when it’s directly oriented toward the constitution of environments which make observable the interaction between the subject and the world. The multiform work of the Mexican artist Rafael Lozano-Hemmer, whose peculiarity resides in the “territorial” nature of the performative space and in the interactive use of the technological medium, seems stronglyindicated for questioning the actual notion of mediascape. The essay analysesthe work of Lozano-Hemmer with regard to the problematic nature of the idea of medium, tothe deconstruction of interactive everyday practices, and tothe sinestesic vitality of technology.

Abstract (ita)

La valenza atmosferica che contrassegna la nozione di medialità invita a ripensare la dimensione partecipativa della produzione artistica e, in particolare, di quella più direttamente orientata alla costituzione di ambienti che rendono l’interazione tra soggetto e mondo sia osservabile che sperimentabile. L’opera multiforme dell’artista messicano Rafael Lozano-Hemmer, la cui spiccata originalità risiede nella natura “territoriale” dello spazio performativo e nell’impiego interattivo del medium tecnologico, appare particolarmente indicata per interrogare la nozione di mediascape. Il saggio si sofferma in particolare su quelle opere che problematizzano l’idea stessa di medium, la decostruzione delle pratiche interattive quotidiane e la vitalità sinestesica della tecnologia.

Biografia
Luca Malavasi è professore associato presso l’Università degli Studi di Genova, dove insegna Storia e analisi del film ed Elementi di cultura visuale. È membro del comitato direttivo del semestrale “La Valle dell’Eden”, redattore di “Cineforum”, collaboratore di “L’indice dei libri del mese”. Tra i suoi libri: Mulholland Drive (Lindau, 2008), Realismo e tecnologia. Caratteri del cinema contemporaneo (Kaplan, 2013), Il cinema. Percorsi storici e questioni teoriche (con G. Carluccio e F. Villa, Carocci, 2015), Postmoderno e cinema. Nuove prospettive d’analisi (Carocci, 2017), Il linguaggio del cinema (Pearson, 2019).

Lorenzo Ratto ha conseguito il Dottorato di ricerca in Storia dell’Arte presso l’Università degli Studi di Genova. Il suo progetto di dottorato si è concentrato sul rapporto tra arte e spiritualità in età post-tridentina. Si è occupato inoltre di scultura genovese in legno settecentesca e di alcuni aspetti della cultura visuale contemporanea tra cinema e arti visive. Il suo progetto dottorale si concentra sulle implicazioni formali, teoriche e religiose della pittura a lume di notte in Italia tra XVI e XVII secolo.

Vincenzo Estremo, Francesco Federici
Normalizzare l’immersione spettatoriale. Talking is Not Always the Solution di Omer Fast

Abstract

Artistic practices often intersect with the question of the dispositif and with media environments. This kind of works have relevance in the current artistic landscape and often refers to a context linked to the end of medium specificity. Some artists like Omer Fast, recently decided to link the spectatorial experience to the construction of an environment that has the ability of modifying the management of perception, and thus expands to a bodily and tactile level which asks the spectator to immerse herself/himself in a redefined space, as it happens in the exhibition Talking is not always the solution (2016-17). Starting from this case study we want to consider the role of media environments in contemporary audiovisual practices in order to reflect on both their material dimension(s) and on their role in redefining the effect of reality in the cinematographic field.

Abstract (ita)

Le pratiche artistiche contemporanee si intersecano con la questione del dispositivo e degli ambienti mediali, di particolare importanza nell’attuale panorama, rifacendosi spesso a un contesto legato alla fine della specificità mediale. Alcuni artisti, come Omer Fast, decidono di legare l’esperienza spettatoriale alla costruzione di un ambiente in grado di modificare la gestione della percezione che viene così ampliata fino a un livello corporeo e tattile, chiedendo allo spettatore un’immersione in uno spazio ridefinito, come nella mostra Talking is not always the solution (2016-17). Partendo da quest’ultima si vuole considerare la funzione degli ambienti mediali nelle pratiche audiovisive contemporanee, riflettendo sia sulla loro dimensione materiale che sul loro ruolo nel ridefinire l’effetto del reale in ambito cinematografico.

Biografia
Francesco Federici ha conseguito un Dottorato internazionale di ricerca in Studi audiovisivi presso l’Università degli Studi di Udine, in codirezione con l’Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3. Svolge attività di ricerca e didattica presso l’Università del Molise. In precedenza ha insegnato presso l’Università Iuav di Venezia e l’École supérieure d’art du Nord-Pas de Calais. È l’autore di Frammenti di cinema. Archivi e museografie d’artista (2018) e Cinema esposto. Arte contemporanea, museo, immagini in movimento (2017) e il curatore, con altri, dei volumi Albert Serra. Cinema, arte e performance (2018), Extended Temporalities. Transient Visions in the Museum and in Art Visual Cultural Studies 1 – 2020 (2016), Cinema and Art as Archive. Form, Medium, Memory (2014) e Cinéma: immersivité, surface, exposition (2013). È inoltre uno dei direttori della collana editoriale “Cinema and Contemporary Art” (Mimesis International), curatore dell’omonima sezione della MAGIS International Film Studies Spring School e membro della redazione di “Cinergie”.

Vincenzo Estremo ha conseguito un Dottorato internazionale di ricerca in Studi audiovisivi (Università di Udine e Kunstuneversität Linz). Ha curato mostre in Italia e in Europa, collaborando con il Van Abbemuseum, il Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado e il Salzamt Linz. Autore di contributi apparsi su riviste e antologie nazionali ed internazionali, ha pubblicato Albert Serra, cinema, arte e performance (2018), Extended Temporalities. Transient Visions in the Museum and Art (2016) e Teoria del lavoro reputazionale (2020). Al momento insegna “Teoria e metodo dei mass media” e “Curatela” presso la Nuova Accademia di Belle Arti di Milano. Estremo ha tenuto seminari presso l’Università la Sapienza di Roma e la Bilgi University di Istanbul. È inoltre uno dei direttori della collana editoriale “Cinema and Contemporary Art” (Mimesis International) e curatore dell’omonima sezione della MAGIS Gorizia International Film Studies Spring School. È tra i fondatori ed editor in chief del magazine online in lingua inglese DrosteEffect.

Simona Lisi
Icaro e il sole. La gradualità immersiva delle atmosfere mediali

Abstract

The different and increasingly changing ways to communicate force us to review some categories of media perception. Our corporeality is in fact solicited with the aim of surprising and capturing attention in an increasing way, creating synthetic horizons of strong perceptive immersion. This growing specialization requires an analytical look, able to penetrate more into the actual mechanism of bodily involvement and consequently imaginative. In this paper I therefore explore the difference between immersive media and astantive ones, according to a somatic-experiential approach to detect differences between the various modes and degrees of communicative immersion. This approach highlights how immersion does not always correspond in fact to greater perceptive involvement and that a certain distance is perhaps necessary for media communication to truly achieve its effect.

Abstract (ita)

Le differenti e sempre più cangianti modalità di fruizione segnica ci costringono a rivedere alcune categorie della percezione mediale. La nostra corporeità viene infatti sollecitata con lo scopo di sorprendere e catturare l’attenzione in modo crescente, creando orizzonti sintetici di forte immersione percettiva. Questa crescente specializzazione impone uno sguardo analitico, in grado di penetrare maggiormente nell’effettivo meccanismo di coinvolgimento corporeo e di conseguenza immaginativo. In questo scritto esploro quindi la differenza tra i media immersivi da quelli astantivi secondo un approccio somatico-esperienziale per rilevare le differenze tra le varie modalità e gradi di immersione comunicativa. Questo approccio mette in evidenza come non sempre l’immersione corrisponda di fatto a un maggiore coinvolgimento percettivo e che è forse necessaria una certa distanza perché la comunicazione mediale sia veramente efficace.

Biografia
Simona Lisi, ricercatrice indipendente di estetica della corporeità, danzatrice, attrice e autrice, ha lavorato con alcuni tra i più importanti nomi del panorama artistico contemporaneo. Parallelamente alla sua carriera artistica si è laureata in Filosofia, è specializzata in Antropologia Filosofica, PG Degree in Contemporary Dance, Somatic Movement Educator secondo il metodo BMC©. È stata allieva di Giorgio Agamben con cui ha sviluppato il suo pensiero estetico sulla danza e la corporeità. Ha tenuto lezioni all’Università di Macerata, all’Accademia di Belle Arti di Brera e Macerata, al LABA di Rimini. Suoi contributi scritti sono presenti in In cerca di danza, a cura di C. Muscelli (Costa & Nolan, 2000), Creatori di senso, a cura di M. Schiavoni, (Aracne, 2014), Light, body, space, a cura di N. Tomasevic (Artdigiland, 2014), «Agalma» nr. 35 a cura di C. Di Rienzo (Mimesis, 2018) e nelle riviste online Argo e Limina teatri. Direttrice artistica del festival Cinematica, immagine in movimento (Ancona, VII edizioni) al cui interno cura il Convegno Nazionale Corporeità e nuovi media. È membro AIRDanza, ideatrice della tecnica embodyphilosophy, una via corporea alla comprensione di principi filosofici.

Francesco Spampinato
Atmospheric Psychedelia. USCO’s 1960s Intermedia Environments

Abstract

USCO was an American art collective and commune that from 1963 to 1968 produced an array of immersive installations and nonlinear events aimed at heightening its audience’s consciousness and perception of surrounding reality, while exposing how this was becoming increasingly mediated. Quintessential figures of the 1960s psychedelic counterculture, the group’s vividly multicolored environments consisted in slide, film and light projections, kinetic sculptures, tie-dye fabrics, soundscapes, and stroboscopic devices that overloaded the human sensorium with audiovisual stimuli. The article explores USCO’s pioneering use of the sensitive media-based atmosphere as a medium with references to the theoretical discourses on the “medium” by Walter Benjamin and Marshall McLuhan. In order to contextualize USCO’s peculiar production, at the crossroads of art and technology, references will be made also to coeval art movements such as Pop Art, Happening and radical architecture, and practices such as “intermedia” and “expanded cinema.”

Abstract (ita)

USCO era un collettivo artistico e una comune americana che, dal 1963 al 1968, realizzò una serie di installazioni immersive ed eventi non lineari con l'obiettivo di amplificare la coscienza e la percezione della realtà circostante da parte del pubblico, mettendo al contempo in luce come questa stesse diventando sempre più mediata. Figure emblematiche della controcultura psichedelica degli anni Sessanta, gli ambienti vividamente multicolori del gruppo erano composti da proiezioni di diapositive, film e luci, sculture cinetiche, tessuti tinti a nodo, paesaggi sonori e dispositivi stroboscopici che sovraccaricavano il sensorio umano con stimoli audiovisivi. L’articolo esplora l’uso pionieristico da parte di USCO dell’atmosfera sensibile basata sui media come medium, facendo riferimento ai discorsi teorici sul “medium” di Walter Benjamin e Marshall McLuhan. Per contestualizzare la particolare produzione di USCO, al crocevia tra arte e tecnologia, verranno richiamati anche movimenti artistici coevi come la Pop Art, gli Happening e l’architettura radicale, oltre a pratiche come l’intermedia e il cinema espanso.

Biography
Francesco Spampinato is a contemporary art and visual culture historian and writer, senior assistant professor at the University of Bologna. He holds two degrees from the University of Bologna, in Preservation (2003) and Art History (2004), an MA in Modern Art (2006) from Columbia University, New York, and a Ph.D. in Études Cinematographiques et Audiovisuelles: Arts et Média (2018) from Sorbonne Nouvelle, Paris. From 2011 to 2015 he was Adjunct Professor at Rhode Island School of Design, Providence. His articles have been published on academic journals such as NECSUS, PAJ, Senses of Cinema, and the Stedelijk Studies, as well as magazines such as Abitare, Blueprint, DIS, Flash Art, Kaleidoscope and Mousse. In 2015 he authored the books Come Together: The Rise of Cooperative Art and Design, Princeton Architectural Press, New York, and Can You Hear Me? Music Labels by Visual Artists, Onomatopee, Eindhoven, and in 2017 Art Record Covers, TASCHEN, Cologne.

Martina Federico
Forwarding the flashback. L’analogia delle forme: il flusso di coscienza amoroso nel film e la struttura del suo trailer in To the wonder di Terrence Malick

Abstract

The article aims to investigate the nature of the narrative fragmentation of images in the dialogue between unchanged screen surfaces, that belong to the trailer and to the film respectively, facing their own fruition contexts and revealing their own reception dynamics. Starting from the cue offered by the analysis of To the wonder (T. Malick, 2012), with regard to the transition between the trailer and the film, the reflection develops around the theoretical nodes offered by the trailer, first as a language then as a promotional medium. At first, it is a montage that presents itself in its dual, equally legitimate narrative and anti-narrative possibility. Subsequently, having in the meantime the film revealed its analogy of forms with the trailer, the analysis managed to highlight the need to consider the dynamics of a consolidated practice that become active once involved in specific fruition contexts.

Abstract (ita)

L’articolo mira ad indagare la natura della frammentazione narrativa delle immagini nel dialogo tra invariate superfici di uno schermo, appartenenti rispettivamente a trailer e film, di fronte ai differenti contesti di fruizione, svelandone le dinamiche ricettive che sono loro proprie. Partendo dallo spunto offerto dall’analisi del caso di To the wonder (T. Malick, 2012), relativamente al passaggio trailer e film, la riflessione si sviluppa attorno ai due nodi teorici offerti dal trailer, dapprima in quanto linguaggio e in un secondo momento in quanto mezzo promozionale. In un primo momento, a fare da protagonista è un montaggio che si presenta nella sua duplice, parimenti lecita, possibilità narrativa e antinarrativa; in seguito, avendo nel frattempo il film svelato la sua analogia di forme rispetto al trailer, il discorso riesce a mettere in luce, ritornando sul mezzo promozionale, la necessità di considerare le dinamiche di una prassi consolidata che si attiva quando siamo immersi in contesti fruitivi di un certo tipo.

Biografia
Martina Federico (1980), laureata (2005) a Bologna con una tesi in semiotica del cinema dal titolo “modi del trailer strategie di seduzione narrativa e antinarrativa” con Nicola Dusi, addottorata (2014) a Torino sempre in semiotica del cinema con una tesi sulla scena di seduzione al cinema, con Ugo Volli. Ha pubblicato una monografia dal titolo Trailer e film. Strategie di seduzione cinematografica nel dialogo tra i due testi (Mimesis, 2017). Si occupa di critica cinematografica di trailer su “Segnocinema” (dal 2012) e su “Doppiozero” (dal 2018). Collabora mediante seminari e didattica integrativa dal 2014 con le cattedre di Semiotica dell’Università di Reggio Emilia, e con quella di Teoria della Creatività dello Iulm, dal 2017. Dal 2018 tiene un seminario di “Teoria e analisi del trailer” presso l’Università di Modena. Ha insegnato e insegna analisi del trailer e semiotica della fotografia presso lo Ied di Milano e di Torino.

Anna Bisogno
La moltiplicazione degli schermi. Nuovi habitat televisivi nell’era dei social media

Abstract

The reality’s experience is increasingly subjected to a process of elaboration, implemented by virtual realities, which ends up changing the way we perceive things. The media have long been our new socialization environments, “places” frequented daily. It is called media experience and means that the media are forms of living and complex experience: not only cognitive, but also emotional, practical, relational. Traditional media inform about events and entertain in moments of pause and free time but digital media are increasingly producing semi-spheres in which hybrid entities coexist, real and media, physical and digital, public and private, cognitive and sensitive. The social sphere enters into dialectics with traditional media: news and narratives, comments and criticisms bounce from one side to the other. From this point of view, the TV of talk and infotainment is an emblematic case. 162 Visual Cultural Studies 1 – 2020 The rich diffusion of the new digital channels, the consolidation of satellite television, but also the explosion of on demand content, have urged the player market to exercise hybrid solutions for enriching and integrating the television offer, appealing to the potential given by the web. The television networks – being aware of the re-determination of the medium – combine and integrate new engagment models and strategies with the offer of contents and the programming strategies typical of generalist television. The television networks – being aware of the re-determination of the medium – combine and integrate new engagment models and strategies with the offer of contents nd the programming strategies typical of generalist television.

Abstract (ita)

L’esperienza del reale viene sempre più sottoposta ad un processo di elaborazione, messo in atto da realtà virtuali, che finisce per mutare il modo di percepire le cose. Da tempo i media costituiscono i nostri nuovi ambienti di socializzazione, “luoghi” frequentati quotidianamente. Si chiama esperienza mediale e significa che i media costituiscono forme di esperienza viva e complessa: non solo cognitiva, ma anche emotiva, pratica, relazionale. I media tradizionali informano sugli eventi e intrattengono nei momenti di pausa e tempo libero ma sono sempre più i media digitali a produrre semiosfere nelle quale convivono entità dallo statuto ibrido, reali e mediali, fisiche e digitali, pubbliche e private, cognitive e sensibili. La sfera social entra in dialettica con i media tradizionali: notizie e narrative, commenti e critiche rimbalzano da una parte all’altra. Da questo punto di vista la TV dei talk e dell’infotainment rappresenta un caso emblematico. La ricca diffusione dei nuovi canali digitali, il consolidamento della televisione satellitare, ma anche l’esplosione dei contenuti on demand, hanno esortato il mercato dei player, ad esercitare soluzioni ibride di arricchimento e integrazione dell’offerta televisiva, facendo appello alle potenzialità date dal web. Le reti televisive – presa consapevolezza della rideterminazione del medium – accostano e integrano all’offerta dei contenuti e alle strategie di palinsesto tipiche della tv generalista nuovi modelli e strategie di engagment.

Biografia
Anna Bisogno è professore associato di Cinema Radio e Televisione presso l’Università Mercatorum nel corso di laurea in Scienze e Tecnologie delle Arti, dello Spettacolo e del Cinema. Già docente di Storia e linguaggi della radio e della televisione e di Cultura Visuale all’Università di Roma Tre, ha insegnato Televisione presso l’Università Suor Orsola Benincasa di Salerno e Scrittura e Cultura della Comunicazione presso il Dipartimento di Comunicazione e Ricerca Sociale de La Sapienza. Ha pubblicato La TV invadente. Il reality del dolore da Vermicino ad Avetrana (Carocci, 2015) Questioni di post televisione. Modelli, convergenza e archivi digitali (Aracne Editrice, 2011), La storia in tv. Immagine e memoria collettiva (Carocci, 2009). È autrice di numerosi saggi tra i quali: Memoria pubblica e memoria mediata. Modelli e linguaggi del racconto storico nella paleotelevisone (Liguori, 2013), Televisioni senza frontiere: un’analisi sulla Direttiva europea del 1989 (Franco Angeli, 2004), Il Prime Time. Come Rai e Mediaset organizzano la serata degli italiani (Franco Angeli, 2002).

Lorenzo Marmo
Transitional Environments. Color as Atmosphere in 1950s American Cinema

Abstract

The paper investigates color as a form of atmosphere in 1950s Hollywood cinema. It represents an attempt to try and bridge the gap between the employment of the notion of atmosphere in the field of media studies, and its adoption as a useful term to account for certain precise stylistic choices on the part of the filmmakers. The article finds its main theoretical reference point in the theory of culture elaborated by British psychoanalyst Donald Winnicott, with his categories of “transitional object” and “potential space”. The discussion is structured according to a decreasing degree of tangibility. It starts with the atmospheric quality of haptic, almost graspable cinematic objects, to conclude with colored light and its ability to suffuse the environment. Such an articulation of the discourse aims at illuminating the different ways in which the use of color affected the whole range of transitional interplay between materiality and ambiance that characterizes the film experience.

Abstract (ita)

Il saggio tratta dell’impiego del colore quale forma di atmosfera nel cinema statunitense degli anni Cinquanta. Il lavoro cerca di conciliare la riflessione di stampo mediale sull’idea di atmosfera e l’adozione di questa categoria per rendere conto di precise opzioni stilistiche e di messa in scena. L’articolo trova il proprio riferimento teorico principale della teoria della cultura elaborata dallo psicoanalista inglese Donald Winnicott, con i suoi concetti di “oggetto transizionale” e “spazio potenziale”. La discussione è strutturata secondo un grado discendente di tangibilità: si parte dalla qualità atmosferica e aptica degli oggetti cinematografici, per arrivare alla luce colorata e alla sua capacità di effondersi nell’ambiente. Una tale articolazione del discorso serve ad investigare il ruolo giocato dal colore in quella dinamica di perenne sospensione transizionale tra materialità e spazialità che caratterizza l’esperienza cinematografica.

Biografia
Lorenzo Marmo è professore associato presso l’Università Mercatorum, e insegna cinema anche presso l’Università di Napoli “L’Orientale”. Ha conseguito il titolo di dottore di ricerca nel 2014 presso l’Università Roma Tre, e nel 2017 è stato Lauro de Bosis Postdoctoral Fellow presso la Harvard University. È autore di Roma e il cinema del dopoguerra. Neorealismo melodramma noir (Bulzoni 2018), ha pubblicato numerosi saggi e partecipato a convegni nazionali ed internazionali. Tra i suoi interessi principali: il rapporto tra cinema, fotografia e discorsi sulla spazialità; il cinema statunitense classico e postclassico; la teoria del melodramma cinematografico nei contesti americano e italiano; l’intreccio tra immagini statiche e immagini in movimento nel contesto online contemporaneo; il concetto di atmosfera in relazione alla fotografia e ai social media.

Enrico Carocci
Intimità tecnologica e soggettività mediale. Una lettura di Lei

Abstract

This article offers a reading of Spike Jonze’s Her (2013), a film about the relationships that human subjects entertain with XXI century media in the context of a growing process of ‘naturalization’ of technology. After having emphasized the relevance of Jonze’s film for a theory of atmospheric media, the article addresses cognitive science, with particular reference to the enactive approaches, in order to develop a concept of a medial subjectivity which is affective, open, and in continuous interaction with the environment and its structures.

Abstract (ita)

Questo articolo propone una lettura di Lei (2013) di Spike Jonze, un film sulle relazioni che i soggetti umani intrattengono con i media del XXI secolo nel contesto di una crescente ‘naturalizzazione’ della tecnologia. Dopo aver evidenziato la rilevanza di alcune implicazioni del racconto di Jonze per la teoria dei media, l’articolo si rivolge alle scienze cognitive, e in particolare alle prospettive enattive, per proporre l’idea di una soggettività mediale, affettiva, costitutivamente aperta e in continua interazione con l’ambiente e le sue strutture.

Biografia
Enrico Carocci è professore associato presso l’Università Roma Tre, dove insegna ‘Estetica del cinema e dei media’ e ‘Interpretazione e analisi del film’. Le sue ricerche si focalizzano tra l’altro sul tema del coinvolgimento emozionale, con particolare attenzione ai rapporti tra teoria dell’esperienza spettatoriale e analisi filmica. È autore di numerosi saggi apparsi in volume e su riviste scientifiche, nonché di studi monografici tra cui Il sistema schermo-mente. Cinema narrativo e coinvolgimento emozionale (2018).

Andrea Rabbito
Blade Runner 2049 e la relazione affettiva con le immagini tecnicoaudiovisive

Abstract

This essay examines how Blade Runner 2049, directed by Denis Villeneuve, offers several points for reflecting on the relationship between man and media that are linked to the neo-aesthetic theory proposed by Gernot Böhme and his analyses on the concepts of atmosphere, perception and affective situation, expressed in his book Aistetik.

Abstract (ita)

Il saggio analizza come il film Blade Runner 2049 di Denis Villeneuve offra diversi spunti di riflessione sul rapporto uomo-media che si legano alla teoria neoestetica proposta da Gernot Böhme e alle sue analisi in merito ai concetti di atmosfera, percezione, situazione affettiva, espresse nel suo volume Aistetik.

Biografia
Andrea Rabbito è professore associato di Cinema, fotografia e televisione presso l’Università degli Studi di Enna “Kore”. È autore di una tetralogia sull’illusione e i rapporti tra il cinema e l’arte della modernità, di cui L’onda mediale (2015) costituisce l’ultimo capitolo. Ha curato la nuova edizione de Lo spirito del tempo (2017) di Edgar Morin e il volume La cultura del falso. Inganni, illusioni e fake news (2020) per Meltemi. È direttore, assieme a Steve Della Casa, della collana “Videns” per la casa editrice Mimesis. Dirige il gruppo di ricerca “I linguaggi artistici e le poetiche del Seicento” dell’Università degli Studi di Enna “Kore”.

#1 “Atmosfere mediali” - Keywords:

Affettività Enattiva; Ambienti Mediali; Art And Technology; Arte Contemporanea; Atmosfera; Blade Runner 2049; Cinema; Color; Donald Winnicott; Estetica Dei Media; Estetica Ecologica; Expanded Cinema; Film And Media; Frammentazione; Gernot Böhme; Habitat; Immagini In Movimento; Immersivo; Incorporazione; Intelligenza Artificiale; Intermedia; James Turrell; Materialità; Media; Media Art; Media Atmosferici; Mediascape; Mimesi; Narrazione; Neoarcaismo; Neoestetica; Notes On Blindness; Phantasmata; Postcinema; Postmedia; Psychedelic Culture; Rafael Lozano-Hemmer; Realtà Virtuale; Ricordo; Schermi; Site; Social Media; Social Network; Soggettività; Sorveglianza; Spike Jonze; Televisione; Trailer; Transitional Object; Visual Studies.